Метрополитен-музей планирует открыться в конце августа

Ожидается, что его примеру последуют и другие нью-йоркские музеи, но все зависит от того, когда город перейдет к четвертому этапу снятия карантина


Главное здание Метрополитен-музея на Пятой авеню. Фото: The Metropolitan Museum of Art, New York

Главное здание Метрополитен-музея на Пятой авеню планируют открыть после пятимесячного перерыва 29 августа и представить две новые выставки, которые пришлось отложить из-за вспышки коронавируса в середине марта.

Точная дата открытия филиала Метрополитен-Клойстерс в районе Вашингтон-Хайтс еще не определена, однако музей рассчитывает, что это произойдет в сентябре. А вот филиал Метрополитен-Бройер на Мэдисон-авеню больше не откроется. Музей в любом случае планировал в июле покинуть эту площадку, принадлежащую Музею американского искусства Уитни. Здесь временно расположится Коллекция Фрика на время реконструкции ее основного здания.

Учитывая авторитетность Метрополитена, можно ожидать, что его примеру последуют и другие нью-йоркские институции. Однако все эти планы напрямую зависят от того, когда Нью-Йорк перейдет к четвертому этапу постепенного снятия карантина, предполагающему возвращение к работе культурных институций, кинотеатров, спортзалов и парков развлечений. Вторая фаза началась 22 июня: открылись офисы, заработали летние веранды ресторанов и розничные магазины, начали принимать посетителей парикмахерские и агентства недвижимости.

Джейкоб Лоуренс. «№ 10. Вашингтон пересекает Делавэр». Из серии «Борьба». 1954–1956. Фото: The Jacob and Gwendolyn Lawrence Foundation, Seattle/Artists Rights Society (ARS), New York; The Metropolitan Museum of Art, via PEM

Площадка на Пятой авеню откроется юбилейной выставкой «Создавая Met. 1870–2020», приуроченной к 150-летию музея. На ней покажут более 250 произведений, связанных с ключевыми моментами его истории. В тот же день, 29 августа, откроется экспозиция «Джейкоб Лоуренс. Американская борьба», где будет представлено 30 панелей, которые художник написал в 1950-е годы для серии, посвященной драматическим эпизодам в истории страны. Обе выставки пришлось перенести на более поздний срок, поскольку музей закрылся на карантин.

После возвращения к работе Метрополитен также собирается представить новую работу художника Эктора Саморы, созданную по специальному заказу для сада на крыше музея и предлагающую переосмыслить «барьеры и проницаемость социального пространства».

Ювелирное искусство




Ювелирное искусство. Дороманская эпоха. Византия
Ювелирное искусство эпохи Возрождения
ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО.БАРОККО
ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО.КЛАССИЦИЗМ
ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО. АМПИР
ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО. ИСТОРИЗМ
Ювелирное искусство древнего Египта
Венцы и Короны Правителей Руси
Биография драгоценных камней короны Британской империи
Entry Ювелирное искусство Древней Греции
К 400-летию Дома Романовых. Сокровища дома Романовых. В тени трона.
КАРЛ ФАБЕРЖЕ: “ЧТО ПРОКУ В БРИЛЛИАНТАХ?”
Ювелирные изделия Фаберже (часть 1)
Ювелирные изделия Карла Фаберже. Часть 2 (пасхальные яйца)
Иконы. Великолепные работы Фаберже
ВЕЛИКОЛЕПНЫЕ РАБОТЫ ФАБЕРЖЕ
Растения и животные из камня - шедевры Фаберже
КАРЛ ФАБЕРЖЕ|С АУКЦИОННОРУССКОГО
Соперник Фаберже - Иосиф Маршак
Ювелирное искусство исламского Востока
Антикварное ювелирное искусство! Броши!
Отображение греха в различных формах украшений...
Сосуды и браслет из электра и серебра. Иран. Лувр
Загадочная и прекрасная Индия | Ювелирное искусство
Рене Лалик (Rene Lalique). Ювелирное искусство
Старинные драгоценности: булавки-бабочки. Ювелирное искусство
Украшения из кораллов. Ювелирное искусство
Волшебный камень малахит - кого хочешь удивит
Гранат . Дар Любви. Часть 1
Гранат. Дар Любви. Часть 2
Гранат. Дар Любви. Часть 3
Гранат. Дар Любви. Часть 4
Самое дорогое в мире ожерелье. Ювелирное искусство
Ювелирное искусство резьбы по монетам
10 Самых Известных Алмазов и Бриллиантов
Ювелир Екатерина Кострыгина. Ювелирное искусство
Камеи Петра Зальцмана
Изделия с бриллиантами Diamond Jewel
Victoire de Castellane. Ювелирное искусство
Jay Strongwater|Ювелирное
АНТИКВАРНАЯ РОСКОШЬ
Mona и Alex Szabados: украшения с ювелирной эмалью
ДРАГОЦЕННЫЕ КАМНИ
ШЕДЕВРЫ ЮВЕЛИРНОГО ИСКУССТВА. РАКОВИНЫ
Великолепная филигрань
Дизайнер ювелирных изделий Inbar Shahak. Металлические кружева
Самые удивительные драгоценные камни мира
Самые редкие драгоценные камни в мире
Топ 10: Драгоценные камни, которые побили все рекорды
Эксклюзивные обручальные кольца
Бриллианты и серебряные скульптуры
Buccellati-ювелирные украшения
Провокационные ювелирные изделия от турецкого дизайнера Сельды Окутан (Selda Okutan)
УКРАШЕНИЯ С ИЗУМРУДАМИ
Особенности антикварных ювелирных изделий в стиле «ретро-шик».
Традиционные украшения на Руси
ПРИМЕРЯЯ "СТАРИННЫЕ УКРАШЕНИЯ": РОДОМ ИЗ ТОЛЕДО
ФРАНЦУЗСКИЙ АНТИКВАРИАТ
СТАРИННЫЕ СЕРЕБРЕНЫЕ ШАРМ-БРАСЛЕТЫ И ШАРМЫ. АНГЛИЯ
МАГИЯ СТАРИННЫХ УКРАШЕНИЙ
ЭСКИЗЫ К УКРАШЕНИЯМ 18-19 ВЕКА
ИСТОРИЯ ПОЯВЛЕНИЯ УКРАШЕНИЙ
СТАРИННЫЕ ЮВЕЛИРНЫЕ УКРАШЕНИЯ
Tiffany & Co. Американская ювелирная марка. Первое в мире полностью бриллиантовое кольцо
20 интересных фактов о драгоценном жемчуге
В Росси нашли алмаз весом 16,2 карата стоимостью 1.500.000$
Золотой жемчуг (23 фото)
Ювелирные украшения Selda Oketan (10 фото)
ЮВЕЛИРНОЕ ОТ АНДРЕЯ РОДИОНОВА.
Оригинальные кольца от Contura Rings ДАРЫ ВОЛХВОВ. ЧТО ЭТО?
Камень счастья - бирюза
Творения Ювелирного Дома Nardi
Броши-птички
Luis Masriera y Roses. Ювелирое искусство
Старинные украшения викторианской эпохи и эпохи ар-нуво
Янтарный медведь возрастом 3000 лет (4 фото)
СТАРИННЫЕ НЕМЕЦКИЕ И АВСТРИЙСКИЕ УКРАШЕНИЯ В СТИЛЕ МОДЕРН
Проклятый камень
ШАТЛЕН- CHATELAIN. КОРОЛЕВСКИЕ И ЦАРСКИЕ ШАТЛЕНЫ
ИЗУМРУДНОЕ ПРОКЛЯТИЕ
Старинное столовое серебро
Огромная жемчужина
10 крупнейших краж драгоценностей 21-го века
5 интересных фактов об алмазах
Тающие ювелирные украшения
Дома на кольцах
Бесценный желтый алмаз
Эльфы в ювелирных украшениях ар-нуво
Коктейльные кольца
Венская сокровищница
Необычные монеты мира
Как делают ювели
рные украшения 
Драгоценные ювелирные изделия
MARIANNE HUNTER. "KABUKI KACHINA"
Обручальное кольцо с отпечатком пальца любимого человека
Рейтинг самых удивительных драгоценных камней
Ювелирные украшения из серебра

