Почему картину Питера Брейгеля «Притча о слепых» называют медицинским справочником





Питер Брейгель Старший оставил миру искусству не только плеяду талантливых наследников-живописцев, но и мастерские полотна с тщательным изображением деталей и... скрытыми поразительными данными. Одна из его картины помимо своего великолепного сюжета, скрывает медицинские данные. Это «Притча о слепых», посвященная трагическим судьбам людей.

О картине
«Притча о слепых» - картина нидерландского художника периода ренессанса Питера Брейгеля Старшего, выполненная в 1568 году. Художник родился в Брабанте (в селении Брейгель, подарившему ему имя) между 1525 и 1530 годами. Питер Брейгель Старший основал целую династию художников. Живописцами были его сыновья (Питер Брейгель Младший и Ян Брейгель Старший), а также внуки и правнуки.




«Притча о слепых» - живописное воплощение к речению Христа: «Если слепой ведет слепого, оба упадут в яму» (Матф. 15:14). Безусловно, художник Ренессанса создал это полотно не с целью передать свои знания о человеческой слепоте. В данном контексте физическая слепота является метафорой духовной слепоты или внутреннюю слепоту к истинной религии. Слепые из картины Брейгеля соотносятся со слепыми из Библии (Христос видел в фарисеях «слепых вождей слепых»). У Брейгеля на картине виновных нет, но все обречены на падение, потому что они потеряли истинное послание Христа.

В этом случае описание Брейгеля очень буквально, так как лидер шествия из шести слепых упал в канаву и, похоже, утащит своих товарищей за собой. Брейгель визуально выражает слова Христа в этом поистине трагическом образе. Но есть и проблеск надежды: несмотря на духовную слепоту, за героями стоит сильная и крепкая церковь, представляющая веру, которая дает истинное видение. Слепые были частыми «гостями» на полотнах Брейгеля, предметом особого очарования для него («Битва Масленицы и Поста», «Проповедь Иоанна Крестителя»). И что важно: отношение художника к ним сочувственно, ни на минуту не покровительственно.





Герои и сюжет
Что зритель видит на картине? Картина представляет 6 слепцов, держащих друг друга за руку или за палку. Все они направляются к ручью, в который уже падает первый слепой. На другой стороне видна деревня и церковь. Четыре героя из шести высоко держат головы, чтобы лучше использовать остальные органы чувств. Диагональная композиция картины усиливает движение шести фигур и добавляет работе динамизма. Ведущий группы уже упал на спину в канаву, и, поскольку все они держатся за руки и за свои посохи, «руководитель» группы потащит в яму всех ведомых за собой спутников. Палитра, состоящая в основном из серого, зеленого, коричневого, зеленого, темно-красного и черного, создает строгий и даже несколько мрачный тон. Выбор палитры можно объяснить двумя факторами.

Во-первых, картина была написана всего за год до смерти художника. Болезни и нагнетающая политическая обстановка сыграли свою роль (последние годы жизни прошли в атмосфере террора, насаждаемого руководителем контрреформации Альбой). Во-вторых, сама тематика картины (безнадежность и духовная слепота) предполагает мрачный тон. Сюжет четко отделен от ландшафта: зеленые равнины и явно фламандский пейзаж. Лица и тела слепых, а также второстепенные детали, в том числе и церковь, изображены исключительно подробно (это в духе Питеря Брейгеля, каждая работа которого является тщательной детализированной композицией).






Точный медицинский диагноз Брейгеля
Вследствие проведенных исследований оказалось, что картина скрывает поразительные секреты. Оказывается, Питер Брейгель Старший был не только искуссным живописцем. «Притча о слепых» является точным изображением клинических видов слепоты.

Так, у одного из людей на роговице было найдено бельмо в виде белого пятна - симптом того, что современный врач назвал бы лейкомой. Другой слепец уставился в небо: он страдает от атрофии глазных яблок - еще одной известной ныне причины слепоты.

Диагноз третьего персонажа - энуклеация орбит: возможно, его глаза были травмированы во время драки.
У другого персонажа удалены глаза вместе с веками.

Пятый герой имеет слепоту, лишенную светового восприятия либо фотофобию (повышенную болезненную чувствительность к свету; светобоязнь).

Шестой персонаж имеет пузырчатку или буллезный пемфигоид.




В ранних картинах той эпохи слепые обычно изображались с закрытыми глазами. Здесь Брейгель дает каждому человеку различное глазное заболевание, изображенное с медицинской реалистичностью. Именно эта точность и позволила экспертам идентифицировать их диагнозы. Подобное внимание к физическим проявлениям болезни своих героев - не исключение в творчестве Брейгеля. Во многих работах зрители могут увидеть хромых, увечных людей, изображенных с такой поразительной точностью, что любой врач сможет продиагностировать ситуацию по картине.
Это произведение Брейгеля многими считается шедевром за его тщательное внимание к деталям и преднамеренную диагональную композицию, которая подчеркивает растерянность героев и потерю баланса слепых. В ряду многих искусствоведов бытует мнение, что герои картины Брейгеля не только слепы, но и немы. Иначе чем можно объяснить тот факт, что они не смогли предупредить друг друга о предстоящем падении? Фризоподобная процессия шести фигур достигает своего кульминационного момента в эмоциях и испуганном выражении второго героя, единственное лицо которого повернуто к зрителю.




Подобные работы: Доменико Фетти / Себастьян Вранкс

Чем же объясняются такие знания в медицине у художника XVI века? История гласит о ярком прогрессе в медицине XVI столетия. Но точность в изображении клинической слепоты у Брейгеля не соотносится с эпохой, поскольку в то время слепота была довольно мало изучена. Ее обычно приписывали действию губительных паров, поднимающихся из желудка и поражающих центр зрения. Где именно Брейгель смог собрать медицинские данные и столь точно изобразить глазные заболевания, останется неизвестным. Однако это не умаляет ценности полотна, а, напротив, подогревает еще больший интерес к искусству Питера Брейгеля.

