Загадочные желоба Готланда (4 фото)

Свыше тысячи камней, разбросанных по всему острову Готланд (Gotland), Швеция, посреди Балтийского моря, отличаются от остальных булыжников необычными рукотворными желобками и бороздками, прорезанными в гладкой и твердой поверхности породы. Узоры всегда встречаются группами по несколько отметин, выгравированных бок о бок, и отличаются по своей длине, глубине и ширине.
Загадочные желоба Готланда (4 фото)

На первый взгляд кажется, что эти канавки появились как будто бы из-за того, что кто-то точил об камень острый меч или топор. Таковой была первая версия, высказанная сразу после обнаружения удивительных камней в середине 19 века. Впоследствии эти камни назвали точильными. Но вскоре исследователи начали сомневаться в первоначальной теории, поскольку форма и размер прорезей не подходили для заточки холодного оружия тех времен. Кто-то отметил, что оружие не только эпохи каменного века, но и Средневековья или эры викингов было слишком широким для подобных желобов.

Другое свидетельство против версии о точильных камнях состоит в том, что в окрестностях так и не был найден ни один каменный топор или меч, который бы можно было заточить в таком скальном булыжнике. Археологи не обнаружили никаких останков древнего оружия даже в тех местах, в которых по преданию были некие подобия древних кузниц.
Загадочные желоба Готланда (4 фото)

Гранитные и известняковые камни с необычными прорезями водятся не только на острове Готланд. Валуны с загадочными желобами находили по всей Европе в таких странах, как Норвегия, Финляндия, Франция, Люксембург и Англия. Таинственные булыжники были обнаружены даже в Индии и Австралии.

Найденные во Франции подобные объекты были причислены к эпохе Неолита, и были названы polissoirs (полировальные камни, полотеры). Судя по технологии обработки, эти камни были помечены народами той же культуры, которая построила дольмены (dolmens, каменные гробницы) и возвела менгиры (menhirs, каменные столбы). Но нигде более таинственные прорези в породе не встречались так часто, как на Готланде. Здесь они разбросаны буквально по всему острову. Желоба были обнаружены как на отдельных валунах или монолитных скалах, так и на известняковых склонах.
Загадочные желоба Готланда (4 фото)

В свое время американский астроном Джеральд Хоукинс (Gerald Hawkins) предположил, что легендарный комплекс Стоунхендж (Stonehenge) использовался в целях изучения неба. Европейские исследователи переняли эту практику и также пытались найти астрономическую связь в случае почти любой находки каменного века. Именно к этому сводились все теории, когда ученые заходили в тупик.

Желоба из Готланда – не исключение. Современные археологи озадачены сейчас тем, может ли расстановка желобков пролить свет на тайное предназначение находок. Многие из прорезей на самом деле соответствуют расположению таких небесных тел, как Солнце и Луна.
Загадочные желоба Готланда (4 фото)

Однако исследователи объясняют расположение бороздок по-разному. Некоторые полагают, что желоба представляют собой своеобразный лунный календарь, в то время как другие ученые считают, что существует более простое объяснение. В частности они верят, что камни разворачивали в разные стороны, просто чтобы солнце не слепило глаза мастеров.

На сегодняшний день на Готланде обнаружено свыше 3600 отполированных отметин, 700 из которых встречаются в твердых известняковых породах, а остальные распределяются по 800 каменным блокам, разбросанным по склонам всего острова.

Все фотографии: Sören Gannholm

Источник: http://www.bugaga.ru

Интересные факты о Великобритании (11 фото)

Тем, кто собрался в Великобританию, изучает английский язык, интересуется этой страной или общается с жителями Туманного Альбиона, будет полезно узнать несколько фактов о Соединенном Королевстве.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- Английский язык не всегда был официальным в Великобритании. Около 300 лет жители Британских островов разговаривали на французском языке.

- Примерно четверть жителей Лондона родилась за пределами Великобритании.

- В Англии проживает более 300 тыс. Джонов Смитов.

- В состав Великобритании входит четыре административно-политических части: Северная Ирландия, Англия, Шотландия и Уэльс.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- Великобританией правят королева и парламент, но в каждой части Королевства делами транспортной сферы, здравоохранения, окружающей среды, культуры и образования занимается местное правительство, оно же контролирует внутреннюю политику.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- Великобритания - это страна c особыми условиями ведения бизнеса, для иностранных компаний. Поэтому данная страна готова для введения в нее иностранных капиталов. Подготовкой документацией для ведения бизнесом за рубежом занимаются специализированные компании, такие как "Агентство антикризисных решений" (https://aar.com.ua/ru/services/offshory-i-zarubezhnye-kompanii/britaniya-i-irlandiya)

- В Англии родились такие виды спорта как регби и поло.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- Самой большой королевской резиденцией в мире считается Виндзорский замок.

