Польский оркестр сыграл "Реквием" по своим финансам

Протестное выступление оркестра польской Камерной оперы. Фото ©AP

Музыканты оркестра польской Камерной оперы провели траурный концерт перед зданием министерства культуры страны в Варшаве, сообщает агентство PAP. Сыграв "Реквием" Вольфганга Амадея Моцарта, музыканты выразили протест против сокращения бюджета своей оперы почти на четверть. Сотни прохожих, случайно ставших зрителями концерта, встретили выступление оркестра бурными овациями.
Как сообщает Associated Press, концерт проходил на фоне транспаранта, гласившего: "Министр, только ты можешь спасти Камерную оперу". Через охрану министерства музыканты вручили его главе письмо, подписанное 20 тысячами поляков, в котором содержится просьба оставить финансирование оперы на прежнем уровне. По словам участников акции, в противном случае ее придется закрыть уже этим летом.
Ни министр Богдан Ждроевский, ни его представители никаких комментариев по поводу произошедшего давать не стали. Ранее в правительстве Польши поясняли, что сокращение финансирования оперы, а также других учреждений культуры связано с введением норм экономии, затрагивающих и другие статьи расходов бюджета страны.
Варшавская Камерная опера — театр с 50-летней историей, известный проведением ежегодного фестиваля музыки Моцарта.
Польша, как и большинство стран Евросоюза, в последние месяцы пытается сбалансировать бюджет, чтобы не допустить финансового кризиса, подобного тому, что поразил страны южной Европы.
30.05.2011
http://cultnews.ru/

Вандалы нанесли ущерб синагоге в Тверии


31/05/2012
В понедельник синагога Хамат-Тверия, датируемая четвертым веком, подверглась нападению вандалов, которые разрисовали стены баллончиками в стиле граффитии, разбили выложенный мозаикой пол. Управление древностей Израиля подозревает в содеянном экстремистских ультраортодоксов, которые утверждают, что власти нанесли ущерб древним могилам во время раскопок.
Целая череда актов вандализма захлестнула Израиль: на некоторых археологических памятках появилась надпись: «За каждую оскверненную могилу будет осквернен памятник».
Photo: Moti Dolev / Haaretz Daily
Повреждения во вторник утром обнаружили сотрудники израильского Управления природы и национальных парков. Работа вандалов довела одного из работников до слез, а другой добавил: “вот он, Афганистан”.
Подобные же акты были проведены и в других исторических местах: на некоторых археологических памятках появилась надпись: «За каждую оскверненную могилу будет осквернен памятник». На других – «За Шука» (возможно, речь идет о Шука Дорфмане, главе Управления древностей).
Полиция Тверии расследует дело, а власти пытаются компенсировать повреждения и договориться о возможной реконструкции.
Синагога в Национальном парке Хамат-Тверия была обнаружена в 1921 году писателем и переводчиком Нахамом Слушцем. Нашли её на первых крупных раскопках, которые велись евреями-сионистами на Святой Земле.
“Самая красивая часть мозаики четвертого века сильно повреждена, - сообщил Дрор Бен Йосеф из Управления древностями. – Злоумышленники проделали дыру в полу и повредили изображение святых врат и миноры. Похоже, что они упорно трудились, чтобы нанести ущерб полу”.
Круг зодиака, выложенный мозаикой, похоже, ударили киркой. “Это – харедим, которые считают, что если здесь нарисован зодиакальный круг, то это уже не синагога, - прокомментировал Бен Йосеф. - В этом случае зодиакальный круг – это эллинский мотив в иудаистской интерпретации”. Угол мозаики был отколот целиком.
Бен Йосеф также добавил, что, возможно, эта синагога была тем местом, где составили иерусалимский Талмуд, а на мозаике были изображены важные символы, такие как святые врата с украшенной занавесью, минора, пальмовая ветвь и курильня. Мозаика складывалась в надписях на иврите, арамейском и латыни.
По информации Бен Йосефа экстремисты из харедим угрожали и другим памятникам. “Мы будем охранять памятники, - сказал он, - кто бы ни покусился на их святость. Эти люди причинили вред нашему историческому наследию”.
По словам Дины Авшалом-Горни из Управления древностями, реставрационные работы будут проводиться, но этого недостаточно. “Эта мозаика уже никогда не будет той, которой люди молились 1600 лет назад, - сказала она. – Здесь вы можете почувствовать и понять, как когда-то люди жили, молились, познавали мир и общались. Теперь ничего не будем прежним. Мы имеем дело с вандалами, уничтожающими памятники наследия. Нужно что-то делать, чтобы остановить это”.
За последние несколько месяцев ущерб был нанесен нескольким археологическим памяткам. Была повреждена мозаика Хурват Ханот неподалеку от Иерусалима, 1300-летний очаг рядом с Явне и хранилище артефактов в Афуле. Угрозы получали и члены общественной дружины, которая охраняет памятники культуры.

