Родственные отношения Мантеньи и Беллини


В Национальной галерее показывают близкие связи двух мастеров Ренессанса
Выставка впервые объединила полотна,  эскизы и графику двух титанов Раннего Возрождения — Андреа Мантеньи и Джованни Беллини. Цель — показать, как будучи не только современниками, но и родней, они влияли друг на друга.
Мантенья — сын плотника из Падуи. Беллини принадлежал к знаменитой венецианской династии художников — Якопо и его второго сына, Джентиле. Их биографии пересеклись в 1453 году, когда Мантенья женился на их сестре Николозии. Причем от этого брака выиграл скорее венецианский клан, усилив свой состав одним из выдающихся талантов того времени и сняв вопрос конкуренции. 
Если же говорить о влиянии, то здесь речь идет о Мантенье и Джованни Беллини, которые, по словам куратора выставки Кэролайн Кэмпбелл, одновременно влияли друг на друга: «До нас не дошло документированных свидетельств, проливающих свет на связь этих двух художников, но очевидно, что она была очень тесной. Беллини копировал картины Мантеньи, а тот испытал влияние его новаторской живописи». 
И хотя большая часть карьеры Мантеньи была связана с Мантуей, где он работал у герцогов Гонзага, очевидно, что его художественный диалог с шурином, работавшим в Венеции, никогда не прерывался. Мантенья был изобретателен в сюжетах и композиции; большой знаток древнеримского искусства, свой четкий классический рисунок позаимствовал у Античности. Беллини же работал в традициях венецианской школы, мастером пейзажа с использованием всей доступной цветовой палитры. Он, как говорит Кэмпбелл, «первым в полную силу использовал пейзаж для передачи эмоционального состояния». Как и Мантенья, он писал картины и на религиозные и мифологические сюжеты, но Мантенья создавал монументальные композиции, а Беллини — камерные для частных заказчиков. 
Беллини нередко и копировал Мантенью, как, например, в «Принесении во храм» (1470–1475), выставленном в Лондоне с одноименной картиной (1454) Мантеньи. В свою очередь, Беллини повлиял на Мантенью как пейзажист. Так, на картине «Смерть Девы Марии» (1462) на заднем плане у него появляется безмятежный вид Мантуи, написанный явно под влиянием ведут Беллини. Кто из них был талантливее — вопрос риторический, считает куратор: «Мантенья возродил классическую античность, был непревзойденным мастером перспективы. Беллини — настоящий волшебник пейзажа, колорита и света». 
Национальная галерея
Мантенья и Беллини
До 27 января 2019

Призрак марксизма бродит по Русскому музею


Сотня экспонатов — от скульптур и картин до футболок и чернильниц с изображением автора Das Kapital — собрана Русским музеем в честь 200-летия соавтора «Манифеста Коммунистической партии»
Мода на левизну в постсоветской России то затухает, то вспыхивает с новой силой. В этом году «Почта России» выпустила юбилейную марку номиналом 27 руб., где  изображен Карл Маркс, похожий на пафосную скульптуру Льва Кербеля на Театральной площади в Москве. На выставке показана ее модель из медного листа. Лицо Маркса с копной седых волос и окладистой бородой сохранилось на фотографиях, но в России точность портретного сходства никогда никого не волновала: Маркс был и остается символом левых идей. 
В 1905 году Анна Голубкина изваяла вдумчивого человека с бородой для агитационных целей будущих большевиков. В 1919–1920 годах его портреты с теми же задачами создавал Николай Фешин, не замеченный в симпатиях к советской власти, но работавший над сюжетом в силу суровой экономической необходимости. Он на себе проверял мощь товарно-денежных отношений, которые исследовал Маркс. Соцреализм не оставил нам интересной иконографии, если не считать замечательного портрета неизвестного автора 1930-х годов из собрания Русского музея: «борода» укоризненно взирает на нас из облаков. Из нового заметнее всего «Капелла марксизма» — живописно-архитектурный объект арт-группы «Колдовские художники». Кроме «Жития Карла» в него вошло 30 портретов знаменитых марксистов по версии авторов объекта. Помимо экспонатов из фондов музея, свои предоставили на выставку и другие серьезные институции, а также частные коллекционеры и ныне здравствующие художники.
Государственный Русский музей
Карл Маркс навсегда?
До 14 января 2019

