Интерес к старым мастерам падает. Смогут ли они вновь стать популярными?

03/09/2016
Старые мастера, но новые правила игры: за последние несколько недель сразу два эксперта по творчеству старых мастеров покинули аукционный дом Christie’s. Это произошло по причине того, что продажи в этом сегменте рынка упали сразу на 33 процента, о чём свидетельствует отчет TEFAF Art Market за 2016 год.

Первая помощь при знакомстве с современным искусством...
Иллюстрация: Мирослав Бартак (Miroslav Bartak)
В то время, как современное искусство находится на пике популярности среди коллекционеров, зрителей и меценатов, все больше экспертов сомневаются в том, что искусство старых мастеров будет долго оставаться актуальным для аукционных домов, галерей и музеев. Свой отпечаток наложил и мировой экономический кризис, в условиях которого аукционы стали больше внимания уделять прибыльной стороне бизнеса — современному искусству.
“Все хотят ассоциироваться с новым, современным искусством”, — сказал Эдвард Долман (Edward Dolman), председатель и главный исполнительный директор аукционного дома Phillips, который провел большую часть жизни в отделе старых мастеров Christie’s, а теперь сосредоточился на современных авторах. “У нас нет намерения продавать работы старых мастеров и художников XVIII и XIX веков, потому что эти рынки в настоящее время всё больше истощаются”, — добавил он. — “Новые клиенты аукционных домов всё дальше отходят от почитания прошлого”.
Ограниченное число картин, ослабление общественного внимания, сокращение числа специалистов по творчеству старых мастеров частично отвечают за смещение акцентов на арт-рынке. Лондонский дилер Гай Сейнти (Guy Sainty), который долгое время специализировался на старых мастерах, говорит, что он озадачен и расстроен. “Я был арт-дилером почти 40 лет, и просто не понимаю, куда делись коллекционеры, разбирающиеся в старом искусстве. Такое чувство, что американцы просто потеряли интерес к европейской культуре”.
В категорию старых мастеров попадают европейские художники периода после Возрождения, в том числе да Винчи, Рафаэль, Гойя и Эль Греко, которые были известны высокой степенью детализации, реалистичностью картин и рисунков, а также голландские мастера во главе с Яном Брейгелем Старшим. Интерес к их творчеству в обществе пока ещё сохраняется. Выставку в музее Метрополитен «Виже Лебрен: женщина-художник в революционной Франции» (Vigée Le Brun: Woman Artist in Revolutionary France), например, посетило более 165 000 человек. Высокую посещаемость сохраняют и музеи Гетти и Фрика, которые ориентированы на исторические работы.
Довольно высок и спрос на старые шедевры на аукционах, о чем свидетельствуют 58 млн долларов США, заплаченных в июле за картину Питера Пауля Рубенса «Лот и его дочери» (Lot and His Daughters) на аукционе Christie’s в Лондоне. Картина стала второй самой дорогой из всех проданных на аукционе работ этого художника. Но шедевры появляются все реже, частные владельцы и музеи, как правило, держатся за них, что создает большие проблемы с поставками работ для торгов.
Помимо всех экономических факторов, свою негативную роль играет и социально-культурный аспект. Понимание творчества старых мастеров, по мнению экспертов, требует более глубокого образования. Christie’s, например, обучает своих специалистов по старым мастерам в течение шести-семи лет, в то время как стать экспертом в современном искусстве можно за три-четыре года. По этой причине и молодые коллекционеры, как правило, находят современное искусство более доступным.
“Люди, которые покупают картину старого мастера, имеют больше понимания, может быть, больше страсти”, — отмечает Кристоф Ван де Вейхе (Christophe Van de Weghe), дилер с Мэдисон-авеню, специализирующийся на работе с современными авторами, от Матисса до Баскии.
Некоторые приписывают растущий интерес к современному искусству к росту популярности современной архитектуры и дизайна. “Очень многие просто хотят, чтобы картины в их домах сочетались по цвету с кушетками”, — добавляет ван де Вейхе. — “Все эти новостройки с высокими потолками и большими окнами лучше всего подходят для современного искусства”.
“В программах по истории искусств университетов в Соединенных Штатах, современное искусство, безусловно, самое популярное”, — отмечает Ричард Мейер (Richard Meyer), профессор истории искусств в Стэнфордском университете в своей книге «Что такое современное искусство?» (What Was Contemporary Art? MIT Press, 2013). “Мы теряем ощущение ценности прошлого, в том числе ценности прошлого искусства”, — добавляет он, — “и не только эстетической ценности, но и способов, которыми оно рассказывало нам о культуре и людях, живших до нас”.
Для заполнения кураторских позиций музеи США вынуждены искать специалистов в Европе. Гетти, например, недавно наняли Давида Гаспаротто (Davide Gasparotto), бывшего директора галереи в Модене, Италия. “Вы не сможете больше найти молодых специалистов со знанием европейского искусства в американских программах магистратуры”, — говорит Сейнти. — “Все хотят заниматься современным искусством”.
Все эти факторы привели к тому, что художественный мир вынужден вносить коррективы в привычный порядок вещей и всё чаще ставить в один ряд картины старых мастеров и современных художников на выставках, в галереях и на аукционах. Так в марте в Met Breuer открылась выставка, посвященная незаконченным работам начиная с XV века, Тициана и Рембрандта, и заканчивая современными авторами, Брайсем Марденом (Brice Marden) и Керри Джеймсом Маршаллом (Kerry James Marshall). В прошлом году музей запустил онлайн-проект, в рамках которого современные художники рассказывают об исторических работах из коллекции Met, которые так или иначе вдохновляли их на творчество.
“То, с каким энтузиазмом современные художники рассказывают о гении старых мастеров, даёт возможность представить старое искусство новой аудитории. Просто надо помнить, что всё искусство когда-то было современным”, — говорит Томас П. Кэмпбелл (Thomas P. Campbell), директор и главный исполнительный директор Met.
Подобное соседство часто встречается и на аукционах. Например, дом Christie’s включает в тематические торги работы разных временных периодов.
“Многие музеи сосредоточились на ложной дихотомии: получая молодого зрителя через выставки современного искусства, они надеются заинтересовать его и работами старых мастеров”, — говорит Ян Вардруппер (Ian Wardropper), директор музея Фрика. — “Я просто не верю в это. Дело в том, что попытаться привлечь посетителя разумными способами на своих собственных условиях и сделать это интересно не так просто, мы все прошли через это”.
Но есть и хорошая новость – старые мастера стали более доступны для тех коллекционеров, которым они всё ещё интересны. “Вы можете купить действительно хорошую картину Рембрандта за 40-50 млн долларов США. Это не очень большие деньги, когда речь идет о Рембрандте”, — говорит Джефф Кунс (Jeff Koons).
Анна Сидорова © Gallerix.ru

