Золото скифов из Эрмитажа привезут на выставку в Лондон

Выставка предметов из собрания Государственного Эрмитажа «Скифы: воины древней Сибири» 14 сентября откроется в Британском музее в Лондоне



Поясная бляха. Золото, бирюза. IV–III вв. до н.э. Сибирская коллекция Петра I. Фото: Государственный Эрмитаж

Из Государственного Эрмитажа в Лондон отправится более 850 предметов, относящихся к истории древнего народа скифов, жившего в VIII веке до н. э. — IV веке н. э. В выставке принимают участие экспонаты трех отделов музея: отдела археологии Восточной Европы и Сибири, отдела античного мира и отдела истории русской культуры, который предоставил акварели XVIII века, изображающие находки из Сибирской коллекции, и гравюры с видами Санкт-Петербурга времен первых археологических открытий. Кроме того, на лондонской выставке будет несколько экспонатов из казахстанских и британских музеев, в том числе ряд предметов из знаменитого Амударьинского клада, хранящегося в Британском музее.

Золотой сосуд с мифологической сценой. Курган Куль-Оба. IV в. до н.э. Фото: Государственный Эрмитаж

В Эрмитаже собрана одна из богатейших коллекций предметов, представляющих цивилизацию скифов во всем ее многообразии. В декабре 2010 года в залах музея была открыта после реконструкции постоянная экспозиция «Древняя Сибирь. Пятый Пазырыкский курган». Среди вещей, которые увидят посетители Британского музея, — оружие, ткани, изделия из дерева, кожи, металла, в том числе золота. Выставка планировалась несколько лет, к ее открытию подготовлен научный каталог. Основу выставочной экспозиции составили предметы из знаменитой Сибирской коллекции Петра I, самой первой археологической коллекции в России, а также экспонаты из царских скифских курганов Северного Причерноморья: Солоха, Куль-Оба, Чертомлык, раскопанных в XIX веке. Но самая значительная часть экспозиции — находки, обнаруженные современными археологическими экспедициями Эрмитажа в Центральной Азии и Сибири. Это материалы кургана Аржан-2 в Туве и Бугры на Алтае.

«Лев терзает оленя». Золотая бляшка-нашивка на одежду. Курган Чертомлык. IV в. до н.э. Фото: Государственный Эрмитаж

Как рассказала TANR куратор выставки Светлана Панкова, старший научный сотрудник отдела археологии Восточной Сибири и Европы, Британский музей хотел показать не только эпоху скифов, но и то, что было в Восточной Сибири до и после их появления. Именно поэтому, например, в Лондон едет погребальный сруб из могильника Оглахты в Хакассии, который выставлялся в Эрмитаже в 1970-х годах, но вот уже почти полвека в разобранном состоянии остается в фондах. Оглахты — хорошо сохранившийся могильник, материалы исследования которого еще не опубликованы полностью и мало известны даже в научных кругах. Из этого памятника Эрмитаж отправляет в Лондон группу экспонатов, которые расскажут, что было в Сибири после скифов, когда туда пришли новые племена и народы. Для сравнения на выставке будет представлена погребальная колода из скифского могильника в Горном Алтае.

Серебряный ритон. Курган Куль-Оба. IV в. до н.э. Фото: Государственный Эрмитаж

Эту выставку из Эрмитажа уже называют «нашим ответом Британскому музею». В декабре 2014-го — январе 2015 года в атриуме Эрмитажа была выставлена одна из знаменитых скульптур Парфенона из коллекции британского дипломата лорда Элгина — фигура речного бога Илиссоса, которая никогда ранее не покидала стен Британского музея. Но, по мнению Светланы Панковой, говорить об ответной выставке не стоит: «Просто у нас давние и очень тесные отношения с Британским музеем, что всегда подчеркивает директор Эрмитажа Михаил Пиотровский».

Бесспорно, особое внимание посетителей привлекут золотые предметы из Сибирской коллекция Петра I (ее составляют находки, добытые в начале XVIII века «бугровщиками» — грабителями курганов (бугров) на территории Западной Сибири). Это почти полтора десятка золотых нагрудных украшений, браслетов, сосудов и украшений конской сбруи.

Золотая рукоять ахеменидского меча. Курган Чертомлык. V в. до н.э. Фото: Государственный Эрмитаж

Но пришедшие на выставку в Британский музей увидят не только находки более чем 100-летней давности, но и результаты недавних экспедиций под руководством Константина Чугунова в Сибири, Туве и на Алтае. Как рассказала Панкова, львиную долю экспонатов составляют предметы из самых известных курганов в Горном Алтае и Туве: Аржан-2 и Пазырык (пазырыкская культура — археологическая культура железного века VI–III веков до н. э., основные находки предметов которой были сделаны в Горном Алтае). Это изделия из металла, войлока, дерева, кожи с мехом, сохранившиеся в условиях вечной мерзлоты. Будут представлены и фрагменты кожи с отчетливо видимой на них татуировкой.

Деталь головного убора. Пазырыкская культура. Курган 2. IV–III вв. до н.э. Фото: Государственный Эрмитаж

Но самый знаменитый предмет из Пазырыка — древнейший из известных и хорошо сохранившийся узелковый ворсовый ковер — в Лондон не поедет из-за особых условий хранения. «Кроме того, это общая практика: уникальные, единичные вещи, аналогов которым нет в мире, как правило, остаются в постоянной экспозиции, — поясняет Светлана Панкова. — Тем более что сегодня в мире и так неспокойно. Может, когда-нибудь возникнут условия для переезда таких хрупких предметов — сейчас этого, увы, нет».

Вокруг предстоящей выставки в Британском музее уже идет активная дискуссия, в частности, о том, сможет ли Эрмитаж теперь, после включения Крыма в состав России, привезти в Лондон предметы скифской культуры, найденные на территории современной Украины.