Насилие в парке и «общество спектакля»


Книга Михаила Ямпольского, пожалуй, первая попытка осмыслить происходящее в капковской и собянинской Москве в глобальном философском контексте
В своем новом труде Михаил Ямпольский, известный философ и теоретик искусства, с 1992 года живущий в Нью-Йорке, исследует связи культурного бума в российской столице с одновременным ростом насилия (погромы выставок православными активистами, уголовное дело против руководителей «Седьмой студии» и тому подобное). К решению вопроса привлечены чуть ли не все знаковые мыслители ХХ века, от Жоржа Батая до Жана Бодрийяра.
Первые части книги посвящены процессам «окультуривания» Москвы, и тут философ красиво переворачивает взгляд на некоторые вещи, кажущиеся очевидным плюсом. Парки, велосипедные дорожки, широкие тротуары, премьеры в «Гоголь-центре», музеи — все это, по мнению Ямпольского, необходимые элементы «общества спектакля» Ги Дебора. Подмостки, на которых новый средний класс занят ничем иным, как демонстрацией своей принадлежности к среднему классу. Это и есть «парк культуры». Однако всеобщее «окультуривание» не означает подъема в искусстве. Наоборот, искусство практически исчезает, оно становится просто декорациями для прогулки. Нет больше никакой разницы между соцреализмом, стрит-артом и работами Ильи Кабакова — эти явления стали частью life style, образа жизни, который нужно поддерживать, чтобы доказать свою принадлежность к привилегированному сообществу. В «обществе спектакля» невозможна и политика, потому что нет реальных интересов и позиций, есть только стиль и эстетика.
Так и тотальная музеефикация, по Ямпольскому, знаменует собой не всплеск интереса к истории, а, наоборот, полное ее уничтожение. Постоянное тиражирование старых фотографий, потоки воспоминаний в конечном итоге стирают суть явлений, остается только стиль — как в социальной сети. И когда Владимир Путин сравнивает Ленина в Мавзолее и мощи святых, он просто проговаривает то, что уже сделано механизмами культуры: все различия стерлись, осталась одна бесконечная лента Instagram. Это явление, конечно, не только московское, а глобальное, считает автор.
Что же насилие? Откуда в европейском «парке культуры», построенном на деньги власти, хоругвеносцы с банками мочи, откуда гонения на Кирилла Серебренникова? До этих вопросов автор добирается только ближе к концу книги. Речь (насколько можно понять философа, а это не всегда легко) идет о том, что общество не может жить без системы противопоставлений, и, когда все становится совсем уж равноценным, оно начинает их продуцировать. Даже конфликт в Донбассе, по Ямпольскому, можно рассмотреть как инструмент для создания различий между слишком одинаковыми людьми (в качестве наглядного примера философ тут вспоминает вражду-любовь Марии Алехиной и Энтео).
В итоге у автора возникает еще одна мысль: власть не умела соблюдать правила «парка культуры» и после протестов 2012 года оказалась «изгнанной» сообществом из ею же построенного рая. А дальше пошла цепная реакция — пришлось искать «не окультуренные» сообщества, чтобы мобилизовать их на защиту от хипстеров. Эта часть книги выглядит не слишком уверенно, вызывая у читателя много вопросов. Например: в городах за пределами Москвы среднего класса практически нет, а насилия даже больше — чем это вызвано? Или еще: если в Москве вдруг разом уничтожить все велодорожки и закрыть все передовые театры — вернется ли в страну политика? (Кстати, очень может быть.) Наконец, если «парк культуры» — явление европейское, не следует ли и там ожидать исчезновения политики и появления архаических «некультурных» движений, опирающихся на насилие? Впрочем, ведь уже, кажется, дождались… 