К концу своей короткой жизни Брейгель начал прилагать огромные усилия для изучения живописной идеи падающей фигуры. Эти исследования достигли высшей точки в картине «Притча о слепых», в которой единство формы, композиции, содержания и выражения делает его значительным вкладом в европейскую живопись. Это одна из величайших картин эпохи Возрождения в ее мастерском проявлении новозаветной притчи.



Копия работы, выполненная Питером Брейгелем Младшим, примерно 1616 год
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/300320/45938/

Почему публика высмеивала работы импрессионистов и чем всё это закончилось



Движение, которое стремилось запечатлеть современную жизнь, свет и мгновение, стало одним из любимых жанров XXI века. Но импрессионисты были решительно отвергнуты художественным истеблишментом и публикой в 1860-1870-е гг. Многие из них с трудом сводили концы с концами. А временами некоторые из них и вовсе вызывали бурю возмущения, являя миру свои работы, извечно осуждаемые и отвергаемые обществом.


1. Эдуард Мане: Завтрак на траве



Справа: Автопортрет с палитрой Эдуард Мане, 1879 год. \ Слева: Эдуард Мане. \ Фото: google.com.

Представленный Эдуардом Мане в Салоне изящных искусств (ежегодная выставка, организованная влиятельной и консервативной Академией изящных искусств), «Завтрак на траве» был отклонен жюри. Вместо этого картина была выставлена на другой выставке, состоявшейся в 1863 году под названием «Салон отказов» (или выставка отказавшихся), открытой для более трёх тысяч работ, которые были отклонены жюри Салона, где получила враждебную реакцию как со стороны публики, так и со стороны рецензентов. Люди толпами посещала выставку, чтобы в открытую поиздеваться и посмеяться над произведением.

Рецензенты говорили, что «Завтрак на траве» был настолько лишён изящества, что его можно было нарисовать шваброй для пола, а люди, изображённые на картине, и вовсе напоминали одному рецензенту марионеток.
Проблема заключалась в том, что эта картина не была искусством в том виде, в каком его знали французы. Ведь Мане не изображал греческую мифологию, римскую историю или религиозную сцену. Ко всему прочему, картина не была написана с помощью тонких смешанных мазков кисти, которые производили почти фотографический эффект. Вместо этого он использовал смелые цвета, широкие несмешанные мазки кисти и изображал рискованную по тем временам современную сцену. В итоге, французы не могли оценить по достоинству такие картины ещё два-три десятилетия.




Завтрак на траве, Эдуард Мане. \ Фото: snob.ru.

Что касается самой работы, то на переднем плане она изображает симпатичную обнажённую женщину, болтающую с двумя хорошо одетыми молодыми людьми, а вторая женщина купается чуть поодаль от них. Взгляд сразу же притягивается к обнажённой натуре, но при ближайшем рассмотрении возникает ряд вопросов. Почему мужчины полностью одеты, когда женщина обнажена? Она что, путана? Почему купающаяся женская фигура одета? Что она делает (моет ноги, ловит рыбу ...)? Есть ли у картины реальная проблема с перспективой?
Хотя это и интересно, но такие дебаты упускают реальную суть. Мане сделал противоречивое заявление с этой работой. Он бросал вызов ортодоксии и демонстрировал свои новые методы. И это сработало: о нём заговорил весь Париж. «Le Dejuner Sur l'herbe» находится в постоянной коллекции Музея Орсе в Париже. В лондонской галерее Courtauld Gallery есть уменьшенная более ранняя версия этой работы.




Ранняя версия Завтрак на траве, Клод Моне, 1866 год. \ Фото: muzei-mira.com.



Эдуар Мане, В лодке, 1874 год. \ Фото: wikipedia.org.

2. Клод Моне, Восходящее солнце, 1872 год



Клод Моне. \ Фото: gameriskprofit.ru.

К 1873 году группа, получившая известность как импрессионисты, окончательно разочаровалась в Салоне и решила устроить собственную выставку. И несмотря на то, что большинство из них так и сделали, Мане отказался присоединиться к независимой выставке, так как боялся, что она ещё больше вытеснит его из французского художественного истеблишмента. Первая выставка группы, состоявшаяся в 1874 году, включала работы Моне, Сезанна, Рениора, Дега и Писсарро и была организована на улице Капуцинов.

Группа сформировала компанию, в которой каждый из них владел акциями и взимал вступительный взнос в размере одного франка. Посещаемость была хорошей (пришло около трёх с половиной тысяч человек), но плохие впечатления от Салона вновь повторились, ведь публика приходила насмехаться, а отзывы были враждебными.
Один из рецензентов сказал, что выставка была работой одного шутника, который забавлялся тем, что, «макая кисти в краску, размазывал её по ярдам холста, подписывая их разными именами».
Но самый известный и долго обсуждаемый отзыв оставил Луи Леруа, который нелестно высказался о картине Моне «Восход солнца»: «Какая свобода... какая гибкость стиля! Обои на своих ранних стадиях гораздо более закончены, чем это».




Впечатление. Восходящее солнце, 1872 год. Автор: Клод Моне. \ Фото: ru.wikipedia.org.