Интересные факты о Великобритании (11 фото)


- Место рождения метро – Лондон.

- Для 30% британцев английский – неродной язык. В Уэльсе говорят на валлийском, в Ирландии – на ирландском и ольстерско-шотландском, а в Шотландии – на шотландском английском и гэльском.

- Столкнувшись с жителями Ирландии, Уэльса или Шотландии, ни в коем случае не следует называть их англичанами или британцами, потому что это их сильно оскорбит.

- Известный всем Стоунхендж датируется примерно 3000 г. до н.э. Каменный комплекс находится на равнине Солсбери.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- Большинство уверены, что Биг Бен – это часы Вестминстерского дворца. Но это не так. Биг Беном называется расположенный там же большой колокол.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- Лондон – древний город. Римляне основали его в 43 году и назвали Лондиниум.

- В Лондоне был открыт первый магазин, в котором продавали горячий шоколад.

- Каждая часть Великобритании имеет свою столицу. В Северной Ирландии это Белфаст, в Уэльсе – Кардифф, в Шотландии – Эдинбург. Лондон – столица Англии и Великобритании.

- Площадь Великобритании – 245 тыс. кв. км. Она раскинулась от Шетландских островов до Северной Ирландии.

- На территории Туманного Альбиона есть около 30 объектов, находящихся под охраной ЮНЕСКО. Они расположены во всех уголках королевства, в том числе и в крупных городах: Честер, Йорк, Оксфорд, Эдинбург, Кентербери.

- Великобритания возникла много тысячелетий назад – в 6500 г до н.э. По всей стране сохранилось множество исторических памятников разного возраста: от античных до современных.

- В XVIII в. Британская империя была крупнейшей в мире. Ее население составляло четверть всех людей на планете, она занимала пятую часть мировой территории.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- Дети в Великобритании идут в школу в 4-5 лет и заканчивают обучение в 16-18 лет.

- Крупнейшие университеты – Оксфорд и Кембридж – до 1832 г были единственными на всю Англию.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)


- Любителям мистики обязательно нужно посетить Йорк. Признано, что это самый густонаселенный призраками город Европы.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- По Великобритании без паспорта может ездить только королева.

- В Лондоне находится самое большое в мире колесо обозрения – Лондонский Глаз. Оно совершает один круг за полчаса.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

- В Уэльсе в конце XIX в. был открыт первый магазин грампластинок.

- Примерно 30 млн. американцев уверены, что имеют шотландские корни.

- У официальной резиденции британских монархов – Букингемского дворца – на протяжении многих десятилетий происходит торжественная смена караула. Эта церемония привлекает многих туристов.
Интересные факты о Великобритании (11 фото)

«Капричос» Франсиско Гойи: как испанскому граверу удалось избежать инквизиции за серию обличительных гравюр



Франсиско Гойя. Автопортреты.
Сегодня исполняется 271 год со дня рождения великого испанского живописца Франсиско Гойи. Его жизнь сложилась непросто, в ней было все - от королевского признания до угрозы бать заживо сожженным на костре инквизиции. Художника обвинили в еретизме после создания цикла гравюр под названием «Капричос», безжалостного сатирического цикла, написанного по мотивам современных исторических реалий. Однако Гойя сумел перехитрить церковь и избежать наказания…




Они говорят „Да“ и протягивают руку первому встречному. Франсиско Гойя.

Жизненный путь Гойи не был простым. В молодости он не сразу добился признания, его работы, исполненные полета фантазии, резко контрастировали с сухим академизмом, почитаемым в то время. 20-летним юношей он путешествует в Рим, где знакомится с шедеврами итальянской живописи. После возвращения на родину в Сарагосу Гояй получает первые заказы на роспись капеллы архитектора Вентуры Родригеса, работу признают великолепной. С этого момента отношение к работам Гойи меняется, постепенно им даже начинают интересоваться при дворе.




Франсиско Гойя. Бука идет!




Франсиско Гойя. Маменькин сынок.