25 дизайнерских колец 
Потрясающие украшения в винтажном стиле с настоящими растениями
ИЗУМРУД. Юлия Полянская, романс  
ДРАГОЦЕННЫЕ ЁЛОЧКИ.Ювелирные украшения.
Царские диадемы
ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО. ЛЮСЬЕН ГАЙАР
ПРЕКРАСНЫЕ УКРАШЕНИЯ КУНИО НАКАДЗИМА. 
УКРАШЕНИЯ ИЗ РЕЗНОГО КОРАЛЛА Ювелирные изделия в стиле модерн
Украшения древних АРМЯНСКИХ ЖЕНЩИН.
Старинные украшения королевских домов Европы. Ювелирное искусство 
Ювелирный шедевр в стиле Фаберже
Старинные серебреные шарм-браслеты и шармы. Англия. 
Шедевры ювелирного искусства
Шедевры ювелирного искусства. Рене Лалик
Обручальное кольцо. История появления обручального кольца
Самые красивые короны Мира
СТАРИННЫЕ ЮВЕЛИРНЫЕ УКРАШЕНИЯ
ВЕНЕЦИАНСКИЕ МАВРЫ ДЖУЛИО НАРДИ  
Астрологические серебряные браслеты c индивидуальной звездной картой владельца 
ЖЕМЧУЖНОЕ ЧУДО СВЕТА-уникальный образец шитья жемчугом 

КАМЕННАЯ РОСКОШЬ... УДИВИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО 
Говорящие броши Мадлен Олбрайт и королевы Елизаветы 
Украшения с использыванием витражной эмали 19 век 
Микромозаика в украшениях 

Самобытные украшения Axenoff Jewellery 
10 самых роскошных ювелирных брендов 
Часы «Карп кои» - шедевр японской культуры от французского Ювелирного дома 
Самые дорогие колье в мире 
Короны и тиары Британской империи 

Драгоценный инсектарий: образы насекомых в прекрасных работах ювелиров 
Корона как головной убор магической силы
Рейтинг драгоценных камней
Jay Strongwater. Павлиновое
Роскошные драгоценности 
МиниатюрноТранспортное 
НАРЯДЫ ОТ КУТЮР: ЮВЕЛИРНЫЙ ВЗГЛЯД 
Турмалин - прозрачный драгоценный камень

Вернисаж драгоценностей. "Антикварные украшения" и "Дамы высшего света"
Ювелир Иосиф Маршак
Изысканные миниатюры из камня и драгоценных металлов. Ювелирный Дом «Anna Nova»
Прекрасный жемчуг
Ювелирный Дом «Anna Nova» - это ФАБЕРЖЕ 21 века
Самые редкие и дорогие драгоценные камни
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ 
Кианит. Ярко-синий, как капелька неба 
Гармоничное сочетание элегантности и простоты: яшма в украшениях 
20 обручальных колец, на создание которых ювелиров вдохновили диснеевские принцессы 
Дизайнерские украшения Юшинобу Катаока 
ДРАГОЦЕННОСТИ "BOUCHERON" (ПАРИЖ) 
"НЕБЕСНОЕ СТЕКЛО" - МОЛДАВИТ 
Изумруды - новая коллекция
Серебряные сказки Костромы
Дамаскин — древняя техника ювелирной инкрустации 
Змея как символ в ювелирном искусстве 

ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУСCТВО. Гранат

Винтажные обручальные кольца 
Уникальные перстни с секретом, созданные по мотивам известных сказок 
7 стильных ювелирных украшений, от реалистичности которых захватывает дух 
Ювелирные украшения в TATLER Hong Kong 
ИКОНА СОВРЕМЕННОГО ЮВЕЛИРНОГО МИРА- СЕВАН БИЧАКЧИ
Украшения с использыванием витражной эмали,19 в.
Работы лучших ювелиров мира 

Ювелирное искусство Jay Strongwater. Из коллекции "Флора и фауна"
РОСКОШНЫЕ ДРАГОЦЕННОСТИ

10 малоизвестных фактов о яйцах ювелирного дома Фаберже 
Самые дорогие драгоценные камни в мире 
История драгоценной коробочки
Jay Strongwater: 20-летие творческой деятельности 
Рубин придает его обладателю силу льва, бесстрашие орла и мудрость змеи
Королевские драгоценности. Серьги Марии-Антуанетты
Жемчуг как привилегия аристократов и богачей 
10 самых дорогих бриллиантов, которые были проданы на аукционах 
Слоники на удачу...
Серебряный иней
САМЫЕ ВЕЛИКОЛЕПНЫЕ И ЗАГАДОЧНЫЕ ДРАГОЦЕННОСТИ МИРА
ЯНТАРНЫЕ МИНИАТЮРЫ ВЛАДИМИРА МАХАНЬКОВА
Обручальные кольца с чёрными бриллиантами: 5 альтернатив традиционным свадебным украшениям
7 самых подходящих камней для оригинальных свадебных колец
БРИЛЛИАНТЫ. Ювелирное искусство
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ С КОРАЛЛОМ
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ С ТУРМАЛИНАМИ
ХРАНИТ МЕНЯ В ПУТИ САПФИР
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ С РУБИНОМ
КИТАЙСКИЕ УКРАШЕНИЯ
ЗОЛОТО ИНКОВ
10 удивительных драгоценностей, которые поражают своей красотой
БРОШИ. УКРАШЕНИЯ С АУКЦИОНОВ
ЗОЛОТАЯ ПШЕНИЦА В НОВОЙ ЮВЕЛИРНОЙ КОЛЛЕКЦИИ ДОМА МОДЫ CHANEL
Проклятые драгоценности: алмаз Хоупа - один из самых известных бриллиантов в истории
10 самых редких драгоценных камней в мире, которые поражают своей красотой
Даниэль Сваровски – великий имитатор, предприимчивый мошенник или гениальный инженер?
Сияющий опал: 10 удивительных фактов о самом красивом драгоценном минерале
Часы как искусство. KERBEDANZ - Как важно быть уникальным
5 самых опасных бриллиантов в истории
Армянское ювелирное искусство
Перечень самых дорогих часов мира
Ювелирный бренд Yessayan Jewelry. Безупречноe качества и мастерствo.
ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО. БРОШИ-ЧЕЛОВЕЧКИ
ЗОЛОТЫЕ ИЗДЕЛИЯ С ИНКРУСТАЦИЕЙ ИЗ КОРАЛЛОВ О. СИЦИЛИЯ, ТРАПАНИ
10 самых дорогих часов в мире, при виде которых захватывает дух.
Самые крутые наручные часы современности
Алессио Боски – целый мир в миниатюре
«The Imperial Collection» от Bayco
Anna Hu: рожденная быть талантливой
AENEA – украшения от счастливых людей благородных кровей
Queen of Sheba от Лидия Куртель (Lydia Courteille) – 4 мистических символа Эфиопии
Что такое укиё-э? И что связывает Simone Jewels с Ван Гогом?
ТОП 10 самых дорогих украшений
 От камушка к ювелирному шедевру: самые дорогие серьги в мире
Пять самых дорогих колье в мире
Какие украшения носили в Древней Греции
Три жизни Пола Флато/Paul Flato - легендарного американского ювелира
Жереми Позье - любимый ювелир трёх императриц
Как творит свои шедевры китайский ювелир-волшебник Уоллес Чан
Бриллиантовые кружева, тыквы и драконы: Как творит фея
Самый загадочный ювелир в мире и его броши за $ 4 млн каждая: Жоэль Артур Розенталь
Как французский ювелир разгадал секреты японских мастеров: Люсьен Гайар и его костяные гребни
Взлеты и падения «короля алмазов» Trifari – любимого ювелирного бренда первой леди США
Как первый ювелир дома Dior изменила представление об украшениях: Виктуар де Кастеллан
ТАЙНА КОЛЬЦА АНГЛИЙСКОЙ КОРОЛЕВЫ
КОРАЛЛ
Стоунхендж на пальце: Дизайнер смастерил перстень и запрятал в него достопримечательность
Как ювелир Синди Чао решила попрощаться с карьерой, а стала звездой: Драгоценности, которым место в музее