Спиритические сеансы с «матерью абстракционизма»



Нефигуративные работы шведской художницы Хильмы аф Клинт выставили в Музее Гуггенхайма



В 1906 году по указанию духа, вызванного во время спиритического сеанса, шведская художница Хильма аф Клинт (1862–1944) порвала с академической традицией и взялась за создание серии из 193 картин, имеющих мало общего со знакомым нам вещественным миром. Закончив ее в 1915 году, художница написала, что хотела бы видеть свои картины на стенах круглого храма, где посетители поднимались бы вверх по «спиральному созерцательному пути». Теперь мечта художницы наконец осуществилась в выставке, открывшейся в Музее Гуггенхайма с его знаменитой спиральной лестницей Фрэнка Ллойда Райта, и дает пищу для раздумий над тем, кто же на самом деле был первопроходцем в абстракции.
Аф Клинт начала исследовать неизведанную до этого сферу беспредметного искусства раньше Василия Кандинского, которого принято считать отцом абстракционизма и работы которого легли в основу коллекции Соломона Гуггенхайма. А ее увлечение спиритуализмом и «миром невидимого», несомненно, заслуживает внимания наряду с теориями Кандинского и других столпов абстракции, большой поклонницей которой была соосновательница музея Хилла фон Ребай.
«Жизнь и творчество Хильмы заставляют переосмыслить историю абстракционизма, трактовку творчества художников и те интеллектуальные течения и теории, которыми они увлекались, — рассказывает куратор музея Трейси Башкофф. — Модернисты, которых мы называем пионерами, начали свои эксперименты на шесть-семь лет позже нее». Выставка охватывает именно этот новаторский период творчества аф Клинт, продлившийся с 1906 по 1920 год, рассказывая о связи художницы с модернизмом, ее интересе к теософии и научным открытиям.


Свои спиритические сеансы Хильда проводила с четырьмя другими художницами, во время которых они практиковали, естественно по указанию вызываемых духов, не только автоматический рисунок, но и автоматическое письмо. Заметим, задолго до сюрреалистов. В своей абстрактной серии «Картины для Храма» Хильда сумела создать и собственный оригинальный визуальный язык, непохожий ни на какой другой, соединяя биоморфные формы с геометрическими. 
«Спиритические кружки в то время были средой, где женщины могли выступать как носительницы определенных знаний, пусть и полученных столь нетрадиционным способом», — говорит Трейси Башкофф. Тем не менее, подчеркивает она, аф Клинт — вовсе не  аутсайдер, которых много всегда было всегда и везде. Цель этой выставки — изменить наше «представление о том, что аф Клинт была изолирована от большого мира с его новаторскими идеями и что сфера ее интересов в искусстве ограничивалась ее эксцентричными увлечениями». «Сегодня спиритические сеансы кажутся нам чем-то маргинальным, но тогда они играли весьма важную роль в жизни и художников, и интеллектуалов», — подчеркивает куратор.  
Музей Соломона Р. Гуггенхайма
Хильма аф Клинт. Картины для будущего
До 23 апреля 2019