В 1786 году Гойя назначен королевским художником при Карле III, в 1789 году - при Карле IV. Блестящая карьера художника пошатнулась во время Французской революции, поскольку он был выслан в Валенсию. Многих из его друзей-испанцев ждала худшая участь - они были арестованы. Здоровье Гойи в эти годы ухудшается, его мучает паралич, но Гойя не оставляет живопись, продолжает писать. Кроме того, художник практически теряет слух. В таком состоянии он начинает работу над циклом "Капричос".




Франсиско Гойя. Один другого стоит.




Франсиско Гойя. Никто никого не знает.

Этот цикл представляет собой 80 офортов, посвященных современности. Первоначально художник планировал назвать серию "Снами", но после выбрал для нее более едкое название. "Капричос" в переводе на русский язык можно трактовать как "нечто, от чего волосы встают дыбом". Собственно, сатирические гравюры такими и являлись - колкими и беспощадными к порокам общества. Всего художник создал 240 экземпляров офортов и выставил их на продажу. За первые четыре дня было раскуплено 27 экземпляров, остальные - изъяты из продажи по королевскому распоряжению. Гойе пришлось приносить извинения лично Карлу IV.




Франсиско Гойя. Он даже и так не разглядит ее.

Гойя попал под пристальное внимание служителей церкви, ему пытались приписать еретизм, однако, дальнозоркий художник дал благопристойные названия всем офортам, так что фактической причины вынести ему смертельный приговор не нашлось.




Франсиско Гойя. Любовь и смерть.




Франсиско Гойя. Ее похитили!
Источник: http://www.kulturologia.ru/blogs/300317/34003/

Камиллу Клодель вновь вывели из тени Родена

Новый музей, посвященный женщине-скульптору, открылся в городке Ножан-сюр-Сен под Парижем

В парижском пригороде Ножан-сюр-Сен открылся музей Камиллы Клодель (1864–1943) — самое полное в мире собрание произведений французской художницы и скульптора. В постоянной экспозиции около 250 произведений. Хотя только 43 из них принадлежат самой Клодель, они охватывают все годы ее творчества: от самого раннего пронзительного портрета «Старухи Элен» до последних бронзовых скульптур начала 1900-х годов.

Город скульпторов

Ножан-сюр-Сен — городок неприметный даже для рядового француза, что уж говорить про туриста. От Парижа ехать до него час, электричкой с Восточного вокзала.
Низкорослые дома, крошечный старый город, пахнет дымом, журчит Сена — все как на открытке. Но у искусствоведов Ножан-сюр-Сен на слуху, это город скульпторов. Мариус Рамю, автор классицистических скульптур Дворца правосудия эпохи Наполеона III, переехал сюда после женитьбы. Альфред Буше, основатель парижского дома-мастерской художников «Улей», здесь жил (его отец работал у Рамю садовником, так из сына вырос скульптор). Камиллу Клодель вместе с матерью, братом и сестрой привез сюда командированный по службе отец. Ей было всего 12 лет.
В музее всю эту историю подают так, что именно в Ножане и состоялось рождение Клодель-художницы. В подтверждение рассказывают, как отец решил показать Альфреду Буше первые эскизы своей дочери-подростка и тот не просто их оценил, но взял девочку под свое крыло. И не отпускал бы, но получил заветную Римскую премию и отбыл в Вечный город, а присмотреть за талантливой ученицей попросил Огюста Родена.
Но вернемся в Ножан. В 1902 году Буше отрыл здесь первый городской музей, который славился на всю Францию своей коллекцией скульптуры XIX века. До недавнего времени он и оставался главным музеем в городе. Однако «приемная дочь» Ножана Камилла Клодель оказалась куда более популярнее своих местных наставников, и в мэрии сделали ставку на нее, объединив под одной крышей старый музей Дюбуа-Буше и новый музей Клодель, вынеся в название ее имя.