Войлочные чулки. Пазырыкская культура. Курган 2. IV–III вв. до н.э. Фото: Государственный Эрмитаж

«Некоторые из золотых предметов действительно были найдены на территории нынешней Украины, — подтвердила корреспонденту TANR Мариам Дадамаева, ученый секретарь Государственного Эрмитажа. — Но все они были найдены еще в XIX или в начале XX века археологами Императорской археологической комиссии, работавшей с 1859 по 1917 год». По мнению Панковой, разговоры вокруг «скифского золота» — рекламный шум, потому что некоторые находки из царских скифских курганов Северного Причерноморья — Солохи, Куль-Обы, Чертомлыка — были обнаружены еще в 30-х годах XIX века и переданы в императорскую коллекцию.

Выставка в Британском музее откроется 14 сентября 2017 года и продлится по январь 2018 года.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4699/

В Музеях Кремля появился wi-fi для посетителей

Выкладывать селфи в соцсети и пользоваться новым онлайн-гидом стало проще


Оружейная палата Фото: Музеи Московского Кремля


Музеи Московского Кремля оснастили wi-fi Оружейную палату, где из-за особенностей архитектуры практически не принимают сигнал мобильные телефоны и, соответственно, невозможно пользоваться Интернетом. Сейчас его наличие стало особенно актуальным: помимо вывешивания селфи и фото экспонатов на свои страницы в социальных сетях, устойчивый интернет-сигнал нужен для использования нового онлайн-гида. Таким образом, теперь не обязательно заказывать экскурсии или ждать, пока освободится аудиогид, использование которого входит в стоимость билета. Приложение уже можно скачать бесплатно для всех видов гаджетов, при этом оно автоматически определит ваше местонахождение (ближайшие к пользователю витрины подсвечиваются на экране синим цветом). Приложение содержит мультимедийный каталог с детальным описанием всех предметов коллекции и информацией о залах. Приложение будет присылать уведомления о новых выставках и актуальных мероприятиях. Сейчас, например, это начало продаж абонементов осеннего сезона в Музеи Московского Кремля, которые уже можно купить онлайн.

В настоящее время российские музеи все активнее используют разнообразные формы работы со своей аудиторией с помощью Интернета. В частности, Русский музей стал одним из первых, кто применил технологию так называемой дополненной реальности, недавно к нему присоединился ГМИИ им. А.С.Пушкина. Многие музеи создают свои «копии» в виртуальном пространстве.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4696/

Эпоха русского Возрождения: художник Андрей Матвеев - первопроходец в истории светской русской живописи



«Матвеев Андрей, первый Русский живописец, и его супруга. Писал сам художник».(1729). Автор: А.Матвеев.
«Автопортрет с женой» - это уникальное полотно начала XVIII века принадлежит кисти художника-портретиста Андрея Матвеева (1701-1739), стоявшего у истоков русской эпохи Возрождения. Ценность картины заключается в том, что эта работа является первой из жанра автопортрета в истории русского искусства.

В петровскую эпоху изобразительное искусство было приравнено к ремесленничеству, и своё имя под работами художники не ставили. Андрей Матвеев был первым из русских живописцев, кто осмелился увековечить свой образ в живописи и подписать свой труд: «Матвеев Андрей, первый Русский живописец, и его супруга. Писал сам художник. 1729г.». Это был беспрецедентный по тем временам поступок молодого художника.




Портрет Петра I. Автор: А.Матвеев.

Во времена царствования Петра I каноны русской живописи изменились кардинально. Благодаря преобразованиям и реформам в сфере культуры русские художники начали осваивать прямую перспективу, дающую глубину и объемность изображениям на плоскости, градацию света и тени. Что позволило наиболее реально передавать в живописи изображаемые образы. В просветительских целях Петр I приглашал именитых заграничных мастеров живописи и зодчества в Россию. Своих же талантливых мастеров отправлял на обучение в Европу. Среди таких одаренных молодых людей и оказался Андрей Матвеев.




.Портрет И.А. Голицина. Автор: А.Матвеев




Портрет А.П. Голициной. Автор: Андрей Матвеев




Портрет врача И.А.Ацаретти. Автор: Андрей Матвеев

Ходили разные легенды о том, как Матвеев попал в придворные живописцы. Поговаривали, что сама императрица Екатерина приметила талантливого юношу, приехавшего в Петербург из Новгородской губернии. Она же и настояла на том, чтобы 16-летнего Андрея отправить в Голландию для обучения живописи.

Царский стипендиат Матвеев в Амстердаме и в Антверпене был учеником Арнольда Схалкена – известного портретиста и Карела де Моора – известнейшего портретиста лейденской школы. Вначале своего творческого пути он копировал полотна мастеров, а позже самостоятельно начал создавать портреты. За одиннадцать лет Андрей получил полное академическое художественное образование и был удостоен награды Антверпской Академии.




Венера и Амур. Автор: Андрей Матвеев

После смерти Петра I, вернувшись в 1725 году в Россию, Матвеев получает звание «гофмалера». Императрицей Екатериной при царском дворе эта должность была введена впервые. В обязанности художника входило руководить Живописной командой в Петербургской канцелярии от строений. Он также отвечал за убранство зданий и галерей, за оформление праздничных событий при дворе. Под его руководством художники занимались реставрацией и росписью церквей Петропавловского собора. Матвееву довелось работать с известным зодчим Михаилом Земцовым, благодаря которому приобщился к монументально-декоративному искусству и архитектуре.




Петропавловский собор. Церковь Святого Симеона и Анны.

В 27 лет художник женился на 14-летней юной красавице Ирине Антроповой - дочери мастера кузнечных дел при царской Канцелярии. Тем же 1729 годом датируется и написание картины "Автопортрет с женой", которая ввиду большой занятости художника и ранней его смерти так и не была окончена.

Это лучшая и смелая работа мастера. Матвеев привлек внимание к своей персоне как к художнику с высокой самооценкой и как к творческой личности. К тому же это одно из первых творений той эпохи, раскрывающее пылкую, трепетную и целомудренную любовь супругов.