20+ нескучных заметок о картинах от профессионального искусствоведа

Виктория учится в магистратуре на искусствоведа и ведет в телеграме увлекательный канал под названием «Поясни за Ренессанс». Здесь она в необычной манере рассказывает о живописных полотнах, принадлежащих перу не только мастеров эпохи Возрождения, но и современных художников.

«Ночной дозор», Рембрандт, 1642 год

© Rembrandt van Rijn / Public Domain / wikipedia

Динамичная штука, не правда ли: игра света и теней, все чем-то заняты, собакен в углу лает.
Тут помимо мушкетеров есть и девушка в светлом платье. Ее несложно заметить, она прямо в золотом сечении картины. Зачем она там нужна, до сих пор точно никто не знает. Возможно, девушка — талисман стрелков. Желтый цвет вроде как означает победу, ну и эта курица на поясе может быть отсылкой к символу мушкетеров — птичьему когтю.

На это гигантское полотно (3,63 на 4,37 м) можно посмотреть в Государственном музее Амстердама.

«Последний день Помпеи», Карл Брюллов, 1833 год

© Karl Brullov / Public Domain / wikipedia


Идея картины пришла к Брюллову после посещения раскопок. Он был так впечатлен, что зациклился на трагедии на 6 долгих лет.

А чтобы вы сами не загрустили, вот вам клевый факт. Короче, тот парень с ящиком красок на голове в левом углу картины — это сам Брюллов. Да, он нарисовал себя на своем полотне. Гениально.
Посмотреть вживую на этот мрачный замес можно в Русском музее.

«Композиция с красным, синим и желтым», Пит Мондриан, 1930 год

© Piet Mondriaan / Public Domain / wikipedia


Нездоровое желание Мондриана убрать все лишнее из картины привело к тому, что в какой-то момент осталось только 3 цвета и линии. Почему именно эти цвета, спросите вы? Тут все просто: это основные цвета в палитре. Смешав их в разных пропорциях, можно получить бесконечное количество оттенков. А славу этой картине принес показ Ива Сен-Лорана в 1965 году. Дизайнер создал 6 платьев, увидев в этой работе неподражаемый и вечный стиль.

Посмотреть можно в Москве на станции метро «Румянцево». Шутка. Нигде, это из частной коллекции.

«Поцелуй», Густав Климт, 1907–1908 годы

© Gustav Klimt / Public Domain / wikipedia


Все романтизируют эту картину, хотя она, по мнению многих культурологов, вовсе не про любовь. Надо быть внимательнее, друзья. Во-первых, вы посмотрите на руки дамы, как они напряженно отстраняют мужчину. Во-вторых, поза на коленях, в стиле подчинения. Видно, что героиня в ситуации, когда не может сказать нет. Тут либо ты отвечаешь согласием, либо... А вообще картина шикарная. Вот этот магический ореол из золота (оно настоящее, кстати), отсылки к египетским мотивам, когда все было двухмерное, — просто обалденны.

Посмотреть на сие произведение искусства можно в галерее Бельведер, Вена.


«Букет в деревянном вазоне», Ян Брейгель Старший, 1606–1607 годы

© Jan Brueghel / Public Domain / wikipedia


Просто посмотрите, какая обалденная картина. Это классический голландский цветочный натюрморт. Художник часто путешествовал, чтобы запечатлеть на полотнах редкие цветы. Еще у него была богатая покровительница (назовем это так), которая протаскивала его в королевские оранжереи, чтобы он мог писать с натуры. Букет, кстати, нереальный, потому что изображенные растения цветут в разное время в течение года. Вот поэтому Брейгель так долго и писал одну картину, это не прокрастинация.
Где посмотреть: «Старая пинакотека», Мюнхен.

«Дискобол», Мирон, V век до н. э.

© Myron of Eleutherae / Public Domain / wikipedia


Вот эту статую, наверное, не видел только ленивый неуч. Можно подумать, что это какой-то очень знаменитый спортсмен, но нет. Это обобщенный образ, лишенный всякой индивидуальности. Тогда все частное переходило на второй план, и это четко прослеживается во всем искусстве Древней Греции. Каждый скульптур искал в своих произведениях ту самую универсальную формулу.

Кстати, оригинал из бронзы, к сожалению, не сохранился, к нам дошли только римские копии из мрамора. Лучшая из них стоит во дворце Массимо в Риме.


«Сад земных наслаждений», Иероним Босх, 1500–1510 годы

© Hieronymus Bosch / Public Domain / wikipedia


Оригинальное название картины неизвестно, так ее окрестили исследователи. Мы разберем лишь маленькую часть полотна. Видите леди, купающихся в воде, а вокруг скачут мужчины? Предметы на головах дам могут показаться странными и рандомными, но я сейчас объясню. Так вот, черные птицы означают несчастье и скверный характер, а ягоды — распутство и похоть. А характер мужчины определяется тем животным, на котором он сидит. Найдя свою вторую половинку, мужчины и женщины разбредаются по саду, чтобы наслаждаться райской, распутной жизнью вдвоем. Как говорится, каждой твари по паре.

Работа висит в мадридском музее Прадо.

«Обнаженная, сидящая на диване», Амедео Модильяни, 1917 год

© Amedeo Modigliani / Public Domain / wikipedia


Тут будет грустная история. На картине изображена возлюбленная художника — Жанна. Они встретились как раз в 1917 году. Модильяни был совсем от нее без ума и писал ее как минимум 25 раз. Так получилось, что им не суждено было долго прожить вместе. В 1920-м он умер от туберкулеза, а на следующий день она покончила с собой.

Спустя много лет картину продали очень задорого (реально дорого), сейчас она в частной коллекции.

«Успение Богоматери», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1605–1606 годы

© Caravaggio / Public Domain / wikipedia


Все весьма удивились, когда впервые увидели эту работу. Хотя Библия ничего не рассказывает о смерти Девы Марии, все равно данный сюжет писался по особым иконографическим канонам. Караваджо смело все это проигнорировал. Художник показал самую откровенную земную реальность без вот этого ореола святости. Ладно, небольшую дань традициям он все-таки отдал: если приглядеться, можно увидеть нимб над головой Марии. Но сама она изображена как обычный человек, который умирает в кругу таких же обычных людей.

Про Караваджо после этого был распущен слух, что он человек безнравственный. Но все же потом его признали великим художником, и сейчас эта картина висит в Лувре, Париж.