Скульптура и свет

Музей Камиллы Клодель — дом, где жила семья художницы, плюс современная пристройка. Автор проекта — архитектор Адельфо Скаранелло. В исторический центр города новое компактное здание он встроил без швов. Башня из кирпича с панорамным залом на последнем этаже если и торчит на фоне крыш, то никак не портит городской пейзаж. Музей у Скаранелло получился очень светлым за счет многочисленных окон: везде, где только можно, он впускал в залы дневной свет, который лучше всех дизайнеров и кураторов подчеркивает красоту скульптуры.
Большая часть произведений Клодель происходит из коллекции ее внучатой племянницы Рене-Мари Пари, которая является главным представителем художницы с 1980-х; благодаря ее активности о Клодель вновь заговорили.
Мадам Пари рассказала TANR, что в семье о знаменитой тетке никогда не вспоминали, хотя ее скульптуры хранились в квартире. Коллекция Пари, купленная городом в 2008 году за €13,5 млн, выглядит солидно, но все же судьба многих работ по-прежнему неизвестна. Часть осела в частных собраниях, часть уничтожена самой художницей.
Единственный мрамор в музее — «Персей и Горгона» (1902), купленный несколько лет назад при поддержке Минкультуры за €950 тыс., да и тот сделан Франсуа Помпоном, а не самой Клодель.
Ее скульптуры из мрамора редки. Одна из них — «Маленькая владелица замка» (1882–1883) — находится в коллекции музея La Piscine в Рубе и специально к открытию музея в Ножане была отпущена на гастроли. Позировала художнице внучка владелицы Château d’Iselette — одного из замков Луары, куда неоднократно приезжали Роден с Клодель.
Считается, что он там работал над своим Бальзаком, она — восстанавливала силы после аборта. Работа эта уникальна по технике: тело вычищено изнутри так искусно, что пропускает свет и детская хрупкость ощущается почти физически. А это мрамор, и делала его женщина, что для тех времен, да и сейчас, кажется почти невероятным.

Женщина и камень

Имя Камиллы Клодель остается накрепко связанным с именем Огюста Родена, их творческие и любовные отношения легли тяжким бременем на ее жизнь и продолжают бросать тень на ее произведения сегодня.
Они встретились в Париже. Что из этого получилось, всем известно из кино: Изабель Аджани сыграла про душераздирающий роман с Роденом — Депардье, про то, как ученица могла превзойти учителя; Жюльет Бинош — про то, чем она за это расплатилась, про 30 лет заточения в психиатрической больнице и разрыв с семьей. На подходе уже новая экранизация про Родена, а значит, и про Клодель, и новый всплеск народной любви.
О Родене в Музее Камиллы Клодель, конечно, говорят: его ателье посвящена отдельная глава, но все же он здесь на вторых ролях. «Об их романе зрители и так знают. Мы же хотим, чтобы они открыли для себя самостоятельную художницу, поняли, что связь Клодель и Родена была диалогом равных и влияние было обоюдным», —  объясняет главная хранительница Сесиль Бертран.
Ранние работы Клодель 1880-х годов идут по следам Родена: та же страсть к фрагментарности и натурализму, в частности, в представлении женского тела. В экспозиции бок о бок сидят женщины на корточках: роденовская в раскорячку, лягушкой, жадно хватает себя за грудь и за ногу; клоделевская, сделанная несколькими годами позже, скромнее и отчаяннее — в позе зародыша, обхватив руками голову.
Но есть и примеры обратного влияния. Например, «Девушка с колосьями» 1887 года Камиллы Клодель через десять лет обретет двойника из мрамора за подписью Родена («Галатея», 1899). Здесь же представлена и «Шакунтала» (1888) — ранняя большая самостоятельная скульптура, принесшая Клодель первый успех у публики и приз Салона, хотя и подпорченный сравнением с роденовским «Поцелуем».

«Роден скандальнее, но Клодель революционнее»

Так напишет известный писатель и художественный критик Октав Мирбо. Свои главные революции Клодель совершит, когда расстанется с Роденом.
Первой станет знаменитый «Вальс», над которым она работала с 1887 по 1893 год. В музее представлены четыре версии: две гипсовые, керамика и бронза. Эта скульптура имела все шансы получить финансирование государства и оказаться на какой-нибудь городской площади, но Клодель наотрез отказалась одевать свою обнаженную пару, как того требовал инспектор. Накинутой вуали оказалось недостаточно.
Экспрессивная композиция «Зрелого возраста», рассказывающая историю их разрыва с Роденом, которого от молящей на коленях девушки (самой Камиллы) уносит пожилая женщина (верная спутница Родена Роза Бере), также была попыткой найти свой стиль.
Окончательным разрывом с влиянием мэтра считается серия Croquis d’après nature — скульптурные зарисовки из жизни, как декоративные «Мечты у камина» или игривые «Болтушки». «Ты видишь, это уже совсем не Роден», — напишет Клодель своему брату Полю, который во всех бедах своей гениальной сестры винил ее авторитарного любовника. Но чем дальше она отдалялась от Родена, тем сильнее подступала болезнь. Горгоне Медузе, верной предвестнице безумия, она дает свое лицо («Персей и Горгона»). На этой монументальной скульптуре и заканчивается экспозиция.