Запрещенные символы женской анатомии на фресках Микеланджело



Росписи Сикстинской капеллы.


Группа исследователей из Бразилии пришла к выводу, что великий художник эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти на фресках Сикстинской капеллы зашифровал скрытые символы женской анатомии.

В журнале Clinical Anatomy опубликовано исследование специалистов Федерального университета медицинских наук Порту-Алегри, которые отмечают, что Микеланджело изобразил некоторые «запрещённые» символы, использую изображения животных, а также через расположение тел персонажей на своих картинах.

Так, на центральной фреске полтолка Сикстинской капеллы в Ватикане «Сотворение Евы» учёными было обнаружено несколько треугольников в бычьих или бараньих черепах, а также же в позах фигур. А треугольник в язычестве – символ женского начала.




Бараньи черепе как анатомические символы.

К тому же учёные заявили, что поза Евы – это ни что иное, как перевёрнутый треугольник, а форма черепов рогатых животных символизирует очертания внутренних женских половых органов - матки и фаллопиевых труб. Так, в центральной части потолка Сикстинской капеллы Микеланджело разместил древний языческий женский символ. Но поскольку такие изображения были запрещены Католической церковью, ему пришлось эти образы закамуфлировать. К тому же, как отмечают исследователи, Микеланджело разделял учения, связанные с божественностью женского начала, и хотел возвеличить женский образ.




Руки Евы показывает символизируют форму V, которую связывают с женской анатомией.

Не стоит забывать и ещё один факт – во время росписи Сикстинской капеллы, католическая церковь запрещала расчленение человеческого тела, считая его «божественной тайной». Известно, что Микеланджело изучал расчлененные трупы, и возможно именно через символику от представил анатомические особенности.




Аналогия уместна.

«Коды, скрытые аллюзии, символы и завуалированные ссылки, которые были понятны лишь в очень узком кругу современников и были единственным средством, доступным для тех, кто порвал с традиционными догмами времени», - комментируют своё открытие исследователи.
Источник: http://www.kulturologia.ru/

Лягушки как люди: удивительные работы венгерского художника-таксидермиста



Лягушка на отдыхе. | Фото: total-croatia-news.com.
Венгерский таксидермист Ференц Мере (Ferenc Mere), провел десятилетия своей жизни, разделывая сотни мертвых лягушек и создавая жизнерадостные диорамы. И сейчас, через семьдесят лет после смерти, его наследие живет в Froggyland - последнем бастионе потерянного искусства таксидермии амфибий.