«Старая кокетка», Бернардо Строцци, около 1637 года

© Bernardo Strozzi / Public Domain / wikipedia


Основной посыл картины очевиден: стареть — очень тупо и пытаться молодиться — тоже. Это полотно относят к жанру эпохи барокко ванитас, который поднимает тему быстротечности жизни и неизбежности смерти. Так, ну давайте дальше пробежимся по главным символам. В одной руке старуха держит розу, но это ладно. Вот в другой руке у нее букет флердоранжа — традиционный атрибут невесты. Тут такая степень иронии, что с ума можно сойти. Еще есть супертолстая отсылка к ванитас — мертвая птичка на зеркале.

Посмотреть на картину и поразмышлять о бренности бытия можно в ГМИИ им. Пушкина, Москва.


«Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк, 1434 год

© Van Eyck / Public Domain / wikipedia


Слышали про эпоху Северного Ренессанса? Ну тот же Ренессанс, только в германоязычных странах. Так вот этот художник оттуда.

На картине изображено венчание. В то время, чтобы заключить брак, нужны были 2 стула, как говорится. Можно было сделать это в церкви или дома при наличии двух свидетелей. «Где же свидетели?» — спросите вы. Но посмотрите в зеркало за парой. Кстати, один из показанных в отражении, возможно, сам ван Эйк. Как обычно, игра гения. Но художник не удержался и оставил еще один след. Это маленькая надпись над зеркалом, как на заборе, вроде «Ян ван Эйк был тут». И просто нельзя пройти мимо этого песика в ногах пары, здесь он как символ верности.

Шедевр висит в Лондонской национальной галерее.

«Дама с единорогом», Рафаэль Санти, 1506 год

© Rafael Santi / Public Domain / wikipedia


Как будто бы похоже на «Мону Лизу», не правда ли? Вот этот пейзаж сзади и поза девушки очень сильно напоминают «Джоконду». Интересно, что картины были написаны примерно в одно время. Единорог тут символизирует целомудрие. Согласно средневековым легендам, приручить животное может только невинная девушка. Модель — это вообще отдельная тема, интрига. Расскажу одну из самых сочных версий: девушка, возможно, была любовницей Папы Римского, потому что родовым символом ее семьи был как раз единорог.

Где посмотреть: галерея Боргезе, Рим.


«Маха одетая», Франсиско Гойя, 1800–1805 годы

© Francisco Goya / Public Domain / wikipedia


Кто эта дама в легком одеянии, доподлинно не известно. Могу лишь сказать, что махой в Испании называли девушек из низшего общества с буйным нравом. У картины есть пара, которая была написала раньше. Там эта же маха, только раздетая. Вообще за обнаженку Гойя мог легко попасть в тюрьму, ведь в те годы в Испании властвовала инквизиция и церковь всеми силами пыталась влиять на искусство. Обнаженная натура считалась безнравственной и была под запретом, но разве это остановило Гойю?

Конечно же нет, тем более что он имел надежные связи в самых верхах. Но даже этот факт не позволил художнику показывать внаглую голую женщину. Обычно выставлялась «Маха одетая». И только иногда с помощью специального механизма из-за картины выезжало другое полотно с обнаженной женщиной.

На обе картины можно посмотреть в музее Прадо, Мадрид.

«Ночная терраса кафе», Винсент Ван Гог, 1888 год

© Vincent Willem van Gogh / Public Domain / wikipedia


Видите картину Ван Гога — говорите с умным видом, что это постимпрессионизм, и вас сразу примут в богемную тусовку.

Это реальная улица с кафешкой во французском городе Арль, где художник выпивал ближе к концу жизни. И самое лучшее во всем этом то, что через 100 лет это место отреставрировали и сделали прямо как на картине. Наверное, все обратили внимание на звездное небо: это узнаваемая фишка Ван Гога. С точки зрения астрономии тут, кстати, все четко и стоит на своих местах. Художники, которые проводят исследования, гениальны.

Оценить глубину цвета и волшебное звездное небо можно в музее Крёллер-Мюллер в Оттерло (Нидерланды).

«Чудо со статиром», Мазаччо, 1425–1427 годы

© Masaccio / Public Domain / wikipedia

Суперлогичная композиция. Тут 3 действия из одной сюжетной линии, взятой из Евангелия. Можно сказать, почти как кино. Иисус с апостолами отправляется в путешествие по городам. Дойдя до Капернаума, они сталкиваются с первыми трудностями: чтобы зайти, надо заплатить. Тогда Иисус говорит апостолу Петру: «Иди лови рыбу, и в ней найдешь нужную монету — статир». Так в общем-то и получилось, на то он и Иисус. Петр благополучно оплачивает вход всех апостолов.

Кстати, фреска появилась не просто так, а была сделана по заказу государства. Глупым людям нужно было показать, как важно платить налоги. В то время в Италии как раз разрабатывалась налоговая реформа.

Посмотреть на работу можно в часовне Бранкаччи церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции.

«Кафе в Арле», Поль Гоген, 1888 год

© Paul Gauguin / Public Domain / wikipedia

Во французский город Арль художник приехал по приглашению Ван Гога, у которого в то время уже были первые признаки сумасшествия (помните эпизод с отрезанным ухом?). Друзья не только мастерски уничтожали горячительные напитки, но и соревновались в создании шедевров. Эта картина в узнаваемом стиле постимпрессионизма — живое доказательство того, что вдохновение можно найти даже в задрипанной привокзальной кафешке.

На переднем плане жена хозяина заведения, она улыбается, хотя и выглядит довольно усталой. Сзади завсегдатаи кафе — в основном забулдыги и падшие женщины. Можно заметить, что у каждого плана свой цвет: впереди белый, потом зеленый с желтым, ну и красный.

Посмотреть на картину можно в ГМИИ им. Пушкина в Москве.

«Фокусник», Иероним Босх, 1475–1502 годы

© Hieronymus Bosch / Public Domain / wikipedia


Это одна из ранних работ Босха. Тут он еще не ударился в библейские сюжеты и не стал писать всякую чертовщину, которая позже сделала его знаменитым. Хотя странные животные присутствуют (привет сове и собачке (обезьянке) в шутовском наряде). Толпа зевак остановилась посмотреть на представление. И на удивление всем фокусник-шарлатан извлекает изо рта простодушной жертвы лягушку. Видимо, вторую, так как одна уже сидит на столе.

Зрители испытывают разные чувства: кому-то нравится, кто-то хмурится от недоверия. Но обратите внимание на человека, стоящего позади. Он, несомненно, сообщник фокусника: пока люди из толпы отвлечены низкопробным шоу, тот незаметно тырит кошелек. Фокус с исчезновением, так сказать.

Точная копия картины хранится в Муниципальном музее города Сен-Жермен-ан-Ле, а оригинал, к сожалению, утерян.



«Впечатление. Восходящее солнце», Клод Моне, 1872 год

© Claude Monet / Public Domain / wikipedia


Перед нами старый порт во французском Гавре — родном городе художника. Казалось бы, 50 оттенков серого, да и сюжетик так себе, но это полотно перевернуло игру. Считается, что именно картина «Впечатление» (Impression) и дала название направлению импрессионизма в искусстве. Это фактически отказ от академизма в пользу мимолетного восприятия действительности, не знаю, как лучше сказать. Поначалу современникам не понравился стиль, и они посчитали неаккуратные мазки Моне ужасными. Позже у художника появились последователи и подражатели по всему миру.