http://gallerix.ru/

Баронесса Тиссен продает жемчужину своей художественной коллекции


30/05/2012

3 июля в Лондоне на аукционе Christie’s будет продана одна из самых дорогих картин из коллекции баронессы Кармен Тиссен (Carmen Thyssen) - «The Lock» («Шлюз») Джона Констебла (John Constable).


 Джон Констебл - Шлюз (1824)
“Мне очень жаль продавать картины. Даст Бог, я не буду больше этого делать”, - заявила баронесса в своем интервью. Мотивом для продажи шедевра стали материальные затруднения. “Мне нужны деньги, кризис затронул даже коллекционеров, а сохранить коллекцию стоит немалых затрат. Кроме того, моя коллекция уже 13 лет бесплатно предоставляется испанскому правительству и постоянно экспонируется в музеях”, - скзала Кармен Тиссен.
«The Lock» Джона Констебла была куплена бароном Тиссеном в 1990 году, и стала единственной картиной серии из шести полотен, находящейся в частных руках.
Шедевр Джона Констебла -далеко не первая картина, которую продает баронесса. Пару лет назад, одно из полотен из собрания Тиссен, было куплено анонимным коллекционером из Нью-Йорка. Первоначально, Кармен Тиссен предложила Министерству культуры Испании купить эту картину по по сравнительно низкой цене и в рассрочку. Но ни бывший министр культуры Анжела Гонсалес Синде, ни нынешний Хосе Игнасио Верт предложение не приняли.
Согласно договору, на основании которого коллекция дома Тиссен предоставляется в аренду испанскому государству, баронесса может продать картины не более, чем на 10% от общей стоимости коллекции, которая составляет примерно 800 миллионов евро. Сумма, вырученная от продажи «The Lock», составит, приблизительно 4,5%. Самой дорогой картиной в собрании Тиссенов является «Mata Mua» Гогена (Gauguin), оцениваемая в 150 миллионов евро.