К сожалению, публика ещё долгое время не понимала и не принимала того, что импрессионисты пробовали что-то новое; картины, которые отражали то, что они чувствовали о сцене, а не картины, которые были близки к фотографическому изображению.
Так что же на самом деле представляет собой «Sunrise» и почему он был воспринят в штыки? «Восход солнца» - это на самом деле картина с изображением порта в Гавре, родном городе Моне, на восходе солнца. Взгляд притягивают две маленькие гребные лодки на переднем плане и красное солнце с его отражением в воде. За ними виднеются дымовые трубы и мачты клиперов, придающие структуру работе. До сих пор остаётся загадкой, почему столь безобидная работа долгое время поддавалась жёсткой критике и насмешке. В итоге, несмотря на нелестные отзывы, в 1985 году эта картина была украдена пятью бандитами в масках и не возвращалась в течение пяти лет (будучи спрятанной в маленькой корсиканской вилле). На сегодняшний день «Sunrise» находится в парижском Музее Мармоттан-Моне, небольшом музее, где выставлено более трёхсот работ великого художника-импрессиониста.




Клод Моне «Мадам Моне с ребёнком в саду художника в Аржантее». \ Фото: yandex.com.


3. Эдгар Дега, Танцевальный класс



Эдгар Дега. \ Фото: tumblr.com.

Эдгар Дега, сын богатого банкира, был сложным человеком. Отец Дега (в отличие от отца Мане) не возражал против художественных амбиций своего сына. Но Дега начинал как классический художник, копируя картины старых мастеров в Лувре и в Италии, Голландии и Испании. И лишь в начале 1870-х годах он обратил своё внимание на импрессионизм.
Эдгар выставлялся на ряде из восьми импрессионистских выставок, проходивших в 1874 году и после него. Действительно, он сыграл ключевую роль в их организации. Но его участие всегда было спорным: он был требовательным, резким и не любил, когда его называли импрессионистом.
Дега был труден и в других отношениях. Время от времени он принимал приглашения на обед, но только в том случае, если соблюдался длинный список условий: не готовить на масле, не ставить цветы на стол, не пахнуть духами, не держать домашних животных в комнате, обед должен был быть подан ровно в 7:30, а свет должен быть приглушён.
Художник отказывался писать картины на улице и действительно не очень любил пейзажи. Именно это делало оперный театр и его балетные практики идеальными.




Танцевальный класс, Эдгар Дега. \ Фото: ilcentro.it.

Серия «Танцевальных классов» Дега ставит галочки во всех импрессионистских работах: это современные сцены, где используют яркие цвета, даря зрителю ощущение движения. Ко всему прочему, они также, как и личность Эдгара, лишены всякой сентиментальности.
Интересным является тот момент, что на картинах запечатлены не дети богатой элиты. Изображённые танцовщицы - это отпрыски бедняков и парижских полусветов, стремящихся заработать себе на жизнь. Они тренировались в течение долгих часов под суровой опекой знаменитого и властного мастера танцев Жюля Перро, который часто изображался в позе стоя, опираясь на большую палку.




Серия работ Танцевальный класс, 1873 год. \ Фото: mfah.org.

Главным мотивом Дега в живописи балетных артистов были финансы, ведь такого плана картины хорошо продавались. А к 1870-м годам художник нуждался в деньгах, потому что его брат основал семейный бизнес. Версии «Танцевального класса» Дега можно найти в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и в парижском музее Орсе.

4. Клод Моне, Вокзал Сен-Лазар



Вокзал Сен-Лазар: прибытие поезда, 1877 год.

В 1877 году у Моне появилась очень хорошая идея - он решил нарисовать туман. Но ему не хотелось ждать подходящий момент и погоду. Тогда ему пришла в голову ещё одна очень хорошая идея: нарисовать пар и дым железнодорожной станции. Но это тоже было немного сложно: ему нужно было получить доступ на платформу, и ему пришлось бы бороться с приходящими и уходящими поездами. В итоге, художник отправился на вокзал к начальнику станции и как позже объяснил Ренуар, выглядело это примерно так:
«Он (Моне) надел свою лучшую одежду, поправил кружевные манжеты и, лениво помахивая золотой тростью, вручил директору Западных железных дорог свою визитную карточку. Чиновник замер и тотчас же пригласил его войти. Высокопоставленная особа пригласила своего посетителя присесть, и тот представился просто со словами: «Я художник Клод Моне».




Клод Моне - Вокзал Сен-Лазар, Западный регион, Товарные сараи, 1877 год.

Моне сказал начальнику станции, что он взвешивал конкурирующие достоинства Северного и Сен-Лазарского вокзалов, сделав свой выбор в пользу Сен-Лазар.
Со своей стороны, начальник станции мало что знал об искусстве и поэтому не осмеливался оспаривать верительные грамоты Моне. И, думая, что он получил преимущество над Северным вокзалом, он дал Моне всё, что тот хотел: платформы были закрыты, поезда были полны угля, отправления задерживались.
После нескольких дней занятий живописью Моне ушёл с полудюжиной холстов. А дальше…
это был колоссальный успех: зритель почти физически ощущает тепло, шум и запах станции. Как заметил один рецензент, картины воссоздают впечатление, производимое на путешественников шумом подъезжающих и отъезжающих поездов.




Клод Моне, 1877 год, Сен-Лазар, Музей Мармоттана Моне.