Вообще Моне посвятил порту в Гавре целую серию картин. Именно эта хранится в музее Мармоттан-Моне, Париж.

«Мадонна канцлера Ролена», Ян ван Эйк, 1435 год

© Jan van Eyck / Public Domain / wikipedia

Канцлер Ролен за свою жизнь совершил много плохих поступков, поэтому он попросил ван Эйка изобразить его на портрете с Мадонной. Так сказать, последняя надежда на местечко в раю. Картина визуально поделена на 2 части. Слева — мирское: канцлер как олицетворение грешного мира. А справа — божественное: Мадонна с ребенком Иисусом на коленях. Позади нее сад с цветами, который символизирует непорочность.

Видите за цветами двух человек? Тот, который в красном тюрбане, — сам ван Эйк (это почти точно). Знаете же, как художники любят добавлять себя на полотна. Рядом с мужчинами 2 павлина, в живописи они обычно означают гордость и бессмертие.

Я не знаю, удалось ли в итоге Ролену обнулить грехи, но картина вышла шикарная. Посмотреть на нее можно в Лувре, Париж.

«Сикстинская Мадонна», Рафаэль Санти, 1512 год

© Rafael / Public Domain / wikipedia


Картина написана по заказу самого Папы Римского для церкви Святого Сикста II, отсюда и название. Навстречу нам спускается Мадонна с младенцем, рядом с ней Сикст II и святая Варвара. Яркий зеленый цвет занавеса на заднем плане наверняка выбран неслучайно: в живописи он символизирует плодородие, жизнь и надежду. Тут нам все в принципе подходит. Наверное, самая популярная часть этой картины — 2 задумчивых ангелочка внизу. Еще, кстати, присмотритесь к облакам за фигурами главных героев, там можно увидеть лица ангелов.

Полотно хранится в Галерее старых мастеров, Дрезден.


«Весна», Сандро Боттичелли, 1482 год

© Sandro Botticelli / Public Domain / wikipedia


Как можно догадаться, это эпоха Раннего Ренессанса: тут все такое пестрое, праздничное, люди похожи на людей, хотя и слишком красивые. На полотне Боттичелли изобразил сразу 3 месяца весны, просто потому что может. Вот справа бог ветра куда-то уносит лесную нимфу. Это олицетворение марта, такой бесцеремонный тип. Центральный персонаж — Венера. Древние римляне праздновали ее восхождение в апреле, так что 2-й месяц весны — это вот она. Ну и последний месяц май: он слева на картине что-то там ковыряет палкой. Его олицетворяет Меркурий, сын богини Майи. Палкой он разгоняет тучи, ведь если не будет солнца, то ничего из еды не вырастет.

Полотно можно увидеть в галерее Уффици во Флоренции.

«Кающаяся Мария Магдалина», Тициан Вечеллио, 1565 год

© Tizian / Public Domain / wikipedia


Как можно догадаться из названия, тут изображено раскаяние. Вообще Мария Магдалина в католическом искусстве часто изображается как раскаивающаяся грешница. Художники пишут ее с распущенными волосами, легко одетой, даже с намеком на наготу. Тут Тициан решил не отличаться. Перед главной героиней мы видим Священное Писание. Еще можно заметить череп — это такое заигрывание художника с темой memento mori («помни о смерти»).

Полотно хранится в Эрмитаже.


«Мистер и миссис Эндрюс», Томас Гейнсборо, 1750 год

© Thomas Gainsborough / Public Domain / wikipedia


Любимым жанром Гейнсборо был пейзаж, но, к сожалению, он не приносил ему прибыли и славы. Тут ему помогла природная изобретательность. Аристократы, как известно, всегда балдели от помпезных портретов в стиле рококо. В те самые портреты Гейнсборо и добавляет свой любимый сельский пейзаж, и так рождается новый жанр, который сразу становится популярным в высшем обществе.

Фигуры на картине как бы обращены к нам и приглашают на легкую беседу. Образы лиричные, напрочь отсутствует гламурность французского рококо. Но такие детали, как охотничий костюм, ружье и пышное платье говорят о состоятельности изображенных людей. На фоне, кстати, не просто лужайка с овечками, это приданое миссис Эндрюс. А дуб за героями как символ процветания династии.

Полотно хранится в коллекции Лондонской национальной галереи.

«Полуночники», Эдвард Хоппер, 1942 год

© Edward Hopper / Public Domain / wikipedia


Художник мастерски создает напряжение не только цветовой гаммой, но и незаметными деталями. Тут вроде у нас кафе, люди, но зайти к ним мы не можем, ведь дверей не видно. Они там как будто заперты, и мы можем только наблюдать.

Может быть, вы читали рассказ Хемингуэя «Убийцы», там 2 человека ждали свою жертву в кафе. Кажется, что картина — идеальный сеттинг для такого. Еще возможно, что это сцена из вымышленного кино. Посмотрите на эту ровную экспозицию — точно кадр из фильма. Вообще известно, что сам Хоппер был диким фанатом кинематографа, и когда не рисовал, шел в кинотеатр.

15+ безумных фактов о Сальвадоре Дали, который стал одним из самых узнаваемых художников в истории

Как известно, Сальвадор Дали был не только художником, скульптором и писателем, но и дизайнером. Общеизвестно, например, что он был автором логотипа популярного леденца на палочке. Но мало кто знает, что в 1969 году живописец придумал символ для «Евровидения», проходившего в его родной Испании. Однако Дали был не только талантливым, но и весьма эксцентричным человеком, чьи поступки не раз эпатировали публику.

Сам художник говорил, что отличается от сумасшедшего только тем, что осознает свое сумасшествие. 
© EAST NEWS


Дали родился спустя 9 месяцев после смерти своего старшего брата, который прожил немногим менее 2 лет, и свое имя — Сальвадор — «унаследовал» от него. Когда будущему гению сюрреализма было 5 лет, родители привели его к могиле брата и сказали, что он — реинкарнация первого их сына. Уже повзрослев, художник говорил, что считает умершего брата своим лучшим воплощением.

Одну из своих первых художественных работ Дали создал в 1910 году — тогда ему было 6 лет. На небольшой открытке масляными красками он нарисовал вид родных мест. Сегодня эта работа под названием «Пейзаж близ Фигераса», которую считают ранним образцом импрессионистского периода творчества художника, хранится в одной из частных коллекций в Нью-Йорке.

Однажды Йоко Оно попросила Дали прислать ей кусочек его усов. Тот согласился, но запросил за него $ 10 тыс. Супруга Джона Леннона приняла условие, и художник отправил ей посылку, однако вместо частички усов положил в нее немного сухой травы. На столь необычный поступок его толкнул необычный страх: Дали боялся, что получательница отправления будет использовать усы для совершения колдовских обрядов.

Усы, ставшие визитной карточкой художника, возможно, не были его собственным «изобретением». Есть мнение, что он «позаимствовал» их у знаменитого испанского живописца XVII века Диего Веласкеса, которого почитал как одного из величайших творцов в истории. Кстати, Дали считал свои уникальные закрученные вверх усы самой значительной частью своей личности.

© Library of Congress's Prints and Photographs division / wikipedia

Дали был не только великим художником, но и великим «жаждущим денег». В 1939 году основоположник сюрреализма Андре Бретон придумал ему прозвище — анаграмму из имени и фамилии испанца: Avida Dollars, что не совсем точно, но вполне узнаваемо переводится с латыни как «жадный до долларов». Кстати, во многом благодаря Бретону в том же 1939 году Дали был изгнан из сообщества сюрреалистов, поскольку, по их мнению, деньги его стали интересовать в большей степени, нежели само искусство.