«Смело и открыто, впервые в русской живописи Матвеев прославлял женщину. Как верную спутницу мужчины, достойную любви и уважения. Свободно и радостно заявлял он о своих чувствах к любимой. Взволнованно и вместе с тем предельно деликатно рассказывал о том глубоком сокровенном, о чем никогда не решалось поведать средневековое, старомосковское искусство. Сколько затаённого любования и нежности ощущается в том жесте, которым он подводит свою подругу к краю картины. Трепетный жест соединившихся рук, лёгкое касание плеч, еле уловимый поворот навстречу друг другу — земная человеческая радость», — так написала о живописном полотне Матвеева искусствовед В.Г.Андреева.




Автопортрет с женой. Автор: Андрей Матвеев

За время десятилетней супружеской жизни в семье Матвеевых родилось четверо детей. Самый младший сын был с раннего детства приучен к изобразительному искусству, обучался в академии живописи и получил дворянский чин. Он то и сберег знаменитую работу отца, а незадолго до своей смерти передал в дар Петербургской Академии художеств. В настоящее время это полотно хранится в Русском музее.




Аллегория живописи. Автор: Андрей Матвеев.

«Аллегория живописи» - это первое в России сохранившееся до настоящего времени станковое полотно на аллегорический сюжет, где художник изобразил аллегорическую фигуру живописи, сидящую у мольберта, в окружении амуров. До нашего времени уцелело всего около десяти работ художника А.М. Матвеева, имеющих несомненную ценность для истории русского искусства.
Источник: http://www.kulturologia.ru/blogs/290617/35061/

Парфенон: печальная судьба легендарного древнегреческого храма



Ночной Акрополь
Великий храм Парфенон был построен в Афинах в период расцвета Греции в V веке до н.э. в качестве дара богине - покровительнице города. До сих пор этот удивительный храм, даже будучи сильно разрушенным, не перестает поражать своей гармонией и красотой. Не менее увлекательна и судьба Парфенона - многое пришлось ему повидать.




Афины

После победы греков над персами наступил «золотой век» Аттики. Фактическим правителем Древней Эллады в то время был Перикл, пользующийся большой популярностью в народе. Будучи очень образованным человеком, обладая живым умом и ораторским талантом, огромной выдержкой и трудолюбием, он имел большое влияние на впечатлительных горожан и с успехом проводил в жизнь свои планы.

В Афинах Перикл развернул масштабные строительные работы, и именно при нем на Акрополе вырос великолепный храмовый ансамбль, венцом которого явился Парфенон. Для воплощения грандиозных планов были привлечены архитектурные гении Иктион и Калликрат и один из лучших скульпторов Фидий.




Древнегреческий скульптор Фидий

Грандиозное строительство требовало и колоссальных затрат, но Перикл не скупился, за что его не раз обвиняли в расточительстве. Перикл был непреклонен. Выступая перед жителями, он объяснял: «Город достаточно снабжен необходимым для войны, поэтому излишек в денежных средствах следует употребить на постройки, которые, после своего окончания, доставят гражданам бессмертную славу». И граждане поддержали своего правителя. На все строительство ушла сумма, достаточная для создания флота из 450 боевых кораблей-триер.




Перикл выступает перед афинянами

В свою очередь от зодчих Перикл требовал создания настоящего шедевра, и гениальные мастера его не подвели. Через 15 лет был построено уникальное сооружение - величественный и в то же время легкий и воздушный храм, архитектура которого не была похожа ни на какой другой.

Просторное помещение храма (примерно 70х30 метров) со всех сторон по периметру окружали колонны, такой тип зданий называется периптором.

В качестве основного строительного материала использовали белый мрамор, который привозили за 20 км. Этот мрамор, имеющий сразу после добычи чисто белый цвет, под воздействием солнечных лучей начинал желтеть, и в результате Парфенон оказался окрашен неравномерно – северная его сторона была серо-пепельного цвета, а южная – золотисто-желтого. Но это совершенно не портило храм, а, наоборот, делало более интересным.

При строительстве использовали сухую кладку, без строительного раствора. Отполированные мраморные блоки соединяли между собой железными штырями (по вертикали) и скрепами (по горизонтали). В настоящее время строительными технологиями,используемыми при его строительстве, активно заинтересовались японские сейсмологи.




Парфенон. Реконструкция

Есть у этого храма еще одна уникальная особенность. Со стороны его силуэт представляется абсолютно ровным и безупречным, а на самом деле в его контурах нет ни одной прямой детали. Для того, чтобы нивелировать результаты перспективы, использовались наклоны, искривления или утолщения деталей - колонн, кровли, карнизов. Гениальные зодчие разработали уникальную систему корректировки за счет оптических трюков.

Многие считают, что все древние храмы имели естественный цвет, но это было не всегда так. В античный период многие здания и сооружения старались делать красочными. Не стал исключением и Парфенон. Основными цветами, доминирующими в его палитре, были синий, красный и золотистый.
Интерьер украшало множество различных скульптур, но главной среди них была легендарная 12-метровая статуя Афины в образе богини войны, Афина Парфенос, - лучшее творение Фидия. Вся одежда и оружие ее были сделана из золотых пластин, а для открытых частей тела использовали слоновую кость. Золота только на эту статую ушло больше тонны.




Афина Парфенос. Реконструкция


Чёрные дни Парфенона История Парфенона довольно печальна. Расцвет храма пришелся на расцвет Греции, но постепенно храм утратил свое значение. С распространением в Римской империи христианства в V веке храм был переосвящен и превратился в византийскую церковь Пресвятой Девы Марии.

В XV веке после захвата Афин турками храм стали использовать, как мечеть. Во время очередной осады Афин в 1687 году, турки превратили Акрополь в цитадель, а Парфенон - в пороховой склад, понадеявшись на его толстые стены. Но в результате попадания пушечного ядра от мощнейшего взрыва храм рухнул и его средней части практически ничего не осталось. В таком виде храм стал совсем никому не нужным, и началось его разграбление.




Руины Парфенона

В начале XIX века с разрешения властей английский дипломат вывез в Англию огромную коллекцию великолепных древних греческих статуй, скульптурных композиций, фрагментов стен с резьбой.