Лягушка занята созданием платья. | Фото: atlasobscura.com.
Свое детство будущий мастер провел в деревне, рядом с большим прудом, полным лягушек. Он вырос в окружении квакающих соседей, засыпал под их звуки, и размышлял о полной приключений лягушачьей жизни.




«Кроличья школа» Уолтера Поттера. | Фото: civilwartalk.com.
В конце ХIХ века искусство изготовления и сохранения чучел живых существ - таксидермия - было в моде. Натуралисты и музейные кураторы улучшали технологии сохранения животных не по дням, а по часам. Художественные новаторы, такие как Герман Плокет (Hermann Ploucquet) и Уолтер Поттер (Walter Potter) объединяли новинки технологии с антропоморфным артистизмом, переодевая мышей и кроликов в одежде человека и помещая их в жизненные ситуации чаепитий, классных комнат, полей для крикета. Эти живописные картины были особенно популярны среди британской аудитории, от Чарльза Дарвина и до королевы Виктории.




Лягушки Froggyland показывают различные мероприятия на свежем воздухе. | Фото: atlasobscura.com.
Мере также был вдохновлен этими работами, и решил привнести свои детские мечты в жизнь. Изготовление чучел из амфибий всегда считалась самой сложной задачей, так как трудно правильно набивать лягушек, не повреждая их нежную кожу. Даже сегодня многие специалисты не заморачиваються с лягушками, предпочитая змей и рыб.




Живописный лагерь Froggyland. | Фото: atlasobscura.com.
Столкнувшись со сложностями, Мере разработал свою собственную специальную технику, что позволяла ему сохранить лягушек очень долго после смерти. Хотя сведения хранятся в тайне, известно, что он набивал их через рот пробкой и опилками, избегая делать разрезы, и заменял глаза на стеклянные. С 1910 по 1920 год Мере таким способом препарировал более тысячи земноводных.




Впечатляющий цирк Froggyland. | Фото: atlasobscura.com.
Половина из них составляют Froggyland - причудливый зверинец, основное наследие венгерского мастера. На 21 дисплее Froggyland лягушки играют сцены из человеческой жизни: школьники сдают задания, решают сложные математические задачи и лупят друг друга линейками. Четыре жабки играют в парный теннис, в то время как другие ждут на скамейке, покуривая крошечные сигаретки. В амфибийном цирке лягушки висят вверх и вниз головами, образуя атлетические пирамиды, а также участвуют в проявлениях силы.




На уроке арифметики. | Фото: froggyland.net.
Впечатляюще реалистичные лягушки Мере имеют лишь один недостаток – им не хватает шеек. За редким исключением, почти все 500 лягушек Мере постоянно смотрят вверх, независимо от того, что они делают.




Уличный концерт под окнами. | Фото: pinterest.com
Froggyland является необычной капсулой времени. Многие люди воспринимают таксидермию как способ сохранить охотничьи трофеи – так и распространяются по стенам оленьи головы с ветвистыми рогами и скалящиеся медведи. А лягушкам не достается внимания, поскольку очень сложно сделать чучело из земноводного. Намного проще залить жабку глицерином или спиртом в банке.




Лягушки за работой. | Фото: froggyland.net.
За годы, прошедшие со времен викторианских кроликов и котят Плокета и Поттера, животный антропоморфизм потерял часть своего культурного влияния. Многие современные исполнители ставят свои образцы животных в глупые, умышленно надуманные ситуации. Такие работы продвигаются как современное искусство, или в шутку. Творчество же Мере, с его сочетанием фантазии и серьезности, «слишком амфибийно», чтобы находится в одном из лагерей.




Развлечения в классе. | Фото: froggyland.net.
В любом случае, в этот маленький удивительный мир хочется погрузиться, чтобы поболтать с лягушками.
Источник: http://www.kulturologia.ru/

Аристотель Онассис и Мария Каллас: история страстной любви и унижений



Аристотель Онассис и Мария Каллас: история страстной любви и унижений.
Миллиардер Аристотель Онассис – греческий судовладелец и культовая личность – общался исключительно с представителями элиты различных стран и был желанным гостем на приёмах и светских раутах любого уровня. Его окружали самые красивые женщины, которых он часто использовал для достижения своих бизнес-целей. Но настоящая любовь к нему пришла только однажды – в 1959 году он познакомился с Марией Каллас, молодой оперной дивой, которой рукоплескал весь мир.