Помимо автобиографии Сальвадор Дали написал несколько книг, в числе которых была и кулинарная, вышедшая в 1973 году. Она называлась Les Dinners de Gala («Ужины Галы») и содержала 136 рецептов разнообразных блюд, проиллюстрированных рисунками самого испанца и фотографиями готовых кушаний. Страсть к кулинарии была у живописца с детства — в возрасте 6 лет он мечтал стать профессиональным поваром.

Многие картины Дали кажутся плодом работы безумного воображения или чем-то затуманенного сознания. Однако художник никогда не прибегал ни к каким стимуляторам, а использовал собственные методы поиска идей для картин. Так, например, он иногда усаживался в кресло, ставил на пол металлическую тарелку, а в руку брал ложку. Когда сон настигал мастера, ложка падала, ударялась о посуду и грохот будил Дали, который переносил привидевшийся сон на полотно.


© LASCH / PRESSENS BILD / SIPA / EAST NEWS


Помимо прочего, Сальвадор Дали был одним из величайших шоуменов XX века, который умел привлекать внимание одним своим появлением. В 1936 году в Лондоне проходила международная выставка сюрреалистов, куда творец приехал в полном водолазном костюме, держа в одной руке бильярдный кий, а в другой — двух собак на поводках. Эта выходка едва не стоила ему жизни, поскольку подводное облачение было герметичным и практически не пропускало воздух.

В 1955 году Дали отправился из Испании в Париж на своем белом «роллс-ройсе», чтобы прочитать лекцию в знаменитой Сорбонне. Вроде бы ничего необычного, но Дали не был бы самим собой, если бы не превратил эту поездку в настоящий перформанс. Художник загрузил в автомобиль 500 кг цветной капусты, а на вопрос, зачем он это сделал, ответил, что «все на свете заканчивается цветной капустой».

Чтобы привлечь внимание к книге французского фотографа Роберта Дешарне «Мир Сальвадора Дали», художник обрядился в золотого цвета халат и улегся в кровать прямо посреди одного из книжных магазинов Нью-Йорка. Во время раздачи автографов он был подключен к аппарату, делавшему энцефалограмму под присмотром врача, медсестры и Галы. Каждый купивший экземпляр книги получал в подарок не только подпись гения, но и распечатку его мозговых волн.

© ASSOCIATED PRESS / East News

Во второй половине жизни Дали, чье состояние исчислялось миллионами долларов, стал настоящим скрягой. Он очень любил приглашать большие компании в ресторан, но не любил платить по счетам, поэтому придумал гениальный ход: после завершения трапезы живописец выписывал чек на всю сумму, а затем рисовал что-нибудь на его обороте, полагая (и, надо заметить, небезосновательно), что никто в здравом уме не будет обналичивать платежный документ с его рисунком.

Кроме того, не любил Дали платить и своим секретарям, и поэтому вместо зарплаты заключал с ними сделки, согласно которым они получали процент от продажи картин маэстро. Поскольку ценность работ испанца была значительной, некоторые его помощники стали настоящими миллионерами.

В 1965 году художник придумал гениальный ход, который позволил ему получать деньги буквально из воздуха. Он стал продавать чистую литографическую бумагу со своей подписью по $ 10 за лист. Считается, что за свою жизнь Дали подписал около 50 тыс. таких листов, из-за чего некоторые искусствоведы ставят под сомнение подлинность какой-то части его поздних работ.

© Library of Congress's Prints and Photographs division / wikipedia

Одной из множества необычных страстей Дали были экзотические животные. Однако, вопреки распространенному мнению, он вовсе не держал их у себя дома. Так, оцелот по кличке Бабу, с которым художник запечатлен на знаменитом фото, хоть и был куплен им у попрошайки в Нью-Йорке, на самом деле принадлежал, скорее всего, секретарю Джону Питеру Муру, в комнату к которому эксцентричный испанец его и подбросил. Дали лишь периодически его одалживал, как, к примеру, и муравьеда, с которым он запечатлен на выходе из подземного перехода.

Задолго до того, как это стало обычным делом, Дали снимался в рекламе различных товаров. Так, в 1968 году он стал главным героем рекламного ролика шоколада Lanvin, а позже принимал участие в кампаниях автомобильной марки Ford или жевательной резинки Wrigley’s.

Художник создал иллюстрации к книге Льюиса Кэрролла «Приключения Алисы в Стране чудес». В сцене с Безумным чаепитием он нарисовал свои знаменитые «мягкие часы», (изображенные на самой известной картине мастера «Постоянство памяти»). Кстати сказать, размер полотна, прославившего Дали, вовсе не велик — всего 24 × 33 см.

© Generalitat de Catalunya / wikipedia

В автобиографии «Дневник одного гения» Дали составил таблицу художников, в которой он оценил творчество нескольких живописцев, включая, конечно же, и себя, по разным параметрам. В графе «Гениальность» максимально возможный балл — 20 — он поставил Леонардо да Винчи, Пабло Пикассо, Рафаэлю, Веласкесу и Яну Вермееру. Эдуарду Мане и Питу Мондриану досталось по 0 баллов, а вот собственный гений Дали оценил в 19 баллов.

Всю свою жизнь Дали сознательно выставлял себя сумасшедшим, хотя, конечно, таковым не был. Однако в последние годы он страдал от болезни Паркинсона, да и столь вожделенное безумие его наконец почти настигло. В начале января 1989 года у него случился сердечный приступ, от которого он так и не оправился. Художник скончался 23 января, а единственной разборчивой фразой, произнесенной им за время болезни, были слова: «Мой друг — Лорка».

Согласно завещанию, Дали был похоронен под полом сцены своего театра-музея в Фигерасе, расположенного всего в полукилометре от дома, где он родился. Великий испанец не оставил прямых наследников, а его супруга Гала скончалась за 7 лет до смерти самого художника. Все свои работы он завещал своей родной Испании.


20+ символов, отыскав которые на картинах вы поймете замысел художника

Символы — это знаки, предметы, явления, образы, которые имеют какой-то скрытый смысл. И чтобы понять, что говорит нам символ, нередко нужно знать, где, когда, зачем и кем он был создан. Например, художник рисует натюрморт. Но перед нами не просто набор предметов. Перед нами набор смыслов.

Аленушка



© В.М.Васнецов / Wikipedia

Работа над картиной «Аленушка» была закончена Виктором Васнецовым зимой 1881 года. Одна из лучших картин русской школы первоначально была названа живописцем «Аленушка (Дурочка)». В то время дурочками называли сироток. Лохматая кроткая девочка в изодранном платье одинока. Она ушла в лес далеко от деревни и, сидя, горько задумалась: то ли испуганно, то ли отчаянно. Если вглядеться в глаза Аленушки, то можно увидеть терзающую боль. Так что сюжет картины Васнецова никак не связан со сказкой про сестрицу Аленушку и братца Иванушку.

Какие символы есть на этой картине? 
Опавшие листья. Они ассоциируются с осенью, грустью и тоской. 
Осины. Символ горькой доли. По преданию, на этом дереве повесился Иуда. 

Но главный символ на шедевре живописца замечают не все.



© В.М.Васнецов / Wikipedia

Ласточки. Они сидят на ветке над головой героини. Словно оберегая юную девушку от фатального неверного шага. Этих птиц в славянском фольклоре считали покровительницами женщин и девушек, символом надежды, весны, и они были добрыми вестницами. Этот символ словно намекает о добром исходе этой истории. 