Скульптурная группа из Парфенона в британском музее

Судьбой здания заинтересовались лишь тогда, когда Греция обрела независимость. С 20-х годов 20 века здесь начались работы по реставрации храма, которые ведутся по сей день, по крупицам собираются утраченные детали. Кроме того, правительство Греции ведет работу и по возвращению в страну вывезенных фрагментов.

Что же касается самой главной ценности Парфенона – статуи богини Афины гениального Фидия, то она утрачена безвозвратно во время одного из пожаров. Остались лишь ее многочисленные копии, хранящиеся в разных музеях. Наиболее точной и достоверной из сохранившихся считается римская мраморная копия Афина Варвакион.




Римская копия Афина Варвакион

Конечно, надежды на то, что когда-то храм предстанет в первозданном виде, нет никакой, но даже в нынешнем состоянии он является настоящим шедевром архитектуры.




Парфенон. Современный вид
Источник: http://www.kulturologia.ru/blogs/280617/35082/

Любовь и инцест: известные личности, которые женились на ближайших родственниках



Чарлз Дарвин и Эмма Веджвуд. | Фото: 3.bp.blogspot.com.
Во все времена общество осуждало мужчин и женщин, решившихся на близкородственные союзы. В некоторых культурах кровосмешение вообще считалось преступлением. А между тем, такие браки случались сплошь и рядом, потому что влюбленные не могли представить свою жизнь друг без друга. В этом обзоре представлены известные исторические личности, избранниками которых стали их близкие родственники.
Эдгар По и Вирджиния Клемм


Эдгар Аллан По и Вирджиния Клемм. | Фото: 1.bp.blogspot.com.
Американский писатель Эдгар Аллан По прославился не только своими детективами, но и скандальной личной жизнью. В 26-летнем возрасте в пылу обиды он переехал от родителей к своей тетке миссис Клемм. Писатель воспылал страстью к ее 12-летней дочери, своей кузине Вирджинии.

Видя душевные метания племянника, тетка позволила им пожениться, но с условием, что Эдгар По не коснется жены, пока та не достигнет половой зрелости. Через несколько лет семейному счастью наступил конец: Вирджиния скончалась от туберкулеза. Через два года безутешный писатель последовал за любимой на тот свет.
Игорь Стравинский и Екатерина Носенко


Игорь Стравинский и Екатерина Носенко. | Фото: 4.bp.blogspot.com.
Игоря Стравинского называют одним из самых талантливых композиторов ХХ века. Со своей двоюродной сестрой Екатериной Носенко он дружил с раннего детства. Затем дружба переросла в более глубокое чувство. Стравинский хотел жениться на своей возлюбленной, но православная церковь это запрещала. В конце концов, композитору удалось уговорить одного священника, и в 1906 году пара обвенчалась.
Франклин Рузвельт и Элеонора Рузвельт


Американский президент Франклин Рузвельт и его супруга Элеонора Рузвельт. | Фото: 3.bp.blogspot.com.
Американского президента Франклина Рузвельта ставят в один ряд с Авраамом Линкольном и Джорджем Вашингтоном. Под его руководством страна вышла из Великой депрессии и взяла курс на стремительное развитие экономики.

Франклин Рузвельт сочетался браком со своей родственницей Элеонорой Рузвельт, приходившейся племянницей другому американскому президенту Теодору Рузвельту. Мать Франклина крайне негативно отнеслась к такому союзу, но влюбленным было все равно. Как показало время, у них сложился отличный тандем не только в кругу семьи, но и на политической арене. Элеонора принимала активное участие в управлении страной, тем самым реализовывая собственные амбиции.
Чарлз Дарвин и Эмма Веджвуд


Чарлз Дарвин и Эмма Веджвуд. | Фото: 3.bp.blogspot.com.
Известный естествоиспытатель и основоположник теории эволюции Чарлз Дарвин женился на своей кузине Эмме Веджвуд. По иронии судьбы, ученый на себе испытал принцип «выживает сильнейший», когда наблюдал, как умирали трое из его десятерых детей. Остальные отпрыски росли очень болезненными. Дарвин понимал, что основной причиной этого являлось кровосмешение, и даже написал несколько научных работ на эту тему.
Кристофер Милн и Лесли де Селинкурт


Кристофер Милн с супругой. | Фото: bigpicture.ru.
Писатель Алан Милн сделал своего сына прототипом сказочного мальчика Кристофера Робина в детских рассказах о приключениях медвежонка Винни-Пуха и его друзей. В реальной жизни отношения между отцом и сыном складывались не слишком удачно. Мальчик обижался, что у писателя на него постоянно не хватало времени. Со временем ситуация усугубилась еще и потому, что Кристофер Милн решил жениться на своей кузине Лесли де Селинкурт. Родители не простили этого сыну, а мать даже 15 лет не разговаривала с ним.

В 1956 году у Кристофера Милна и его супруги наконец-то родилась долгожданная дочь. К несчастью, у девочки диагностировали церебральный паралич.
Королева Виктория и ее двоюродный брат принц Альберт Саксен-Кобург-Готский


Принц Альберт Саксен-Кобург-Готский и британская королева Виктория. | Фото: 4.bp.blogspot.com.
Для представителей королевских кровей инбридинг (кровосмешение) считался обычным делом. Заключение браков с родственниками считалось частью политических игр. Британская королева Виктория вышла замуж за своего кузена Альберта Саксен-Кобург-Готского. Этот союз был одним из немногих, в котором царили любовь и взаимопонимание. У Виктории и Альберта родилось девять детей. Когда супруг королевы умер, она до конца жизни носила по нему траур.
Королева Елизавета II и принц Филипп


Принц Филипп, герцог Эдинбургский и королева Елизавета II. | Фото: ilarge.lisimg.com.
Ныне здравствующая королева Елизавета II и принц Филипп состоят в браке почти 70 лет. Они также приходится друг другу пусть дальними, но все же родственниками. Британская королева и герцог Эдинбургский четвероюродные брат и сестра.
Источник: http://www.kulturologia.ru/blogs/290617/35087/

Разрушение легенд и возрождение шедевров Нико Пиросмани

Фабричная клеенка на парусиновой основе в сочетании с качественными красками обеспечила сохранность многих работ грузинского художника, а ошибки неумелой ранней непрофессиональной реставрации удалось исправить



Нико Пиросмани. Застолье. 1907. Музей Пиромани в селе Мирзаани Niko Pirosmanashvili State Museum

В2018 году в Грузии будут отмечать 100-летие со дня смерти Нико Пиросмани, но уже сегодня ведется мониторинг сохранности его работ и их восстановление.