Учителя и контекст

В новом музее к Камилле Клодель кураторы ведут не напрямую, а через залы, посвященные скульпторам XIX века: Мариусу Рамю, Альфреду Буше, Эмилю Антуану Бурделю — тем, кто лепил историю золотого века французской скульптуры, которая начинается вместе с Третьей республикой и заканчивается с первыми сражениями Первой мировой войны.
«Нам важно было показать художественный контекст, который сформировал Клодель», — объясняет Сесиль Бертран. А контекст был следующим. В качестве основного заказчика выступало государство, потому что скульптура, с одной стороны, была важной аллегорией Третьей республики, которая всеми силами пыталась оправиться от военного поражения во франко-прусской войне и подпитывала патриотизм руками скульпторов, с другой — была необходимостью, так как барон Осман затеял свою грандиозную стройку в Париже и без скульпторов тут было не обойтись.
У Клодель с государством так и не сложилось. Как бы за нее не просил тот же Роден, таки добившийся официального признания и музея при жизни, ни один заказ не было доведен до конца. Судя по всему, навязчивая идея «понравиться» государству также сыграла свою роль в душевной болезни художницы.
С художественной точки зрения эпоха была богата на стили. Жюль Далу и Поль Рише проповедовали натурализм. Отдельный зал посвящен ню, и тут можно часами изучать анатомию женского тела и его представления в разные эпохи. (К слову, Камилла Клодель была прекрасным анатомом — ей, девчонке, матерый Роден доверял лепить руки и ноги.) Бурдель слыл поэтом-символистом от скульптуры. Анри Дюбуа служил главным послом «неофлорентийского» движения во Франции, в котором сквозь холодную античность начала проглядывать человеческая теплота.
И все произведения современников, натуралистов или классицистов, работают на одну идею — помогают увидеть, как у Камиллы Клодель гипс и бронза становятся плотью, самой жизнью, которая вот-вот закружится в вальсе, забьется в экстазе, зарыдает или расхохочется — одним словом, оживет.
 http://www.theartnewspaper.ru/posts/4274/

Московская выставка Ивана Айвазовского вошла в десятку самых посещаемых в мире экспозиций в прошлом году

Третьяковка побила собственные рекорды, Эрмитаж остался на 9-м месте, а Музеи Московского Кремля вышли на 21-ю позицию в общемировом зачете