Даже Альберт Вольф, один из самых консервативных комментаторов того времени, сделал комплимент в обратном направлении: картина вызвала «неприятное впечатление от нескольких паровозов, свистящих одновременно».
Серия картин «Вокзал Сен-Лазар» имела и более практический эффект. Поль Дюран-Рюэль, самый надёжный галерист импрессионистов, купил этот лот у Моне и передал небольшие суммы остальным членам группы. Всего Моне написал двенадцать картин «Вокзал Сен-Лазар», которые находятся по всему миру, в том числе в лондонском и парижском музеях.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/280320/45836/

Какие секреты хранил автор самой дорогой картины в мире: Малоизвестные факты о Поле Сезанне




Постимпрессионистский французский художник Поль Сезанн известен своим невероятно разнообразным стилем живописи, который сильно повлиял на абстрактное искусство XX века. Сезанн повсеместно признан отцом современного искусства и почитается как предок фовизма и предшественник стиля кубизма.
Работы французского художника-постимпрессиониста Поля Сезанна сформировали мост между импрессионизмом конца XIX века и кубизмом начала XX века. Его мастерство написания, тона, композиции и цвета очень характерно и узнаваемо во всем мире.




№ 1 В отличие от своих современников, Сезанн был богат
Отец Поля Сезанна был соучредителем банковской фирмы, что позволило ему оставить значительное наследство своему сыну. Это сделало Сезанна финансово защищенным - привилегия, которая была недоступна большинству его коллег. Отец Сезанна хотел, чтобы сын стал адвокатом. Он даже посещал юридическую школу в Университете Экс с 1858 по 1861 год, но параллельно с этим обучался живописи. В 1861 году он покинул университет, чтобы следовать своей мечте и стать профессиональным художником. Его отец уступил его решению, и Сезанн впоследствии получил наследство в 400 000 франков.



Отец художника, 1866, Национальная галерея искусств, Вашингтон, D.C.

№ 2 Знаменитый писатель Эмиль Золя был близким другом Сезанна
Кто такой Эмиль Золя? Эмиль Эдуард Шарль Антуан Золя был французским романистом, драматургом, журналистом и самым известным практиком литературной школы натурализма. Сезанна и Золя сближало увлечение литературой. Они восхищались романтизмом Виктора Гюго, Альфонса Ламартина, Альфреда Мюссе. Они много говорили о своём будущем, внушая друг другу решимость посвятить свою жизнь искусству. В течение большей части своей карьеры Золя положительно прославлял художественные работы Сезанна. Дружба Сезанна с Золя продолжалась много лет, но в 1888 году Золя решил использовать образ своего друга для основы своего романа L'Ouvre о трагическом художнике Клоде Лантье. Для Сезанна этот поступок был нарушением приличий и договоренностей. Дружба, начатая еще в детстве, отчасти была разрушена.



Сезанн и Золя

№ 3 Сезанн был учеником декана импрессионистов - Писарро
В Париже Сезанн стал учеником Камиля Писсарро, которого часто называют «деканом художников-импрессионистов». Камиль Писсарро был датско-французским художником-импрессионистом и неоимпрессионистом, родившимся на острове Сент-Томас. Величие Камиля Писарро - во внушительном вкладе в импрессионизм и постимпрессионизм. По словам Сезанна: «Писсарро был для меня отцом. Человеком, с которым можно посоветоваться. Человеком, немного похожим на самого Господа». Позже Сезанн и Писарро стали работать вместе и отношения между ними стали более равными.

№ 4 Сезанн считается творцом современного экспрессионизма
С 1861 по 1870 год работы Сезанна характеризуются более темной палитрой и интенсивным использованием черного. Этот период его работы называют «темным». Также в эти годы Сезанн часто использовал мастихин в своих работах («Женская одежда» (1867), «Изнасилование» (1867) и «Убийство» (1867–68)).

№ 5 Его первый ребенок родился вне брака
С 1870 по 1878 год Сезанн под влиянием Писсарро отказался от темных цветов, и его полотна стали более яркими ярче. Этот период называется этапом импрессионизма. Некоторые из его работ того периода, которые сейчас считаются выдающимися, в то время были осмеяны коллегами. Но вот кто никогда не высмеивал художника, а, напротив, поддерживал его, так это Писарро. Яркая палитра в творчестве сопровождалась столь же яркими жизненными событиями: у Сезанна родился сын от любимой женщины Марии-Гортензии Фике. Кстати, опасаясь осуждения своего отца, а также из страха потерять наследство, Сезанн скрыл от него новость о рождении сына вне брака. Тот узнал о внуке лишь через 6 лет, но наследства так и не лишил. Впоследствии художник все же женился на Гортензии.




Портрет Мадам Сезанн, Гортензия Фике

№ 6 Сезанн часто терпел насмешки и отказы
Художник представлял картины в Парижском салоне каждый год с 1864 по 1882 годы. Однако, получал насмешки со стороны критиков. Сезанн выставлял свои работы восемь раз вместе с импрессионистами - и все это время получал отказы! Впоследствии Сезанн принимает решение не выставлять свои работы на публике в течение двадцати лет. И только в 1904 году, за два года до смерти художника, в парижском осеннем Салоне целый зал был отведен для демонстрации картин Сезанна. Эта выставка стала первым действительным успехом, более того — триумфом художника.

№ 7 Сезанн был медленным художником
Сезанн медленно писал картины, полагая, что ему нужно по-настоящему и с особой тщательностью наблюдать и понимать свой предмет, прежде чем сможет запечатлеть этот предмет с помощью кисти. Например, портрет мог занять у Сезанна более 100 рабочих сессий. Однажды Амбруаз Воллар сменил позу в то время, как Сезанн писал его портрет. Художник тут же вскочил со словами: «Несчастный! Вы испортили позу! Я же говорил вам в самом деле, что вы должны держатся, как яблоко! Разве яблоко делает движения?».