http://gallerix.ru/

Фрагонар Жан Оноре. Рококо



Фрагонар Жан Оноре (1732–1806) (Fragonard Jean-Honore), французский живописец и график. Учился в Париже у Шардена, Буше, Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756–1761); работал в Париже. В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея - Лувра. Продолжая традиции искусства рококо, Фрагонар достиг особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Произведения художника, исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами (“Качели”, 1766, собрание Уоллес, Лондон; “Праздник в Сен-Клу”, 1775, Французский банк, Париж; “Поцелуй украдкой”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и многочисленных рисунков Фрагонара - штудий натуры и пейзажей, выполненных в технике сангины, бистра, иногда сепии. Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях (“Свидание”, “Погоня”, 1771-1773, обе картины в собрании Фрик, Нью-Йорк). Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира, любил теплую золотистую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись, эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы (“Задвижка!”, 1776, Лувр, Париж), то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х годов), тонкостью свето - воздушных эффектов. Фрагонар мастер мимолетного наброска с натуры. В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний, которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни. Художник Жан Оноре Фрагонар смело разрушал каноны аристократического портрета восемнадцатого столетия.
В картине “Портрет Дени Дидро” (Музей Карнавалет, 1768, Париж) Фрагонар запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. За пределы портретного жанра несколько выходит образ “Вдохновения” (1769, Музей Лувр, Париж), подчиненный одной страсти — патетическому взлету мысли, мечты. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными для романтизма 19-го века.
В 1773-1774 годах Фрагонар путешествовал по Италии, сопровождая в качестве художника богатого откупщика Бержере. В Генуе, Флоренции, Риме Фрагонар делает много зарисовок уличных сцен, пейзажей, архитектуры, типов. Рисунки второго путешествия исполнены в технике бистра с размывом (лавис), сангиной, акварелью, свинцовым и итальянским карандашами, тушью. В них Фрагонар проявил себя одним из самых блестящих графиков 18 века. По сравнению с более продуманными зарисовками виллы Д'Эсте эти листы легки и воздушны, насыщены светом.
Найденные в графике возможности передачи тонального богатства света и цвета Фрагонар использовал в созданной по возвращении из Италии серии видов французских парков. Свежесть передачи непосредственного впечатления соединена в них с фантастическими элементами (“Игра в жмурки”, 1773-1776, Национальная галерея, Вашингтон; “Праздник в Рамбуйе”, середина 1770-х, Художественный музей, Лиссабон). Творческая активность художника в этот период снижается. В серии аллегорических полотен 1780-х годов (“Источник любви”, Собрание Уоллес, Лондон), перекликающейся с серией галантных празднеств, проявилось влияние стилистики классицизма второй половины 18 столетия. Живописный темперамент художника никогда не угасал в портрете (“Жак Луи Давид», частное собрание; “Портрет жены”, Копенгаген, Музей искусств).
Тот же Давид скажет о Фрагонаре в годы революционных событий, когда художник покинул Париж: «Пыл и оригинальность — вот что его характеризует». Он назовет имя Фрагонара среди претендентов на место хранителей коллекции Лувра. Огромный диапазон деятельности Фрагонара, его живописная оригинальность и творческая независимость отвечали духу культуры века Просвещения. Искусство художника Фрагонара завершало восемнадцатый век, оно было камерно, но не было предназначено лишь для будуаров и альковов. Оно предвосхищало потенциальные возможности живописи последующего времени. И поэтому наследие Фрагонара было близко всем мастерам 18 и 19 столетий, которые ощущали внутреннюю связь с его живописью и графикой, воспевавшими красоту и радость бытия, приподнимающими искусство над обыденностью.

 
 
 
 
 



Риччи Себастьяно. Рококо


Риччи (Ricci) Себастьяно (1659, Беллуно — 1734, Венеция), итальянский живописец.
Учился в Венеции у Себастьяно Маццони и Федерико Червелли, последователя Джордано Лука, затем в Болонье — у Джан Джузеппе дель Соле, подражавшего манере Веронезе. Работал в Болонье (до 1686), Парме, Риме (1686-1695), Милане (1700-1707), Венеции, Вене (1701-1705), Флоренции (1706-1717), Бергамо, а также в Лондоне, Париже и Голландии. Изучал живопись болонцев, мастеров Венеции эпохи Возрождения, в Риме — Карраччи, Пьетро да Кортона, Маратти; в Милане — живопись Маньяско. Несмотря на такой обширный круг мастеров живописи, творчеством которых он интересовался, Риччи был самобытным, талантливым мастером, одним из наиболее ярких представителей венецианского рококо, получивших от современников название «виртуозы», за быстроту работы и мастерство. Художник писал картины на мифологические и исторические сюжеты, много работал в монументальной живописи.
Значительной ранней работой Риччи явился фресковый цикл во флорентийском палаццо Маручелли (1707), исполненный для герцога Фердинанда Тосканского. Холодные тона росписи в потоке света кажутся исключительно интенсивными по цвету. В этих сценах проявилось умение художника передать ситуации мифологических историй и легенд в конкретной, не лишенной бытовых деталей манере. В духе рококо Риччи постепенно перерабатывает традиционный стиль болонской и римской барочной живописи в своих последующих крупных работах — фреске «Аллегория доблести» (1708) в венецианской церкви Сан Стае и росписи купола капеллы (1708) венецианской церкви Санта Мария дель Кармине. Во Флоренции Риччи знакомится с живописью Луки Джордано и работами Маньяско. Манера последнего оказала на него наибольшее влияние. В сюжетах Риччи появляются сцены с монахами, бродягами, солдатами в таинственном лунном освещении («Пейзаж», Удине, Городской музей). Преодолевая приемы сильной светотеневой моделировки фигур, воспринятой от мастеров Венеции академического направления 17 века (т.н. tenebrosi), Риччи обращается в поисках индивидуальной манеры к живописи Веронезе, становясь провозвестником т. н. неоверонезовского стиля. В живописи художника, как и в работах, подражавших его манере мастеров-виртуозов Венеции, доминирует ощущение чувственного праздничного великолепия жизни, любви к ничем не омраченному наслаждению ее радостями. Риччи превращает миф и историю то в галантные сцены костюмированных празднеств, то в полные безмятежной грации «поэзии» в духе Чинквеченто. Алтарный образ «Мадонна со святыми» (1708, Венеция, Сан Джорджо Маджоре) написан легким плывущим мазком в светлом колорите. Яркие, разнообразные по цвету пятна одежд святых, расположившихся вокруг сидящей на возвышении Мадонны, образуют праздничную цветовую гамму. Картина Риччи близка произведениям венецианских мастеров 16 столетия, с их созерцательностью и поэтичностью в выражении эмоционального состояния персонажей.