Ежегодный рейтинг музейной посещаемости, публикуемый The Art Newspaper каждую весну, принес сенсацию: кажется, впервые в список десяти самых посещаемых в мире выставок попала экспозиция, посвященная русскому художнику. Это особенно отрадно в условиях постоянно нарастающего музейного бума, ставшего одной из главных тенденций в мировой культуре последних лет.
Почетное 8-е место в престижной интернациональной десятке занимает ретроспектива Ивана Айвазовского, показанная Государственной Третьяковской галереей минувшим летом. Наша газета уже сообщала о том, что на следующий день после закрытия выставки министр культуры Владимир Мединский называл итоговую цифру в 555000 посетителей. В рейтинге британской газеты она подросла до 598832 посетителей (то есть по 6014 человек в день), обогнав выставку скульптуры Пабло Пикассо в нью-йоркском Музее современного искусства (5872 зрителя в день). Следует отметить, что ретроспективу Айвазовского в Государственном Русском музее посетило 300 тыс. человек. А в номинации «Искусство XIX века» московская выставка и вовсе заняла вторую строчку, уступив лишь экспозиции Огюста Ренуара в токийском Национальном центре искусств.
Первые три позиции международного выставочного рейтинга традиционно занимают бесплатные выставки в Рио-де-Жанейро, далее следуют выставочные проекты Нью-Йорка, Токио и Сан-Паулу. В затылок Айвазовскому и Пикассо дышит знаменитый музейный блокбастер, посвященный 500-летию со дня смерти Иеронима Босха, а также сразу четыре проекта лондонской Saatchi Gallery.
Первые позиции в рейтинге самых посещаемых музеев мира, как всегда, заняли Лувр (несмотря на все потрясения, забастовки и снижение количества туристов) с 7,4 млн проданных в 2016 году билетов, нью-йоркский Метрополитен-музей, лондонские Британский музей и Национальная галерея, а также Музеи Ватикана. Далее идут пекинский Национальный музей Китая и вашингтонская Национальная галерея. Девятую строчку всемирного музейного рейтинга второй год подряд занимает Государственный Эрмитаж. В прошлом году главный художественный музей России продал 4119103 билета. В список самых посещаемых музеев мира попали также Музеи Московского Кремля, заняв 21-е место (в 2016 году их посетило 2478622 человека), и Третьяковка на 23-м месте (2325759 посетителей).
Но и это еще не все. В номинации Big Ticket, объединившей музеи, продающие комплексные билеты на постоянную экспозицию и временные выставки, Государственный Эрмитаж выдвинулся на 4-е место, проектом «Византия сквозь века» (1408000 посетителей при ежедневной цифре в 16399 человек) практически догнав выставку датчанина Олафура Элиассона, с большим шумом прошедшую в Версале. Эрмитажная Византия в этом рейтинге оставила позади выставки не только в Тейт Модерн, но даже во флорентийской Галерее Уффици.
В список самых посещаемых в мире выставок попали также «Единомышленники» московского Музея современного искусства «Гараж» (общая посещаемость в 96268 зрителей оборачивается цифрой в 1481 ежедневно проданный билет) и две выставки Музеев Московского Кремля. «Драгоценности, вдохновленные природой. Ильгиз Ф.» собрали 131666 посетителей со средней посещаемостью 1257 человек в день, а экспозиция «Борис Годунов. От слуги до государя всея Руси», проходившая в выставочном зале Успенской звонницы и Одностолпной палате Патриаршего дворца, привлекла 219431 человека (это 1030 туристов в день). Также в рейтинг попала экспозиция «От Елизаветы до Виктории» из лондонской Национальной портретной галереи, которую показывали в Третьяковке с апреля по июнь. Ее посмотрело 79464 человека при средней посещаемости 985 человек в день. Немногим меньше собрала ретроспектива Федора Рокотова, которую в прошлом году тоже представляла Третьяковская галерея: 939 ежедневных посетителей — это 219225 прицельно проданных билетов за все время работы выставки.
В финальной части списка главных мировых выставок 2016 года вновь встречаются Музеи Московского Кремля («Скульптор Василий Коноваленко. Во власти камня» в Одностолпной палате Патриаршего дворца привлек 58000 посетителей при средней посещаемости 736 человек в день) и Третьяковская галерея. Ее летний проект, посвященный «Тайнам старых картин», посмотрело 51289 человек при средней цифре 728 посетителей в день.
Более подробно о международных и российских соревнованиях по музейной и выставочной посещаемости читайте в следующем номере нашей газеты.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4279/

Армянский импрессионизм в гостях у русского

В Музее русского импрессионизма открылась выставка произведений из Национальной галереи Армении и Музея русского искусства Еревана. В экспозиции представлено 58 работ более 20 армянских художников

После недавнего успеха выставки Евгении Киселевой, зрителей в Музее русского импрессионизма ждет встреча с армянскими художниками первой половины ХХ века, из которых все знают разве что Мартироса Сарьяна (его работы тоже включены в экспозицию). Из названия выставки — «От Москвы до Парижа» — понятно, что художники армянского происхождения учились и жили в России и по всей Европе, работали в рамках европейской школы, но внося в нее национальный колорит.
Так, Вардкес Суренянц (1860–1921) успел поучиться в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, затем в Академии художеств в Мюнхене, много путешествовал по Европе и в результате, впитав уроки немецкого символизма и французского импрессионизма, сформировал свой стиль, став родоначальником исторического жанра в Армении. Здесь надо сразу же отметить, что практически все из представленных художников, где бы они ни учились и ни работали, после того как Армения стала одной из республик СССР, вернулись на историческую родину, хотя вполне успешно были укоренены и в русской художественной жизни.
Примеры тому — Мартирос Сарьян или Егише Тадевосян (1870–1936), участвовавший в Товариществе передвижных выставок и «Мире искусства», близко друживший с Михаилом Врубелем и Василием Поленовым, с которым не раз совершал путешествия на Ближний Восток. А Ваграм Гайфеджян (1879–1960) учился у Васнецова и Коровина, с которым оформлял спектакли в Большом театре. Еще одна крупная фигура — живописец и скульптор Ерванд Кочар (1899–1979), ученик Петра Кончаловского в московских Свободных художественных мастерских, в 1920–1930-х жил и работал в Париже, где у него было пять персональных выставок, помимо участия в групповых. Его работы хранятся в Центре Жоржа Помпиду и в Музее Ерванда Кочара в Ереване.
Зрителя ждут на выставке и другие открытия, как, например, лиричные, выполненные в лучших традициях импрессионизма пейзажи Седрака Аракеляна (1884–1942).
Произведения (58 работ более 20 художников) предоставили Национальная галерея Армении и Музей русского искусства (коллекция А. Абрамяна) в Ереване. Галерея, владеющая высочайшего уровня работами русских мастеров начала XX века, отправила в музей на время выставки еще четыре произведения: Наталии Гончаровой (1881–1962), Алексея Кравченко (1889–1940), Александра Куприна (1880–1960) и Аристарха Лентулова (1882–1943).
Музей русского импрессионизма
Армянский импрессионизм. От Москвы до Парижа
До 4 июня
 http://www.theartnewspaper.ru/posts/4276/