№ 8 Преданность Сезанна своей работе стоила ему жизни
Сильная самоотдача Сезанна живописи в итоге стоила ему жизни. Однажды Сезанн попал в шторм во время работы в поле. Но жестокие погодные условия не стали для него препятствием: он продолжал работать еще в течение двух часов, прежде чем решил пойти домой. По пути домой художник потерял сознание, его привели домой и он больше не мог встать с постели. Через несколько дней Сезанн умер от воспаления легких. Художник был похоронен на старом кладбище в своем любимом родном городе Экс-ан-Прованс.




№ 9 Пикассо и Матисс называли Сезанна отцом всех художников
Сезанн хотел представить реальную жизнь в простых формах. Его картины – это застывшие геометрические фигуры. Даже пейзажи, даже портреты у него строго геометричны. Он исследовал оптические явления, чтобы дать зрителю эстетическое ощущение глубины. Изучение Сезанном геометрических упрощений и оптических явлений вдохновило многих художников 20-го века на эксперименты с упрощениями и сложными множественными видами. «Он был отцом каждого из нас» сказали Матисс или Пикассо.



Работы Сезанна

№ 10 Поль Сезанн создал один из самых дорогих работ в истории живописи
«Игроки в карты» — серия из пяти картин французского художника Поля Сезанна, написанных им в период 1890—1895 годов. Картины отличаются между собой по количеству изображенных игроков и размеру. Одна из картин является вторым самым дорогим произведением искусства из когда-либо проданных на тот момент. В 2011 году семья эмира Катара согласилась купить картину у частного коллекционера за 250 миллионов долларов. На картине изображены провансальские крестьяне, увлеченные игрой в карты и курением трубок. В качестве героей художник использовал местных рабочих, которые работали и в имении семьи Сезанн.



«Игроки в карты», 1892—1893, собрание эмира Катара

Любопытные факты об основателе Троице-Сергиевой лавры на картине, проданной за 4 миллиона дол: «Видение отроку Варфоломею» Нестерова



Для Михаила Нестерова его картина «Видение отроку Варфоломею» всю жизнь оставалась самой значимой. Это первая и самая известная работа в его серии о Сергии Радонежском, средневековом русском святом, основателе и игумене Троице-Сергиевой лавры. Картина считается дебютной в направлении русского символистского движения.

«Видение отроку Варфоломею» - картина русского художника Михаила Нестерова (1862-1942), художника из далёкой Уфы. Он родился в интеллигентной купеческой семье с религиозно-патриархальным укладом. Мать, Мария Михайловна, отличалась властным характером и происходила из старинного купеческого рода Ростовцевых. Отец, Василий Иванович Нестеров, человек прямолинейный и независимый, очень уважаемый в своём городе, занимался торговлей мануфактурными товарами. От семьи, от добротного уклада всей уфимской жизни в нем сохранилась закваска на всю жизнь. Он всегда отстранял все чуждое по духу, по устремлениям и в творчестве, и в жизни. Никогда он не впускал в себя и то, что сам называл «смертоносной бациллой русского интеллигента», — скептицизм.

Михаил Нестеров ворвался в художественную жизнь России смело и стремительно, а эта работа про Варфоломея стала кульминационной в зарождающемся русском символизме. Русский символизм был художественным движением, преобладающим в конце XIX и начале XX века.





История создания

Эта самая значительная и известная работа Михаила Нестерова написана по сюжету, взятому из «Жития преподобного Сергия». Варфоломей был умным мальчиком. Однако ему было очень трудно научиться читать. На картине описан тот самый день, когда отец послал мальчика искать потерянного жеребенка. По пути он встретил монаха, который стоял под дубом и благочестиво молился. Мальчик, увидев незнакомца, смиренно ждал окончания его молитвы. Затем монах благословил мальчика и спросил его, кого он ищет. Мальчик ответил, что он хотел бы научиться грамоте и читать Священное Писание. Духовный старейшина дал ему кусок просфоры (священного хлеба), и с того дня он научился читать. Православные христиане интерпретируют этот сюжет как ангельское посещение.

Образ Сергия Радонежского был близок художнику с самого детства и был олицетворением нравственного идеала Нестерова. Мастер придал образу Сергия в своих работах главенствующую роль в сплочении русского народа. Вместе с преподобным Серафимом Саровским он является одним из самых почитаемых святых Русской Православной Церкви. Образ Преподобного Сергия Радонежского стал символом надежды на возрождение русской духовности. Религиозные философы считали Троице-Сергиевый монастырь центром русской духовности.




Троице-Сергиева лавра
Художник делал зарисовки пейзажей в 1899 году в окрестностях Троицкой Сергиевой Лавры, поселившись в селе Комяково близ Абрамцево и Радонежа. Абрамцево стало одним из любимых мест Михаила Нестерова. Создавая образ чудесного видения, художник стремился передать как можно больше исторической достоверности. Вдалеке изображена деревянная церковь, два голубых купола которой похожи на васильки, растущие на зеленом лугу. Позади маленькая деревня, а за деревней - огромное пространство. Густые леса окружают, обрамляют сцену картины. Учитывая, что поля уже желтеют, вполне вероятно, что это ранняя осень.


Презентация картины
Картина, которая вызвала самые противоречивые мнения, стала буквально сенсацией на XVIII выставке Передвижников. Как вспоминал сам художник – «судили картину страшным судом». Главные нападки доносились со стороны Стасова, Мясоедова, Суворина и др. Безусловно, были и те, кто благодарил Нестерова за работу. Свою признательность выражали за «Варфоломея» Левитан и Суриков, Васнецов, Толстой и Горький. Произведение одним махом опрокинуло рационалистические устои, которые с таким трудом укореняли передвижники. Что за мистицизм, что за нимб над головой? Стасов даже потратил немало сил, чтобы отговорить Третьякова от покупки «случайного на выставке» полотна. Но Павел Михайлович Третьяков все же приобретает «Варфоломея», вопреки советам некоторых критиков той поры.