В феврале 2017 года завершилась реставрация двух картин из музея Пиросмани в его родном селе Мирзаани. Всего в этом музее хранится 14 произведений художника, два из них — «Царица Тамара» и «Шота Руставели» (1913–1914) — особенно нуждались во внимании специалистов.

Реставрацию провели в рамках проекта «Возрождение Пиросмани», стартовавшего прошлой осенью под протекцией Министерства культуры Грузии и при финансовой поддержке банка TBC. Над спасением картин работали сотрудники Национального музея Грузии, через руки которых прошли десятки произведений художника.

Нана Манагадзе, специалист реставрационной мастерской Национального музея Грузии, рассказала, что реставраторам пришлось бороться не только с естественным старением и разрушением картин, но и с результатами предыдущей реставрации.

Картины из музея Мирзаани написаны на картоне, но позже дублированы на фанеру, да так крепко, что подлинный слой с трудом сняли. Сделано много неумелых вставок, плохих тонировок — сведений об этой ранней реставрации не сохранилось, но очевидно: работал непрофессионал. Теперь картон продублировали на холст, расчистили, укрепили красочный слой, сняли верхний потемневший слой лака.

Нико Пиросмани. Царица Тамара. 1915. Государственный музей искусств Грузии Niko Pirosmanashvili State Museu

Кропотливая и сложная работа заняла чуть более трех месяцев. Это сравнительно немного. Так, в январе 2017 года в экспозицию Национальной галереи Грузии вернулись «Свири», над возрождением которых также работала Нана Манагадзе. Реставрация этой сильно поврежденной картины заняла год. «Свири», хранившиеся в фондах с 1978 года, написаны на линолеуме, который Пиросмани использовал нечасто. Они были разделены на два фрагмента разной толщины, имели массу утрат.

«Мониторинг состояния произведений Пиросмани каждый музей проводит самостоятельно, — пояснила Манагадзе. — В Национальном музее есть специальная комната, где хранятся картины, ожидающие реставрации. Но, помимо этого, в музее в Мирзаани в 2015 году мы отреставрировали еще две картины Пиросмани — „Женщину с пасхальными яйцами“ и второй портрет Шота Руставели. Сейчас в музее нет работ в аварийном состоянии, но в экспозиции можно невооруженным глазом увидеть картины, которым необходимо внимание специалистов».

«Охота в Индии», еще одно произведение Пиросмани, оставалась в мастерской четыре года, а в целом процесс ее восстановления и изучения занял целых десять лет. Она попала в Национальный музей еще в 1930 году с отсутствующим фрагментом — фигуру мужчины, служившую самостоятельной картиной, обнаружили десятилетия спустя.

У многих картин Пиросмани непростая судьба: их находили разорванными на куски, свернутыми, разрезанными.
Художник Ладо Гудиашвили пишет в воспоминаниях о том, как они с поэтом Симоном Чиковани случайно обнаружили один такой картон. Сегодня он хранится в музее Пиросмани в Мирзаани и называется «На гумне. Вечер».

«Он [Чиковани] предложил подняться на чердак. Там царил невообразимый хаос. Случайно Симон задел ногой большой кусок картона. Мы его приподняли, под ним оказалась еще пара таких же кусков. Присмотрелись, и что же вы думаете? Когда мы соединили эти куски, то перед нами оказалась картина Пиросмани». Работу собрали воедино, позже Чиковани передал ее в музей.

Нико Пиросмани. Портрет Шота Руставели. 1915. Государственный музей искусств Грузии Niko Pirosmanashvili State Museum

Среди наследия Пиросмани известно лишь несколько ранних композиций, выполненных на холсте. Большая же часть — это картон и знаменитая клеенка. По легенде Пиросмани чуть ли не снимал со столов духанов обычную клеенку и писал прямо на ней на глазах у изумленной публики.

Однако на самом деле художник относился к своему труду серьезно: он использовал не бытовую клеенку, а техническую — плотную, однородную, изготавливаемую фабричным способом на парусиновой основе, с грунтованной поверхностью. На нее хорошо ложилась краска.

Как отмечает Манагадзе, клеенка по степени сохранности, конечно, уступает холсту, но при соблюдении условий хранения оказывается прочным материалом.

«Главная проблема клеенки — в том, что при пересыхании она начинает трескаться и рассыпаться, — говорит реставратор, — поэтому в помещениях, где хранятся такие работы, необходимо поддерживать достаточную влажность».

Самодельные краски — еще одна распространенная легенда о Пиросмани. И такой период действительно был в его творчестве: художник покупал сухие пигменты и самостоятельно разводил их олифой, но написанных подобными красками картин немного. В основном Пиросмани использовал качественные фабричные краски.

В сочетании с клеенкой они обеспечили большинству его работ неплохую сохранность.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4693/

Нежная готика Баженова

Выставку к юбилею великого архитектора, сделанную совместно с Музеем архитектуры, фонд IN ARTIBUS сопроводил каталогом, монументальным во всех смыслах





Если верить Сергею Хачатурову, автору выставочной концепции, статьей которого открывается этот внушительный «кирпич», понятие «готика» было в XVIII столетии таким же универсальным и, соответственно, размытым, как в ХХ веке слова «реализм» и «постмодернизм», так что подвести под него можно все что угодно. «Готика» обозначала «ту территорию культуры, что не согласуется с „правильным“ („изящным“) вкусом, в нашем нынешнем понимании ассоциирующимся с неоклассицизмом» Англии, Германии, Франции и России. Готика оппонировала «иссушающему свету рассудочного знания», поэтому шла навстречу нарождающемуся романтизму с его бегством в «экзотические обстоятельства», «двоемирием» и культом меланхолических руин.