Невинная копия или намеренный подлог? Исследования поддельного Рембрандта в Музее Искусств Фралин

31/03/2017

На протяжении многих лет на чердаке Old Cabell Hall, а затем в новом художественном хранилище Музея Искусств Фралин (The Fralin Museum of Art) в Университете Вирджинии, хранилась одна картина. На ней был изображён молодой человек в бархатном берете, а на крошечной дощечке на раме работы значилось лишь одно слово – «Рембрандт».
Джин Ланкастер.
Photo: Sanjay Suchak, University of Virginia
Джин Ланкастер (Jean Lancaster), менеджер коллекции музея, вновь открыла эту картину в 2016 году, когда начала готовиться к новой выставке «Собирайте, заботьтесь, сохраняйте, курируйте: жизнь художественного объекта», открывшейся в музее в прошлую пятницу. Рассмотрев произведение со всех сторон, она посчитала, что деревянная панель, на которой оно было написано, выглядит старой, возможно, достаточно старой, чтобы принадлежать когда-то голландскому мастеру XVII века Рембрандту ван Рейну. Однако Ланкастер скептически отнеслась к самой картине.
“Я подумала, что это, вероятно, не Рембрандт, потому что картина так долго хранилась в запасниках и никогда не выставлялась”, – сказала она.
Тем не менее ей стало любопытно узнать, когда и почему полотно было приписано Рембрандту, и Ланкастер начала исследовать её происхождение. То, что она в итоге нашла, не только не раскрыло эту тайну, но и добавило к ней две новых.
Часть истории картины довольно проста. Адвокат Шарлоттсвилля и коллекционер произведений искусства Джордж Гилмер (George Gilmer) пожертвовал работу в 1961 году вместе с группой других европейских картин, которые он подарил университету в 1950-х и 1960-х годах. Сам Гилмер, вероятно, купил её у своего друга, землевладельца округа Альбемарль и голландского торговца произведениями искусства барона Джона фон Лидерсдорфа (John von Liedersdorf). В письме директору музея, приложенному к щедрому подарку, коллекционер открыто признавал, что некоторые полотна, в том числе предполагаемый Рембрандт, вызывают у него подозрения.
За первоначальный анализ подлинности картины взялись эксперт Университета Вирджинии Ларри Гедде (Larry Goedde) и главный специалист Fine Art Conservation Вирджинии Скотт Нолли (Scott Nolley).
“Смотря на картину, мне было трудно поверить, что она на самом деле относится к XVII веку”, — сказал Гедед. — “Рембрандт использовал гораздо более сложную и разнообразную технику и палитру, чтобы изобразить, например, морщины вокруг глаз или белок самого глаза. Это явно не его рука”.
Слева – Рембрандт, «Человек с нотами», справа – картина, обнаруженная в музее Искусств Фралин, приписываемая Рембрандту.
Images from the National Gallery of Art, The Fralin Museum of Art at UVA
С ним согласился и Нолли.
“Меня сразу же насторожили прорисовка и моделирование портретного образа, учитывая, что картина была приписана Рембрандту”, — сказал он. — “Раскрашивание намеченного изображения стало характерным для портрета начала ХХ века. Картине не хватало изобретательности, продуманного образного и технического апломба, которыми отличаются работы знаменитого мастера”.
После такого заключения оставалось 3 возможных варианта: неумелая перекраска и реставрационные работы могли настолько скрыть картину XVII века, что она стала неузнаваемой; картина могла быть безобидной копией работы Рембрандта, предназначенной для декоративного использования; намеренная подделка, предназначенная для обмана коллекционеров и музеев.
Дальнейшие тесты добавили к загадке ещё один вопрос. Исследование с использованием длинноволновой ультрафиолетовой подсветки — техника, используемая для визуализации слоёв, скрытых при закрашивании или ретушировании картин — показало плотный слой лака, который исключил возможность увидеть любые признаки предыдущих реставраций. Такой лак иногда используют фальсификаторы, чтобы скрыть следы своей работы.
Тогда Нолли и Ланкастер решили попробовать исследовать картину с помощью рентгеновских лучей. И были поражены тем, что появилось на экране. Под портретом оказалось скрыто другое лицо и теперь у музея появились две загадочные картины вместо одной. Рентген показал изображение пожилого мужчины, одетого во что-то, напоминающее военную форму. Эксперты датировали скрытый портрет примерно 1700 годом и предположили, что он принадлежал кисти неизвестного художника и просто был оставлен для последующего использования панели, на которой был написан.
Рентгеновский снимок выявил наличие второго портрета под картиной, приписываемой Рембрандту. Image courtesy of the UVA Imaging Center
Команда исследователей решила, что работа может стать неплохим учебным пособием, если открыть часть старого изображения, чтобы продемонстрировать студентам, как и какими средствами можно отследить историю создания и реставрации художественного произведения.
Для этой цели, было решено снять верхний слой краски с части работы, чтобы обнажить более ранний портрет. Однако в процессе выяснилось, что картин на самом деле было не 2, а 3. Поверх первоначального портрета был написан академический пейзаж, и лишь потом картина, выдаваемая за работу Рембрандта. Специалисты датировали пейзаж примерно XVIII-XIX веками.
Горизонтальное расположение полотна помогает лучше увидеть очертания пейзажа под двумя слоями краски и лака – облака справа, кирпичное здание слева. Photo by Dan Addison, University Communications
Когда же Нолли использовал рентгеновскую флуоресценцию для идентификации элементов, используемых в красящих пигментах, он обнаружил, что самая верхняя картина содержала титан белый, который начал использоваться в красках лишь в ХХ веке. Лак, покрывающий картину, также содержал титан и другие современные пигменты.
Таким образом, портрет молодого человека в бархатном берете не мог принадлежать ни кисти Рембрандта, ни кисти любого из его учеников. Вероятнее всего он был копией или подделкой.
Копии знаменитых картин были очень распространены и абсолютно легальны в XVIII — XIX веках, так как фотография ещё не была изобретена. Так, в 1968 году, группа экспертов, целью которой было определение подлинности всех известных картин знаменитого голландца, обнаружила, что многие полотна, считавшиеся вероятными подделками, на самом деле были невинными копиями или работами в стиле Рембрандта, созданными его учениками и последователями. Однако Гедде считает, что эта картина — не просто копия.
“Я считаю, что это подделка”, — сказал он, сославшись на неуклюжее подражание стилю Рембрандта, обманчивое использование старой рамы, а также присутствие пигментов краски ХХ века. “Взвешивая все это, полотно явно предназначалось для обмана”.
Photo by Dan Addison, University Communications
Сейчас картина является учебным пособием для студентов, помогая им понять стиль истинного Рембрандта, а также увидеть технику фальсификации произведений искусства.