Герой или героиня?
Молодого героя Нестеров писал с натуры. И, как ни странно, прототипом Варфоломея в отрочестве стала... девочка. Однажды в Абрамцевских окрестностях он встретил ее, больную чахоткой. Его очень поразил какой-то небесный взгляд девочки, тоненькое, болезненное личико, яркие глаза. Это была 9-летняя девочка из села Комякино. Когда художник впервые увидел ее, с короткими волосами, с большими глубокими голубыми глазами, он сразу понял, что она и станет лицом героя его мальчика Варфоломея. Отрок смотрит на игумена с восхищением и огромным любопытством (зритель даже чувствует зарождение чуда в его душе).

Его светлые волосы гармонично сочетаются с оттенками деревьев и полей. Особенно знаменателен молитвенный жест, в который сложил свои тонкие мягкие ручки главный герой. Его спина и колени слегка согнуты, он, похоже, намерен преклониться перед святым. Герой одет в простую крестьянскую одежду (рубаху и штанишки). Перед ним стоит таинственная и загадочная фигура старца - монаха. Мантия скрывает его лицо и голову, но зритель может заметить части седой бороды. Вокруг головы старца - подсвеченный нимб. В руках старик держит шкатулку с просфорой, на нем нарисован крест. Одет мудрец в черную мантию с красными крестами.




Фрагменты

Продолжение картины
Спустя много лет Михаил Нестеров написал продолжение своей самой известной картины. За более чем 50 лет творческой работы Нестеров создал 15 произведений, посвящённых его излюбленному герою: «Юность преподобного Сергия», триптих «Труды преподобного Сергия», «Преподобный Сергий» и «Прощание преподобного Сергия с князем Дмитрием Донским». Более поздняя версия «Варфоломея», датированная 1922 годом, была продана на Sotheby's в 2007 году за 4,3 миллиона долларов.




Нестеров Михаил

Подводя итог всей своей творческой жизни, Михаил Васильевич не раз говорил: «Кому ничего не скажет «Варфоломей», тому не нужен и весь Нестеров».
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/290320/45919/

Что нужно знать культурному человеку про 10 самых знаменитых картин Рафаэля




Рафаэль Санти считался одним из величайших художников эпохи Возрождения, находясь на одном уровне с такими гигантами, как Микеланджело и Леонардо Да Винчи. Он мастерски придавал реалистичности своим картинам, оперировал светлыми и темными красками и несколькими стилями живописи. Сегодня его картины и по сей день вызывают трепет и восторг, а потому мы предлагаем познакомиться с десяткой самых известных работ этого талантливого итальянца.


1. Обручение Девы Марии



Обручение Девы Марии. Справа: картина Рафаэля. Слева - Пьетро Перуджино. \ Фото: google.com.

Эта картина была создана в 1504 году. Рафаэль вдохновился величайшим художником умбрийской школы, которого он мог назвать своим учителем, а именно – Пьетро Перуджино, что за год до этого создал точно такой же рисунок. На картине изображен процесс бракосочетания, где Иосиф протягивает кольцо своей суженной Марии. Если сравнивать эти две картины, то можно с легкостью увидеть, как ученик превосходит своего учителя. Искусствоведы мира соглашаются, что версия Рафаэля куда более глубокая, красочная, а также построена на правилах линейной перспективы. В своей картине Рафаэль бросил вызов своим современникам, начав создавать более реалистичные образы людей, что не просто стоят на одной линии, но и ощущаются, как единое целое.


2. Святой Георгий и дракон



Святой Георгий и дракон. Автор: Рафаэль. \ Фото: arts.in.ua.

Эта картину Рафаэль пишет в 1506 году, и в ней явно ощущается влияние таких творцов, как Да Винчи и Босх, что вдохновили художника на создание ещё одного шедевра военной живописи. Так, комплекс картин Рафаэля на тему битвы с драконом, где главными героями являются Георгий и Михаил, объединены общей идей и даже стилистикой. На этом же полотне Рафаэль изображает известную легенду о том, как Святой Георгий победил дракона, и его работа считается самой известной на эту тематику, которая сочетает в себе влияние умбрийской и флорентийской школы. В своё время она выставлялась в Эрмитаже в России, где вызывала бурный ажиотаж прежде, чем попала в Национальную художественную галерею в городе Вашингтон.


3. Портреты Аньоло Дони и Маддалены Строцци



Портреты Аньоло Дони и Маддалены Строцци. Автор: Рафаэль. \ Фото: pinterest.com.

В 1506 году Рафаэль создает ещё два своих шедевра в жанре портретной живописи. Будучи легким на общение и весьма очаровательным молодым человеком с безупречными манерами, он с легкостью входит в высший свет, где знакомится со многими известными личностями, богатыми представителями власти и находит своих покровителей. В это же время он завязывает тесное знакомство с Аньоло Дони, богатым торговцем тканями, который планировал свадьбу на девушке по имени Маддалена Строцци, и в честь этого решил заказать у Рафаэля двойной портрет. Столь щедрое предложение побудило художника с особой внимательностью подойти к этим портретам. Так, на первый взгляд кажется, что на них изображены самые обычные люди, которые одеты в простые одежды. Однако именно эта простота вынуждает замечать детали: мягкость и одновременно строгость выражения лица Дони, а также власть и чуткость молодой невесты Маддалены, что очень точно передана через мелкие детали в виде украшений.


4. Святая Екатерина Александрийская



Портрет Святой Екатерины Александрийской. Автор: Рафаэль. \ Фото: steemkr.com.