По сути, этот двуязычный (все русские тексты дублируются здесь английскими), превосходно иллюстрированный каталог является не только изданием, описывающим выставку, поделенную между Государственным музеем архитектуры им. А.В.Щусева и фондом IN ARTIBUS, но и коллективной монографией, в восьми статьях наглядно показывающей самые различные изводы «готической темы» в русской архитектуре и непосредственно в творчестве Василия Баженова. Так, академик Дмитрий Швидковский объясняет, что, в отличие от «китайщины», пришедшей в Россию через вторые руки, интерес к зодчеству европейского Средневековья был занесен к нам непосредственно из Великобритании (и именно английской версии этого стиля посвящено эссе Николая Молока). Автор этапной монографии о машинерии барочного театра Анна Корндорф логично посвящает свое исследование готическим мотивам в театре Просвещения. Светлана Усачева из Третьяковской галереи и историк архитектуры Сергей Клименко завершают эту коллекцию статей очерками на тему «древнерусское как готическое»: об осознании ценности памятников российской старины и о первых опытах реставрации древнерусских построек. Стефан Гесслер, исследователь из Сорбонны, объясняет, как именно Баженов переводил элементы «готического вкуса» на архитектурный язык своего времени и своей культуры, а историк искусства Сергей Кузнецов, точно под увеличительным стеклом, рассматривает стрельчатые арки на дорической колонне, один из важнейших элементов баженовского стиля (а также архитекторов его времени), как важнейший способ «архитектурно-пространственной репрезентации власти в Российской империи» времен Екатерины Великой. Эта статья начинается с рассказа о небывалом скандале, который вызвал проект императорской резиденции, что по проекту Баженова начали строить в Царицыне.

Два одинаковых симметричных павильона-дворца, уже полностью возведенные, в 1762 году приказали снести, хотя, как пишет исследователь, «нет сомнения в участии самой заказчицы в утверждении предварительных планов» этих сооружений. Причин разрушения главной части ансамбля могло быть несколько, в том числе связанных с тем, что реализация замысла Баженова была неожиданно признана «архаичной».

http://www.theartnewspaper.ru/posts/4694/

Коллекционирование как предмет научных исследований

Центр истории коллекционирования при Коллекции Фрика отмечает свое десятилетие публикацией книги и планирует активнее сотрудничать с собирателями искусства



Слева направо: директор Центра истории коллекционирования Инге Рейст и заместители директора Эсме Кодбах и Саманта Дойч PHOTO : MICHAEL BODYCOMB

В 2007 году, когда Коллекция Фрика (нью-йоркский музей, названный по имени создателя) основала Центр истории коллекционирования, эта сфера была сравнительно неразвитой. Лишь немногие ученые уделяли внимание роли покровителей искусства, предпочтения которых могут составить для художника целый рынок или даже сформировать канон. «Когда я училась в докторантуре в одном из колледжей Лиги плюща, исследования коллекций и арт-рынка не поощрялись, — говорит директор-основатель Инге Рейст, получившая докторскую степень в Колумбийском университете. — Основное внимание всегда уделялось стилистическим влияниям и иконографии. Несомненно, все это очень важно, но все-таки без коллекционеров музеи, особенно в США, не стали бы тем, чем они являются сегодня».

В наши дни ситуация изменилась, и отчасти это заслуга Центра истории коллекционирования, отмечающего в этом году свое десятилетие. Благодаря публикациям, симпозиумам, стипендиям, книжной премии, проектам по изучению устной истории и многому другому Инге Рейст и ее соратникам удалось превратить коллекционирование в полноценную область научного интереса.

Жан-Батист Карпо. Уголино и сыновья. Дар частных коллекционеров Метрополитен-музею courtesy of metmuseum

«Момент был подходящий», — говорит Рейст, имея в виду бум коллекционирования, случившийся в последнее десятилетие. Выставки и каталоги, такие как посвященные коллекции Роберта и Джейн Мейерхофф в Национальной художественной галерее или семьи Стайнов в Метрополитен-музее, открыли новые пути перед исследователями послевоенной американской живописи и парижского авангарда начала ХХ века соответственно. У центра даже появились свои последователи: в прошлом году в Лондоне было основано Общество истории коллекционирования.

Десятилетие центр отметил публикацией, посвященной первой декаде своей деятельности; в книгу вошли в том числе интервью с коллекционерами Эли и Эдит Брод. В рамках праздничной программы в мае состоялся симпозиум под названием «Скульптура. Коллекционирование и экспонирование. 1600–2000». Еще одно мероприятие, запланированное на 3–4 ноября в Художественном музее Филадельфии, будет посвящено выставке «Старые мастера сегодня. Открывая заново коллекцию Джона Г. Джонсона». Кроме того, Рейст планирует выпустить серию книг, посвященных ключевым законодателям моды в искусстве, и стремится активнее сотрудничать с современными коллекционерами, чтобы сделать «первые наброски для истории». «Мне хотелось бы больше работать с теми, кто, может быть, еще только начинает карьеру коллекционера», — говорит она.