Автопортрет с терновым ожерельем и колибри




© Frieda Kahlo / Wikipedia

Мексиканская художница Фрида Кало с яркими бровями известна своими автопортретами. Еще в детстве ее здоровье было слабо. А в юные годы художница попала в автокатастрофу. Будучи прикованной к постели, она много рисовала, в том числе и автопортреты, в которых прослеживается ее борьба с проблемами со здоровьем и бесплодием. Автопортреты — это своего рода терапевтическое лечение, в котором Фрида создавала другую себя и проецировала на нее свою боль.

«Автопортрет с терновым ожерельем и колибри» создан в 1940 году. И он таит в себе множество важных для понимания работы символов. 
Бабочки. Символ воскрешения: словно Фрида воскресла и начала новую жизнь с момента создания этой картины. 
Колибри. Свободная красивая птица на автопортрете безжизненно свисает с шеи художницы. По поводу колибри есть разные домыслы искусствоведов. В мексиканской культуре колибри ассоциируется с удачей и надеждой, это талисман влюбленных в мексиканском фольклоре. Смотря на мертвую птицу, ощущения, что надежда есть, не возникает. Также поза птицы напоминает распятие Христа, словно это крест на шее. Еще такой кулон-колибри можно рассматривать как отсылку к ацтекскому богу войны, который причиняет внутреннюю боль Кало. 
Черная кошка. Еще один символ неудачи, который соседствует с колибри. 
Обезьяна. Диего Ривера, супруг Фриды, с которым она во время работы над картиной переживает разрыв, подарил художнице паукообразную обезьяну. Поэтому некоторые исследователи видят в обезьяне, которая болезненно дергает за колючее ожерелье, Риверу. Также обезьяна — это символ дьявола. 
Ожерелье. Колючее украшение, причиняющее боль, напоминает терновый венец Иисуса. А образ художницы отождествляется с образом мученицы, страдающей и испытывающей боль. 


Двое, созерцающие Луну




© Caspar David Friedrich / Wikipedia


В картине «Двое, созерцающие Луну» 1819 года исследователи находят два 
пласта символов. Что же хотел сказать своей работой немецкий художник Каспар Давид Фридрих? 
Каменистая дорога. Символизирует жизненный путь. 
Луна. Это воскресение Христа, она находится в самом центре картины. 
Ущелье и туман. Это препятствия на пути к духовности, бездна греха. 

Но, помимо духовной версии символики работы немецкого живописца, есть и версия историческая: 
Мертвый дуб. Символ состояния Германии на тот момент. Дуб выкорчеванный и искривленный, словно Германия и ее народ, которые переживали последствия наполеоновских походов и разгрома страны. 
Костюмы мужчин. Это напоминание о средневековом немецком гардеробе, который возрождали мятежные студенты в знак неприятия нового режима, который стал результатом войн. Наполеоновские походы и борьба против них отразились на немецкой культуре, ведь шло разрушение старого феодального общества и формирование новых порядков. 

Моление о чаше



© Andrea Mantegna / Wikipedia

«Моление о чаше» написал между 1458 и 1460 годами итальянец Андреа Мантенья. Христос помещен на заднем плане спиной к зрителям. На переднем плане — спящие ученики Петр, Иоанн и Иаков, которые еще наполнены человеческими слабостями. Какие же символы в этой картине отмечают искусствоведы? 
Скала означает твердость в вере. 
Сон говорит о духовной смерти. 
Сухое дерево со стервятником — предвестник смерти, а ветка с зеленью говорит о воскрешении. 
Кролики на дороге — кротость человека перед смертью. Также может быть символом будущих последователей Христа. 
Белые цапли — отсылка к очищению. 

Ванитас



© Franciscus Gijsbrechts / Wikipedia

Ванитас — это не только название картины, но и жанр живописи эпохи барокко. Это натюрморт, в центре которого располагается череп. Так художники напоминали зрителям о быстротечности и непостоянстве жизни и неизбежности смерти. Картину Франциска Гийсбрехта принято считать классическим примером этого направления искусства.
Почему художник изобразил именно эти предметы? Потому что каждый из них — символ: 
Череп — непостоянство жизни. 
Трещина на мраморной столешнице говорит, что нет ничего вечного. 
Песочные часы — отсылка ко времени и его конечности. 
Мыльные пузыри слева — хрупкость жизни. 
Трубка, бумага с табаком, ноты, музыкальный инструмент — это радости жизни, которые мимолетны. 
Кстати, в слове «ванитас» ударение на первый слог — вАнитас.

Портрет четы Арнольфини



© Jan van Eyck / Wikipedia


Картина «Портрет четы Арнольфини» нидерландского художника Яна ван Эйка — шедевр для любителей символов и тайных посланий. Только раскрыв их значение, можно понять, чему на самом деле посвящен сюжет.

Картина написана в Брюгге в 1434 году. Считается, что на полотне изображен зажиточный купец Джованни Арнольфини с супругой Джованной Ченами. Есть и противники этого мнения, которые говорят, что картина — автопортрет художника с женой, которая как раз родила сына в 1434 году. Это произведение искусства заставляет многих остановить на себе внимание, потому что загадка символов не всегда дает один верный вариант разгадки. Например, округлый живот может быть вовсе не признаком беременности. Вот какие символы на картине помогают понять смысловые нюансы: 
Метелка и фигурка святой. 

Под люстрой у изголовья кровати находится деревянная фигура святой Маргариты, поражающей дракона. Эта святая покровительствует роженицам. Отсюда некоторые исследователи делают вывод, что женщина на картине беременна. Хотя это неочевидно, так как в то время было модно шить платья из большого количества тканей и, по одной из версий, девушка просто держит подол.




© Jan van Eyck / Wikipedia

Две пары тапок. 

Мужчина и женщина изображены босиком. Их обувь изображена рядом с ними, так как под ними святая для них земля во время бракосочетания. Отсылка к тексту Ветхого Завета: «И сказал Бог: не подходи сюда; сними обувь твою с ног твоих, ибо место, на котором ты стоишь, есть земля святая». Если это бракосочетание и женщина беременна, можно ли рассматривать сюжет картины как тайное бракосочетание двоих в маленькой комнате, которое не соответствует статусу мужчины? Единого мнения нет.




© Jan van Eyck / Wikipedia

Собачка. 

Cимвол преданности — стоит у ног именно женщины, словно говоря о верности избраннику. Также его можно рассмотреть как символ благосостояния.



© Jan van Eyck / Wikipedia

Апельсины. 

Лежащие у окна фрукты могут означать, судя по разным версиям, зажиточность пары, плодовитость, чистоту и невинность.



© Jan van Eyck / Wikipedia

Одна горящая свеча в люстре. 

Горит свеча только над мужчиной. Некоторые объясняют это тем, что портрет супруги Арнольфини выполнен после ее смерти. Также есть мнение, что одна свеча — это символ присутствия святого духа.

После изучения снимков картины в инфракрасном излучении стало известно, что большинство деталей картины было написано в самом конце работы над картиной. Поэтому есть суждение, что не стоит наделять символизмом перечисленные предметы, а также зеркало, надпись, четки и другие атрибуты. Хотя есть доказательства, которые опровергают это умозаключение, так как и в других работах Яна ван Эйка предметы добавлялись автором как заключительные штрихи.




© Jan van Eyck / Wikipedia

Почему французский художник Моро рисовал ангело-андрогинов и из-за чего не хотел продавать свои картины



Гюстав Моро - французский художник-символист, известный своими работами с мифологическими и религиозными сюжетами. Услышав сегодня имя этого мастера, на ум наверняка приходят его мистические и загадочные образы в роскошных нарядах. Полотна Моро готовы были приобрести влиятельные лорды и музеи, но он не желал продавать свои работы. Какие же самые интересные факты скрывает биография Гюстава Моро?