Сесилия София Анна Мария Калогеропулос в своей парижской квартире.

Сесилия София Анна Мария Калогеропулос (это настоящее имя Каллас) родилась в США в семье греческих мигрантов. Она удачно вышла замуж за состоятельного итальянского промышленника Джованни Баттисто Менегини и была счастлива в браке. Он был большим ценителем оперы, в а Марию влюбился с первого взгляда. Он был и верным супругом, и щедрым продюсером, и преданным менеджером. Ради неё он продал свой бизнес и полностью посвятил себя её интересам.




Мария Каллас и её супруг Джованни Баттисто.

Аристотель Онассис увидел Марию на балу в Венеции. Через некоторое время он побывал на её концерте, а потом пригласил оперную диву с супругом на свою яхту «Кристина», которая в то время считалась символом беспрецедентной роскоши. В то время Онассис был женат, но в первый раз в жизни страсть оказалась сильнее, чем голос разума. Мария Каллас, которая вначале своей карьеры была тучной огромной женщиной, к моменту встречи как раз похудела на 30 кг и пребывала в прекрасной физической форме.




За 18 месяцев Мария Каллас худеет на 30 кг и при росте в 175 см стала весить 60 кг и становится невероятно красивой и элегантной.

Роман, начавшийся на яхте «Кристина» в круизе по Средиземному морю, стал для общественности настоящим шоком. Онассис и Каллас забыли о всяких приличиях и упивались своей любовью на глазах у законных супругов и гостей.




Миллиардер Аристотель Онассис и оперная дива Мария Каллас.

Менегини был обескуражен и просто не находил себе места. Он готов был простить супруге этот курортный роман, но парочка и не думала расставаться. Онассис и Каллас начали жить вместе. Но пылкий любовник, добившись желаемого, превратился в деспотичного и грубого сожителя, который не спешил регистрировать брак. Каллас безропотно терпела и оскорбления при друзьях, и измены, и даже то, что Онассис поднял на неё руку. И эта её жертвенность провоцировала ещё большие приступы агрессии у её любовника.

Ослеплённая любовью оперная дива ушла со сцены и решила посвятить себя любви, несмотря ни на что. Она отказалась от чувства собственного достоинства, потеряла голос, ушла в себя. Всё, о чём она мечтала, - испытать те моменты, которые пережила с Онассисом на яхте «Кристина».




Одна из самых известных пар середины XX века.

Но в 1968 году Марию ждал очередной удар – из газет она узнала о том, что Аристотель Онассис женился на вдове президента США Жаклин Кеннеди. Она замкнулась и перестала выходить из квартиры. Через месяц Онассис примчался в Париж и умолял возлюбленную о прощении, заверяя, что этот брак для него всего-то пиар-ход и имиджевая сделка, которая не имеет ничего общего с чувствами и отношениями.




Свадьба Аристотеля Онассиса и Жаклин Кеннеди.

Его новоявленная супруга, экс-первая леди США Джеки Кеннеди, оказалась дамой расчётливой, чересчур энергичной и холодной. О её расточительности ходили легенды: она колесила по миру и тратила на меха и драгоценности такие суммы, что даже фантастически богатый судовладелец хватался за сердце. Дизайнерские вещицы Джеки скупала магазинами, творения знаменитых кутюрье - сотнями, оставляя их в шкафу даже нераспакованными. Икона стиля, именно так её называли, появлялась на публике в прозрачных платьях и мини-юбках, а светские рауты были для неё более важны и интересны, чем страдания и болезни стареющего супруга.




Мария Каллас и Аристотель Онассис.

Когда в авиакатастрофе погиб единственный сын Онассиса Александр, миллиардер чуть не сошёл с ума – жизнь для него потеряла смысл. Последние годы своей жизни он находил успокоение только с всепрощающей Марией. А ведь когда Каллас забеременела в 43 года, Онассис не позволил ей родить, заявив, что у него уже есть наследники. Умер он 15 марта 1975 года в парижской больнице, а рядом с ним была Мария Калласс. Джеки в это время находилась в Нью-Йорке, а когда узнала о смерти своего благоверного, то невозмутимо заказала у Валентино коллекцию траурных платьев.