В 1508 году Рафаэль пишет эту картину, вероятно, перед своим отъездом в Рим. Считается, что она была создана не для выставки, а для личного пользования самого художника. На этом полотне заметно не столько влияние его учителя Перуджино, сколько наследование техники Да Винчи. Особенно это заметно в позе, которую принимает Екатерина, а также в плавных изгибах её тела. Это позволило Рафаэлю передать движение и грацию, даже несмотря на то, что девушка замерла без движения. Также художник намеренно изобразил её смотрящей в небо, где проступают золотистые лучи сквозь облака. Искусствоведы называют эту картину идеальным отображением мученичества, поскольку сама Екатерина опирается на колесо с острыми гранями, однако при этом лик её обращен к богу. Сегодня же картина выставляется в Национальной галерее Лондона.


5. Афинская школа



Афинская школа, фреска. Автор: Рафаэль. \ Фото: reddit.com.

На протяжении 1508-1510 годов Рафаэль занимается созданием своих величайших творений – Станц (фресок). Так, в 1508 году он прибывает в Рим по особому приглашению Папы Юлия II, что, будучи наслышанным о безмерном таланте юного художника, предлагает ему сотрудничество. Так, Рафаэлю поручают нарисовать одну из фресок в комнате самого Папы. Талантливый художник так виртуозно справился со своей работой, что Юлий II, впечатлившись этим, прогнал остальных творцов, включая учителя Рафаэля, поручив тому самостоятельно заниматься станцами. Самой знаменитой фреской этого периода как раз считается «Афинская школа», которая находится у собрания книг по философии. Она является собирательным образом всех великих умов, философов и мудрецов на одном полотне, где можно отыскать Платона и Архимеда, Сократа, Пифагора, Гераклита и других выдающихся личностей. А если присмотреться поближе, то можно заметить на фреске самого Рафаэля, Да Винчи и даже Микеланджело.



6. Диспута



Диспута, фреска. Автор: Рафаэль. \ Фото: theculturetrip.com.

Эта фреска, созданная в 1510 году, считается наиболее знаковым произведением искусства эпохи Возрождения во всём Риме. Так, фрески Рафаэля, которые он пишет для Апостольского дворца, ничуть не уступают творениям Микеланджело для Сикстинской капеллы. Она была нарисована в так называемой «Комнате подписи» и входит в перечень станц, созданных Рафаэлем. В верхней области изображено небо, где можно увидеть главные религиозные фигуры – Христа, Деву Марию, а также Моисея и даже Адама. Чуть ниже, в центральной части фрески, изображены епископы и другие святые люди, священники, а также простые верующие, которые ведут диспут на какую-то тему. А если присмотреться, то справа можно заметить самого Данте Алигьери.


7. Сикстинская мадонна



Сикстинская мадонна. Автор: Рафаэль. \ Фото: medium.com.

Эта картина, написанная в период с 1513 по 1514 года, считается вершиной творчества Рафаэля. Она изображает деву Марию, которая спускается к людям, держа на руках малыша Иисуса. Её лицо выражает одновременно нежность и некоторую толику тревоги. Рядом с ней – святой Сикст, а также святая Варвара, которые склонились в почтительном и слегка смиренном жесте. Кроме того, в нижней части картины можно увидеть двух херувимов, что считаются самыми известными ангельскими персонажами за всю историю живописи. Смиренность других персонажей на картине, а также тяжелый занавес сверху – отличный художественный прием, который был использован Рафаэлем для того, чтобы приковать внимание зрителей к Мадонне. Интересно, что в Германии эта картина признана по-настоящему божественной и считается самой невероятной в истории искусства.


8. Донна Велата



Донна Велата или Дама с вуалью. Автор: Рафаэль. \ Фото: gramho.com.

В 1515 году, на самом пике своего творчества, Рафаэль пишет портрет, который также известен, как «Дама с вуалью». На нём он изобразил Маргариту Лути – дочь булочника, в которую он, если верить преданиям, был страстно влюблён. И эту влюбленность он выплеснул в своём творчестве, изображая её в самых нежных, воздушных и легких красках, которые только можно отыскать. Вскоре Рафаэль и Маргарита сочетались браком, и он стал называть свою любимую «форнарина», что в переводе означает «булочка». На портрете она изображена с покрытой головой, что обозначает замужнюю женщину. Её поза и лицо передают спокойствие, изящность и грацию, а нежное, персиковое лицо и глубокие глаза буквально светятся счастьем. А особое внимание к предметам одежды дает возможность почувствовать максимальную реалистичность этого полотна.


9. Портрет Бальдассаре Кастильоне



Портрет Бальдассаре Кастильоне. Автор: Рафаэль. \ Фото: abc-people.com.

В период с 1514-1515 годы Рафаэль занимается тем, что пишет портрет своего друга – мецената Кастильоне. Бальдассаре был известным философом, поэтом и даже дипломатом, считался самым образованным человеком своего времени. Впрочем, он был известен и как мягкий по характеру человек, что художнику удалось передать, используя аккуратные, плавные линии и краски. Рафаэль облачает Кастильоне в скромные, простые одежды, а также рисует тронутое старостью и зрелостью лицо мужчины, что выражает спокойствие и уверенность. Как позже заметят искусствоведы, этот портрет стал собирательным образом того, как должна была выглядеть портретная живопись в эпоху Ренессанса, а также он вдохновил таких великих художников, как Матисс, Рембрандт и Тициан.


10. Преображение



Преображение. Автор: Рафаэль. \ Фото: wikioo.org.