Несмотря на то что кое-кто из авторитетных коллекционеров, к которым обращалась Рейст, не спешит откровенничать и просит отложить на некоторое время публикацию своих устных рассказов, директор центра не переживает: «Мы собираемся работать в этой области еще долго».

http://www.theartnewspaper.ru/posts/4695/

Пейзаж в манере ар-брют скрывал кубистическую композицию

Картина бельгийского художника Рене Гюйетта оказалась двухслойной. Раннюю работу теперь можно увидеть - но разделить композиции невозможно



Картины Рене Гюйетта часто имеют «двойное дно» Фото: Архив TAN

Утраченная» кубистическая композиция бельгийца Рене Гюйетта (1893–1976) нашлась под его же картиной «Пейзаж» (1953), выполненной уже в манере ар-брют. Внучка художника Мануэла де Керхов д’Уссельгем заметила, что в зонах утраты красок по краям полотна видны участки голубого и ярко-желтого пигмента, не сочетающегося с черным, красным и коричневым цветами, преобладающими в картине. Она обратилась в швейцарскую фирму SGS Art Services с просьбой исследовать полотно. Инфракрасная рефлексография и микрорентгенофлуоресцентный анализ обнаружили еще одну композицию, которую де Керхов д’Уссельгем знала по фотографии. Скрытая работа написана около 1941 года, в период увлечения Гюйетта кубизмом. Когда более десяти лет спустя создавался «Пейзаж», художник уже перешел к «грубому искусству». Гюйетт известен повторным использованием холстов из-за вынужденной экономии материалов во время Второй мировой и в периоды, когда радикально менял манеру.

"На полотне Рене Гюйетта пейзаж 1953 года сквозит через более поздний портрет" . Фото: Архив TAN

На нынешнем этапе развития технологий разделить композиции невозможно. Но даже если бы такие техники были, остается этический момент, ведь Гюйетт сам решил написать одну картину поверх другой. «Мы убеждены, что этика требует уважать волю художника. Тем более что благодаря науке нам доступны оба измерения», — говорит представитель SGS. Наука помогает найти потерянные работы художников, изучать ход их мысли, а также позволяет оценить аутентичность произведения, как в случае, когда SGS обнаружила изображение трактора 1940-х годов под композицией, имевшей до этого более раннюю датировку.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4690/

Останки Сальвадора Дали могут эксгумировать

Фонд Дали будет оспаривать изъятие останков знаменитого художника ради теста на родство с испанской гадалкой




Мадридский суд принял решение в пользу Марии Пилар Абель, считающей себя дочерью сюрреалиста Сальвадора Дали, и постановил эксгумировать останки художника для проверки. Женщина 60 лет на протяжении десяти лет добивается, чтобы ее признали дочерью Сальвадора Дали. По словам истицы, ее мать была горничной в доме по соседству с домом художника и якобы тайно встречалась с ним с 1955 по 1956 год. В эти годы художник уже был женат на Елене Дьяконовой (Гала). У пары не было детей, и Дали неоднократно заявлял о нежелании их заводить. Тем не менее его потенциальная дочь уже дважды проводила ДНК-анализ. Остатков кожи на посмертной гипсовой маске похороненного в 1989 году Дали для установления родства не хватило для экспертизы.

«Посмотрите на меня, единственное, чего мне не хватает, — это усов», — утверждает Мария Пилар Абель в комментарии испанской газете El Mundo. В последние годы Абель занимается тем, что ведет на телевидении Жероны передачу, где под псевдонимом «Жасмин» предсказывает будущее зрителям.

Если после эксгумации экспертиза придет к положительному результату, Абель будет не просто носить фамилию Дали, но и претендовать на часть его творческого наследия. До недавних пор единственным наследником и правопреемником художника оставалось испанское государство, которому сам Дали завещал свои работы и все имущество. В фонде художника уже заявили, что будут оспаривать решение суда. Могила художника находится в Фигерасе, в одном из залов его театра-музея. Останки скрыты под незаметной серой плитой, по которой ходят люди, поскольку сам художник завещал похоронить его таким образом.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4689/

Автором Звенигородского чина может оказаться не Андрей Рублев

Новейшие исследования показали, что знаменитые иконы из собрания Третьяковской галереи мог написать не Андрей Рублев, а художники из греко-русской среды. Результаты будут опубликованы в монографии, выпустить которую планируют в 2018 году


Звенигородский чин. Приписывается Андрею Рублеву. Photo: Wikipedia / Shakko

Специалисты из Третьяковской галереи и ГосНИИ реставрации провели сравнение иконы «Святая Троица» с образами Спаса, Архангела Михаила и Апостола Павла из Звенигородского чина, приписанными кисти Андрея Рублева, и обнаружили отличия на всех этапах создания икон, начиная от подготовительного рисунка и заканчивая способом наложения красочных слоев. Но перед этим и «Троица», и Звенигородский чин прошли многоэтапное технико-технологическое исследование, в том числе в инфракрасных лучах, что позволило увидеть подготовительный рисунок и характер мазков.

«Думаю, что для коллег новость была вполне ожидаемой, поскольку стилистическая разница между этими иконами очевидна. Однако делать столь решительные выводы, опираясь только на достаточно субъективный стилистический анализ, было, разумеется, очень рискованно. Поэтому появления нового технологического материала ждали», — отметил в беседе с журналистами научный сотрудник отдела древнерусского искусства Третьяковской галереи Левон Нерсесян.

Он напомнил, что иконы Звенигородского чина были обнаружены в 1918 году, почти сразу отреставрированы и впервые опубликованы в посвященной Андрею Рублеву работе Игоря Грабаря 1926 года. Тогда искусствовед написал, что «их создателем мог быть только Рублев, только он владел искусством подчинять единой гармонизирующей воле эти холодные розово-сиренево-голубые цвета, только он дерзал решать колористические задачи, бывшие под силу разве лишь венецианцам, да и то сто с лишком лет спустя после его смерти».

«Спас Вседержитель» из Звенигородского чина. Приписывается Андрею Рублеву. Photo: Google Art Project

Исследователи довольно долго пытались установить, для какого именно храма могли быть написаны иконы чина (предполагалось в том числе, что эти иконы вместе с «Троицей» происходят из деревянной церкви Троице-Сергиева монастыря 1409 года). Однако на данный момент они более или менее единодушно вернулись к первоначальному предположению (это подтверждают и новейшие археологические исследования), что иконы Звенигородского чина предназначались именно для Успенского собора на Городке и были написаны вскоре, если не сразу после росписи храма, то есть не позднее 1400 года.