Последние годы жизни Каллас провела в Париже и практически не выходила из квартиры, где и скончалась в 1977 году. Тело было кремировано и похоронено на кладбище Пер-Лашез. После кражи урны с пеплом и возвращения её обратно, прах был развеян над Эгейским морем.
Источник: http://www.kulturologia.ru/


Оперные исполнители

Сюрреалистичные миры французского художник

Французский художник Сирил Роландо создаёт целые Вселенные в духе фильмов Миядзаки Хаяо и Тима Бёртона:Встретимся на полпути
Сюрреалистичные миры французского художник

Покажи мне любовь
Сюрреалистичные миры французского художник
Я скучаю по тебе
Сюрреалистичные миры французского художник
Мои занятия
Сюрреалистичные миры французского художник
Надежда
Сюрреалистичные миры французского художник
Обратившись к себе
Сюрреалистичные миры французского художник
Калипсо
Сюрреалистичные миры французского художник
Перед лицом неизвестности
Сюрреалистичные миры французского художник
Вы принадлежите мне
Сюрреалистичные миры французского художник
Картина-дверь
Сюрреалистичные миры французского художник
Мы
Сюрреалистичные миры французского художник
Пропущенные дедлайны
Сюрреалистичные миры французского художник
Одуванчики
Сюрреалистичные миры французского художник
Дикие струны
Сюрреалистичные миры французского художник
После дождя
Сюрреалистичные миры французского художник
Не выбрасывайте мечту
Сюрреалистичные миры французского художник
Чего тебе?
Сюрреалистичные миры французского художник
Аккомпанируя своей ревности
Сюрреалистичные миры французского художник
Жизнь — это сейчас
Сюрреалистичные миры французского художник
Вечный блюз
Сюрреалистичные миры французского художник
Чернила тёмных мыслей
Сюрреалистичные миры французского художник
Пусть растёт
Сюрреалистичные миры французского художник
Я хочу с тобой поговорить
Сюрреалистичные миры французского художник
Мы танцуем в цепях

Сюрреалистичные миры французского художник

Тайна Янтарной комнаты: потерянное богатство России



Янтарная комната, Санкт-Петербург

Янтарная комната - одна из известнейших достопримечательностей Санкт-Петербурга. Роскошный зал в Большом Екатерининском дворце, украшенный от пола до потолка янтарем, золотом и драгоценными камнями, привлекает туристов со всего мира. Однако не все знают, что эта комната - копия той, что когда-то была создана прусскими мастерами, но после пропала в годы Второй мировой войны.



Замок в Кёнигсберг, 1900 год

Замысел янтарной комнаты появился у немцев, это должна была быть зимняя резиденция Фредриха I, короля Пруссии. Комната была спроектирована немецким скульпторам Андреасом Шлютером. Когда комнату увидел Петр I в 1716 году, Фредрих Уильям I отдал ее российскому императору в дар, чтобы упрочить прусско-российский альянс против Швеции.



Екатерининский дворец в Царском Селе
Вначале янтарнй кабинет был установлен в Зимнем дворце в Санкт-Петербурге, а после дочь Петра Елизавета решила перенести его в Екатерининский дворец в 1755 году.



Драгоценности в Янтарной комнате
В 1941 году после нацистского вторжения, начался массовый вывоз культурных ценностей из СССР. Эвакуировать янтарную комнату не представлялось возможным, материал был слишком хрупким. Чтобы
уберечь ее от грабежа, музейные работники попытались спрятать драгоценные украшения под обои. Для сохранности янтарь оклеили бумагой, а сверху проложили марлю и вату. Правда, такие меры не спасли произведения искусства: немцы смогли демонтировать драгоценное панно всего за 36 часов и отправить в Кёнигсберг.



Янтарная комната
С 1942 по 1944 год панно экспонировалось в одном из музеев Кёнигсберга. Из-за того, что зал по размерам был меньше питерского, часть панно хранилась отдельно. Этот замок-музей был захвачен советскими воинами, но из-за бомбежек там произошел пожар, и, согласно одной из версий, янтарная комната была утрачена.



Янтарная комната
Однако существуют и другие версии: по некоторым из них янтарная комната до сих пор хранится в тайных подземельях Калининграда (бывший Кёнигсберг), по другим данным ее вывезли тайно в одну из ближайших европейских стран (Германию, Австрию или Чехию). есть и более фантастические версии, что якобы она была передана в США или Южную Америку.



Янтарная комната
Большинство из этих версий историки опровергают, главный аргумент - без специального температурного режима в подземельях янтарь попросту не может храниться долго. В Санкт-Петербурге воссоздание янтарной комнаты начали в 1981 году. Десятки мастеров трудились над амбициозным проектом, и к 2003 году восстановительные работы наконец были завершены.



Раскрашенная фотография оригинальной Янтарноц комнаты, 1931
Источник: http://www.kulturologia.ru/