Перевод: Анна Сидорова © Gallerix.rua

Сорняки. Mona Caron (стрит арт)

Сорняки. Mona Caron (стрит арт)

Мона Кэрон (Mona Caron) профессиональная художница из Сан-Франциско. Ориентируясь на конкретные события, происходящие в мире, создает фрески в публичном пространстве разных городов страны.

Родилась и выросла в многоязычном и мультикультурном городе в долине Чентовалли, кантоне Тичино на юге Швейцарии. По словам Моны, она обязана этим местам своей любовью к ботанике и естественным формам. Окружавшая её с детства природная среда и ее мать стали главными учителями будущей художницы. Ее отец, театральный сценограф Питер Биссеггер, также повлиял на Кэрон с точки зрения развития у неё пространственного воображения и научил дочь понимать, как окружающая среда физически влияет на человеческие эмоции и его жизненные силы.

До переезда в Сан-Франциско, Мона изучала английскую литературу в университете Цюриха. В США она продолжила обучение в академии искусств университета Сан-Франциско, который окончила с отличием и получила степень бакалавра изобразительных искусств в области иллюстрации. В последние годы, как ответвление от её проекта "Сорняки", она стала более интенсивно интересоваться произведениями искусства, которое сочетают в себе живопись с фотографией.

"Моя цель - изменить общественное пространство, одновременно создавая произведения искусства и праздничное настроение у прохожих, используя живопись, чтобы спровоцировать разговоры и критическое осознание того, как и куда мы двигаемся через те места, в которых живём".

Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)Сорняки. Mona Caron (стрит арт)