Такая ранняя датировка отчасти противоречит традиционным представлениям об эволюции творчества Рублева. Когда иконы чина не были привязаны ни к какому конкретному месту, время их создания обычно отодвигалось на 1410–1420-е годы, что позволяло рассматривать их среди наиболее зрелых произведений мастера, а не как ранние и едва ли не ученические его работы. «Получается, что Рублев, будучи еще совсем молодым мастером, создал одно из самых совершенных и сложных по технике произведений древнерусской живописи, но через четверть века по какой-то неизвестной причине радикальным образом изменил свою манеру», —прокомментировала данные технико-технологических исследований коллега Нерсесяна Софья Свердлова.

Эти исследования, осуществленные с помощью недавно приобретенного музеем новейшего оборудования, позволили детально описать различия, существующие между иконами Звенигородского чина и «Троицей».

«Архангел Михаил» из Звенигородского чина. Приписывается Андрею Рублеву. Photo: Google Art Project

«В “Троице” другой тип графики. Мастер позволял себе большую свободу и поиск формы: линия здесь не такая тонкая, аккуратная и ровная, как в иконах чина, а вибрирующая, исполненная короткими широкими штрихами с подтеками на конце, что обусловлено возвратным движением кисти. Окончательный рисунок далеко не везде соответствует подготовительному, и даже в самом подготовительном рисунке довольно много исправлений. Здесь отчетливо прослеживаются и различия в составе красочных смесей, а главное — в способе наложения живописных слоев»,— рассказала эксперт.

Но, утверждает Нерсесян, и она, и Звенигородский чин — бесспорные шедевры, просто исполненные по-разному: «один мастер привык выписывать все детали с самого начала, четко и аккуратно, а другой создавал некий очерк, эскиз, дорабатывая рисунок в процессе».

Но это еще не все. Анализ приемов на иконах из Звенигородского чина показал, что центральный образ Спаса и иконы Архангела Михаила и Апостола Павла могли быть написаны разными мастерами. «Мы сравнивали их друг с другом по количеству слоев живописи, по рисунку, типу мазка и проработке объема и пришли к выводу, что икона Спаса имеет некоторые заметные отличия от двух других икон. Здесь все тоньше и мягче, приемы чуть менее сложные и изощренные, но приводящие к совершенно исключительному художественному эффекту. Если в двух других иконах мастер слегка видоизменял рисунок в процессе работы — отличаются формы носов, направление взглядов, — то в иконе Спаса окончательные описи точно соответствуют подготовительному рисунку», — рассказала Свердлова.

«Апостол Павел» из Звенигородского чина. Приписывается Андрею Рублеву. Photo: Wikimedia Commons

Что касается ответа на самый главный вопрос — об авторстве икон, то эта тема остается самой острой и дискуссионной. Эксперты не исключают, что истоки их «уникальной техники и исключительного художественного совершенства» нужно искать в особом круге греческих и русских мастеров, трудившихся в Москве в самом конце XIV века. Из этого круга, как полагают исследователи, происходят иконы деисусного чина Благовещенского собора Московского Кремля, Донская икона Богоматери, так называемый Высоцкий чин и миниатюры некоторых иллюстрированных рукописей. В ближайшее время, в частности, для подтверждения или опровержения предположения о связи приемов звенигородских икон с традициями собственно византийского искусства будут привлечены греческие специалисты, которые располагают особым технологическим оборудованием для изучения средневековой живописи.

Вслед за монографическими публикациями в серии «История одного памятника», в которую вошли данные последних исследований о «Троице» Андрея Рублева и Владимирской иконе Богоматери, в Третьяковской галерее планируют выпустить издания об иконе «Богоматерь Донская» (в 2017 году) и об иконах Звенигородского чина (в 2018 году). Пока что, как отметили в музее, вносить изменения в этикетки в экспозиции и на сайте не планируется.

«Это серьезный вопрос, материал находится в работе, сейчас он не на той стадии, когда делаются заявления. Будет атрибуционный совет, потом книга. Необходимо идти шаг за шагом», — пояснила директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.
http://www.theartnewspaper.ru/posts/4687/

ПОТРЯСАЮЩИЕ ФОНТАНЫ. СКУЛЬПТОР MAŁGORZATA CHODAKOWSKA.


Экскурсии в Вене. гид в вене.



“Я пристрастилась к радости, вот поэтому я создаю красивых людей» – Małgorzata Chodakowska.



Małgorzata Chodakowska – современный польский скульптор. Её бронзовые скульптуры поражают воображение. Гибкость, пластика, легкость, оригинальность и высочайшее мастерство отличают её работы. Особенно привлекают фонтаны. Вода дополняет и оживляет скульптуры, придает образам динамику и уникальность, даря зрителю эстетическое наслаждение и богатый спектр положительных эмоций и мыслей. Все произведения Małgorzata Chodakowska являются результатом страсти к чувственной красоте.



Małgorzata Chodakowska родилась в Лодзи, (Польша). Окончила в Лодзи школу искусств и Академию искусств в Вене. После учебы, начиная С 1991 года, работает внештатным скульптором в Дрездене, в Германии, где и начала экспериментировать с литьем бронзы и создавать свои прекрасные фонтаны.



Małgorzata Chodakowska создала свой собственный художественный язык; пачка балерины, крылья ангела, развевающиеся локоны волос… , выполнены с помощью воды. Это гармоничное сочетание необыкновенно придает завершенность, созданным образам и производит чарующее впечатление.





Скульптуры вначале выполняются из дерева, потом отливаются из бронзы. На создание каждой работы уходит от двух до шести месяцев.




Выставки работ скульптора Małgorzata Chodakowska прошли в разных городах и странах таких как: Вена, Грац /Австрия/, Токио /Япония/, Дрезден, Берлин, Радебойль, Циттау, Кисслегг, Санкт-Петербург /Россия/, Штутгарт, Бад-Шандау, Пирна, Вернигероде, Ульм , Лейпциг, Хемниц, Виннинген, Вроцлав, Лодзь /Польша/, Барокгартен, Гросзедлиц Veksolund /Дания/, Роттах-Эгерн.