Эта картина, созданная в 1516-1520 годах, считается последней, что вышла из-под пера Рафаэля. Она создавалась специально для Нарбоннского собора по заказу кардинала Джулио Медичи. Однако эту работу Рафаэль так и не смог завершить, скоропостижно скончавшись от неизвестной болезни, а за кисточку и её продолжение взялся Джулио Романо. На картине изображен религиозный момент, когда Иисус решает открыть своим ученикам свою настоящую сущность. Полотно делится на две основные части: сверху, в божественном свету, изображен сам Христос, а внизу его ученики безуспешно пытаются изгнать Дьявола из маленького мальчика. Контраст света и тьмы, вероятно, подразумевает разделение на божественное и людское. И, что характерно, верхнюю часть писал сам Рафаэль, а нижнюю – Романо, что очень сильно бросается в глаза.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/290320/45834/

В итальянском монастыре обнаружили самый древний меч в мире: Что известно о происхождении бесценного артефакта



Археологи и историки умеют идентифицировать древности, которые обнаруживают при раскопках по всему миру. Но даже самые опытные из них — всего лишь люди, а людям свойственно совершать ошибки. Иногда для того, чтобы обнаружить подобную ошибку, нужен всего лишь свежий взгляд молодого, проницательного эксперта, пусть и не такого опытного. И это то, что случилось недавно в Венеции. Аспирантка Университета Ка' Фоскари (Università Ca' Foscari Venezia) случайно заметила в музее бесценный древний артефакт, ошибочно отнесённый специалистами к эпохе Средневековья. Что это за предмет и какова его подлинная история?

Виттория Далл'Армеллина (Vittoria Dall’Armellina) является экспертом по артефактам бронзового века. Она путешествовала по бывшему монастырю, который служит сейчас музеем на острове Святого Лазаря в Венецианской лагуне. Виттория рассматривала в стеклянной витрине выставленный там «средневековый» меч.




Остров Святого Лазаря и монастырь.

Пристально вглядевшись в него она заметила кое-что странное и необычное для себя. В конце концов, Далл'Армеллина пришла к выводу, что оружие ошибочно отнесли к столь позднему периоду. После проведения тщательного анализа, эксперты были ошеломлены: мечу оказалось около пяти тысяч лет! Это, возможно, самое древнее из подобных видов оружия, когда-либо обнаруженных в мире.

Меч был найден в древнегреческом поселении Требизонд, в районе, который сейчас находится в современной восточной Турции. Его историки отнесли к временам Средневековья и в этой коллекции оружие хранилось до того дня, как его заметила Виттория.




Монастырь, где обнаружен клинок, сейчас является музеем.

Для Далл'Армеллины, относительного новичка в области археологии, ведь она всё ещё учится в аспирантуре — это открытие, без сомнения, значит укрепление её профессиональной репутации. Сама она говорит, что была уверена в древнем возрасте меча практически на сто процентов.

Хотя само открытие было сделано ею ещё в 2017 году, понадобилось много времени для проведения разнообразных экспертиз для точного подтверждения возраста меча. В это время Виттория и её коллеги полностью погрузились в изучение архивов монастыря и другие исследовательские материалы, чтобы узнать всё об истории древнего артефакта.




Рассматривая меч в музее, аспирантка Университета Ка' Фоскари решила, что возраст артефакта намного больше заявленного.

Оружие было найдено около 150 лет назад и подарено одному монаху. После его смерти в 1901 году все его вещи достались монастырю. Этот меч мог быть и наступательным оружием, которое использовали в бою, и церемониальным предметом. Его лезвие весьма похоже на те мечи, которые учёные обнаружили в Королевском дворце Арслантепе, что на территории восточной Турции.

Такое оружие исследовали относят обычно к 3-4 тысячелетию до нашей эры. Единственное, что отличает этот клинок от тех — это отсутствие украшений и каких-либо надписей. Состав же меча — это комбинация мышьяка и меди. Подобный металлический состав говорит о том, что кинжал относится к концу четвёртого или началу третьего тысячелетия до нашей эры.





Меч был подвергнут тщательному анализу и дополнительным исследованиям.

Аспирантка и её коллеги считают, что это один из первых мечей в своём роде, что увеличивает его археологическое и историческое значение. Однако сам клинок настолько древний, что экспертам весьма сложно определить, каким же всё-таки образом это оружие в своё время использовали.




Древние мечи.

Учёные могут только предполагать кому на самом деле принадлежал меч. Археолог из университета считает, что есть основания предполагать, что хозяин меча — местный полководец. Они были похоронены с большим количеством оружия и других драгоценных предметов. Это делалось, чтобы подтвердить особый статус воина. Для определения точности этих гипотез, сейчас проводятся дополнительные исследования.




Виттория Далл'Армеллина.

По иронии судьбы, это второй раз за последние годы, когда студент обнаруживает нечто, имеющее столь огромное значение в археологических кругах. Всего несколько недель назад в Германии, стажёр Нико Калман (Nico Calman) из отдела по сохранению и уходу за полевыми памятниками, наткнулся на некий клинок с ножнами.




Клинок очень похож на оружие, найденное в Королевском дворце Арслантепе.

Калман обнаружил артефакт во время раскопок местной археологической памятки. Клинок относится к тому периоду, когда римские солдаты безуспешно пытались вторгнуться на территорию немецких племён и завоевать их. Кинжалу около 2000 лет, и он был полностью отреставрирован. Причём реставрация прошла настолько успешно, что кинжал выглядит почти новым.
Можно с уверенностью сказать, что это следующее поколение археологов, таких как Калман и Далл'Армеллина, которые принесут в мировую сокровищницу древностей много потрясающих открытий и бесценных исторических артефактов. Ведь независимо от того, насколько опытно и компетентно одно поколение, наступает время, когда они должны уступить место новым людям, молодым голосам и свежим взглядам.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/290320/45932/