1. Художник-эклектик

Работая в академическом, романтическом и итальянском стиле, Гюстава Моро вполне можно назвать художником-эклектиком. В его работах можно найти и прототип эфеба из работ Микелланджело, и голубоватый фон и кьяроскуро самого Леонардо да Винчи. Его работы и мифологические, и религиозные, и современные одновременно. В конечном итоге, все эти стили и направления, неразрывно смешиваясь, объединяются на полотнах Моро, образуя оригинальные, высоко индивидуализированные творения. Моро считал живопись богатым искусством, и это очень явно на его полотнах.


2. Художник-мизатрон


Склонный к мизантропии, Моро отказывался выставлять свои картины, не позволяя даже репродуцировать их. Что еще более странно, Моро крайне неохотно соглашался продавать свои работы. «Я так люблю свое искусство, — писал он, — что буду чувствовать себя счастливым, только если буду писать для самого себя».


3. Моро бросил учебу в самой престижной художественной школе


Гюстав Моро родился в Париже 6 апреля 1826 года. Его отец Луи-Жан Мари Моро был успешным архитектором Парижа, разрабатывал проект здания Министерства внутренних дел, и также был руководителем строительства зданий на площади Согласия и ряда других объектов. Мать художника, Адель Полин Десмутье, родившаяся в 1802 году, была дочерью бывшего мэра Дуэ. В целом семья Гюстава Моро была хорошо обеспечена, что позволило родителям дать своему сыну качественное образование. Моро с первой попытки успешно поступил в Высшую национальную школу изящных искусств в Париже. К слову, любой, кто желал стать известным художником и работать в этой сфере, должен был посещать эту школу. Однако, само образование не удовлетворяло потребностям Моро и он ... покинул академию. Как ни странно, незавершенная учеба не помешала Моро успешно участвовать в Салонных выставках и стать известным живописцем.


4. Личная трагедия привела к появлению шедевра


Влюбленный в одну женщину в течение 20 лет и убитый горем от её безвременной кончины, в 1890 году Гюстав Моро создаёт картину «Орфей на могиле Эвридики». Ее звали Александрина Дюре. Тоска и отчаяние выражены на этом полотне максимально - это подчеркивает и экспрессивно написанный пейзаж. Фигура Орфея — это главный акцент в этом тревожно напряженном пейзаже-настроении. Работа относится ко многим типичным полотнам Моро, выражающим состояние загадочности и неизречённости.


Александрина Дюре / «Орфей на могиле Эвридики»

Александрина Дюре / «Орфей на могиле Эвридики»

5. Живопись Моро - живопись душевных мечтаний

Для Моро, как и для да Винчи и Пуссена, художников, на которых он любил ссылаться, живопись была ментальной. Он не стремился воссоздать на холсте саму природу, но обращался за ответами к своей душе. Моро хотел создать произведения, которые, по его собственным словам, полны устремлений, мечт, энтузиазма и религиозного подъема. Живопись, в которой все возвышено, вдохновляюще, нравственно и благотворно. Для Моро интуиция внутренней художника имела большее значение, чем просто рисование того, что художник видит перед собой. Живопись Моро призвана вдохновлять мечты, а не мысли.
 «Юпитер и Семела», 1894-95, музей Гюстава Моро, Париж

«Юпитер и Семела», 1894-95, музей Гюстава Моро, Париж




6. Моро заперся в Академии Святого Луки, чтобы написать шедевр

18 октября 1857 года Моро уехал в Италию, место, которое он очень желал увидеть. Эта поездка для него была действительно важной, ведь он хотел оживить историческую живопись, которую он ранее считал поверхностной и ограниченной. В Риме он воочию увидел фрески эпохи Возрождения и шедевры античности. После длительного наблюдения за шедеврами Сикстинской капеллы, Моро удалось скопировать часть потолка. А позже.. Моро буквально заперся в Академии Святого Луки. Здесь он произвел свое бравурное произведение: темперную копию «Путти» Рафаэля. Позже английский лорд пожелал приобрести эту работу. Однако Моро (как уже было сказано выше он был мизантропом) предпочитал не расставаться со своим Путти, которого художник называл своим «ребенком».
Академии Святого Луки – старинного объединения римских мастеров

Академии Святого Луки – старинного объединения римских мастеров




7. Гюстав Моро писал одни из самых впечатляющих и драматических работ

Никогда еще картины не принимали такой драматический оборот, как картины французского живописца Моро. Они стали известны своими впечатляющими масштабами. С произведениями Моро связана сказочная особенность: он твердо верил в то, что художник должен обладать внутренней душой, чтобы демонстрировать прекрасное искусство. Эксперты в области искусства утверждают, что Моро смог установить связь между традиционной практикой живописи и новыми экспериментальными идеями, которые проложили путь для художественной школы XX века. Ниже можете увидеть самые выдающиеся работы Моро.







8. Ангелы в работах Моро андрогинны


Картины Моро - это практически всегда ошеломляющий пейзаж + человеческие фигуры. Вот и работа «Иаков и Ангел» содержит две фигуры. Одна из них - Иаков, а вторая фигура - Ангел. Одеяние Ангела драгоценно и роскошно, в то время как Иакова художник изобразил в одном покрывале. Образ Ангела на полотне создан таким образом, что трудно понять его пол - это мужчина или женщина? Снова влияние да Винчи сыграло свою роль. То, как рука Ангела мягко опирается на Иакова, направляет его и дает ему силу. Живопись Моро пробуждает воображение зрителей, заставляет их глубже вникать в цвета и фигуры, чтобы осознать происходящее. И в большинстве его произведений фигуры Моро действительно неоднозначны, как в «Иакове и Ангеле». Мужчина и женщина, добро и зло - все элементы переплетаются в картинах Моро.


Ангел и Иаков

Ангел и Иаков

9. Критика буквально рушилась на Моро, но не разрушало его веры в свою живопись

Множественные эксперименты и нестандартность живописного подхода зачастую приводили к тому, что Моро получал немалую толику критики в свой адрес. Однако, это никогда не удерживало его, он продолжал писать картины так, как хотел и чувствовал. Вот и работа «Святой Георгий и дракон» перетерпела немало негативных откликов со стороны мира искусства. Вдохновленная мифологическими сюжетами, картина напоминает сцену из кино. Моро описывает героический момент триумфа мужской силы. На белом коне главный герой полотна - Георгий, убивающий дракона мечом. Картина великолепна и заставляет зрителя задуматься над историей. Кто такой Георгий? Откуда он пришел и почему убил дракона? Моро начал писать эту картину в 1870 году, однако вскоре надолго забыл о нем и закончил только спустя много лет по настоянию заказчика, заплатившего за картину 9000 франков. Святой Георгий, поражающий дракона, - очень популярный сюжет в живописи эпохи Возрождения. В XIX веке интерес к этой теме с новой силой проявился прежде всего в Англии, где святой Георгий считался воплощением воинской доблести.
Святой Георгий убивает дракона

Святой Георгий убивает дракона




10. Не желая продавать свои работы при жизни, Моро позаботился о будущем своих картин


Музей Гюстава Моро

Музей Гюстава Моро


Продав мало работ при жизни, Моро завещал государству свой особняк вместе с мастерской, где хранилось около 1200 картин и акварелей, а также более 10000 рисунков. При жизни художника только 3 работы были приобретены французскими музеями, зарубежными — ни одной.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/240620/46787/