В 1710-е годы Риччи создает ряд больших полотен на мифологические темы, воскрешая в них в духе рококо свободно-поэтическое, идиллическое истолкование сюжета, присущее живописи Веронезе («Купание Вирсавии», «Венера и сатир» — оба — Будапешт, Музей изобразительных искусств; «Диана и Каллисто», Венеция, Галереи Академии; «Венера и Адонис», Орлеан, Музей изящных искусств). Удлиненные, грациозные фигуры персонажей располагаются, как правило, в барочном волнообразном движении, восходящем к манере Джордано. Прием широкой сценической компоновки, характерной для Веронезе, часто присутствует в произведениях художника. Легкие, прозрачные тона палитры отвечают вкусам рококо. Полотно Риччи «Триумф наук» (1717-1718, Лувр, Париж) стало примером новой светской аллегории века Просвещения. Оно было исполнено по заказу Французской Академии в Риме, художник прославил в нем создание Академии как покровительницы искусства. Известность пришла к Риччи после его путешествия по Италии, исполнения работ в Австрии, Франции, Англии, где он исполнил много росписей (вилла в Чизвике; дворец лорда Берлингтона на Пикадилли в Лондоне) и алтарных картин (Вена, Карлскирхе).

После возвращения в 1717 из Англии и Франции Риччи работал в основном для венецианских церквей. В алтарных картинах «Святой Петр, освобождаемый из тюрьмы» (1722, Сан Стае), «Святая Елена, находящая крест» (1730, Сан Рокко), «Пий V и святые» (1732, деи Джезуати), «Торжество Евхаристии» (1732, Сан Стае) светлые чистые красочные тона золотятся в потоке заполняющего пространство света. Живая мимика персонажей, радостная палитра художника придают сценам религиозного содержания характер то таинственной сказки-фьябы, то венецианского праздничного зрелища.
В поздние годы творчества колорит Риччи несколько утрачивает свое разнообразие, композиционное решение становится более логически выверенным, но сцены не утрачивают очарования волшебной сказочности («Царь Соломон, поклоняющийся идолам», 1724, Турин, Галерея Сабауда).

Роль Риччи была значительной и в создании камерного портрета 18 века, который получил развитие в Венеции раньше, чем в других областях Италии в 18 столетии. Риччи одним из первых после путешествия в Англию стал изображать модели в античных одеяниях на фоне английских пейзажных парков («Портрет неизвестной», частное собрание), писать портреты в духе английских «сцен собеседования» (conversation pieces), изображая портретируемых в интерьере или в парках («Английские кавалеры у клавесина», 1730-е годы, частное собрание). В его портретах нашел выражение культ естественной природы, палладианские увлечения и тот дух театрализации образа, который будет присущ европейскому портрету века Просвещения («Певец Фаринелли», Лондон, Королевский Музыкальный колледж).
Риччи одним из первых мастеров Италии познакомил Европу в 18 столетии с высокой живописной культурой Венето, стал провозвестником новых поисков в итальянском искусстве 18 века. Его живопись оказала влияние на Амигони, Пеллегрини, Питтони, Гварди, Тьеполо и других художников.