«Неожиданного Малевича» показывают в Русском музее


Значительная и до сих пор не исследованная часть представленного на выставке архива Анны Лепорской — рисунки, которые показывают, как рождался супрематизм, как он проявлялся в линиях и формах
Название выставки — «Неожиданный Малевич» — более чем оправдывает ее содержание: 117 графических листов, черновики статей, письма — все эти работы и документы, происходящие из подаренного музею архива, ранее не были знакомы специалистам и никогда не экспонировались в таком объеме.
У этого архива драматическая, а во многом даже трагическая судьба. Анна Лепорская, одна из самых преданных и последовательных учениц Казимира Малевича, начала собирать архив еще в 1920-е годы — в 1923–1926 годах она училась и работала в Ленинградском государственном институте художественной культуры (ГИНХУК), в формально-теоретическом отделе у Малевича. Фактически она была его секретарем. В те же годы в ГИНХУКе работал и учился ее будущий муж Николай Суетин, также являющийся одним из наиболее последовательных учеников Казимира Севериновича. Уже в те годы Лепорская и Суетин старались собирать рисунки и записки Малевича, положив начало этому уникальному архиву.
Они сохранили верность учителю даже в самые трагические времена, и оба участвовали в обряде «супрематических похорон» Малевича в мае 1935 года. Николай Суетин исполнил супрематический саркофаг-архитектон и надгробный памятник в виде куба с красным квадратом, поставленный на могиле Малевича в Немчиновке.
Фактически пополнение архива происходило в три этапа. Первоначально это были рисунки, которые Малевич использовал во время своих занятий с учениками в ГИНХУКе. Как рассказала корреспонденту The Art Newspaper Russia Наталья Козырева, заведующая отделом рисунка и акварели ГРМ, на некоторых листах видны по углам дырки от кнопок — за неимением других учебных пособий и наглядных материалов учитель предлагал ученикам свои работы. Другой этап пополнения архива появился в связи с трагическими событиями: когда в начале сентября 1930 года Казимир Малевич был арестован, многие испугались и постарались избавиться от рисунков опального художника. В те дни Лепорская и Суетин проявили себя как самые преданные его друзья: они не только сохранили то, что уже было у них, но и спасали от уничтожения собранное другими.
Один из первых зарубежных исследователей творчества Малевича Троелс Андерсен описывал со слов Лепорской, как это происходило: «Его друзей охватила паника. Некоторые сжигали рукописи Малевича, однако Анна Лепорская и Николай Суетин буквально выхватывали из огня листы с уже опаленными уголками».
Третий этап сбора рисунков и записей создателя супрематизма начался после смерти художника: его семья передала живописные полотна в Русский музей, рисунки они посчитали не слишком важными предметами, и тогда Суетин и Лепорская забрали их себе. Нина Суетина, дочь Николая Михайловича и воспитанница Анны Лепорской, вышла замуж за сына художника Ильи Чашника, тоже преподававшего в ГИНХУКе, что также способствовало объединению домашних коллекций и архивов.
Но еще при жизни Анны Лепорской, когда имя Малевича уже стало известно во всем мире, его архив начал понемногу разлетаться по разным владельцам.
«Что-то оказалось у Харджиева, который одним из первых начал изучать творчество Малевича еще в 1950-е годы, — рассказала Наталья Козырева. — Он попросил у Анны Александровны для изучения, но потом не вернул их, теперь эти материалы находятся в Стеделейк-музее в Амстердаме».
Часть увез известный собиратель Лев Нусберг, часть Нина Суетина передала в дар Третьяковской галерее (о драматических событиях, предшествовавших этой передаче, рассказывает в своих воспоминаниях Ник Ильин, советник Михаила Пиотровского). Так что архив Лепорской сейчас принадлежит многим. Троелс Андерсен попал к Нине Суетиной в 1960-х годах, она подарила ему несколько рисунков, позже он передал их в Центр Помпиду. После смерти Нины Суетиной в 2016 году ее близкий друг и душеприказчица Раиса Стримайтис выполнила волю Суетиной — передала архив в Русский музей.
Представить рисунки Казимира Малевича из архива, собранного Лепорской и Суетиным, оказалось не очень просто, поскольку большую их часть он выполнил в 1920–1930-е годы, когда материалы приходилось экономить — на многих листах рисунки есть на обеих сторонах. Помогли спонсоры и новые технологии: двусторонние рисунки Малевича выставлены вертикально в специальных витринах с подсветкой, что позволяет видеть обе стороны.
Рисунки и документы на выставке делятся на несколько условных групп. Одна из них — ученические работы, целая стена рисунков Малевича того времени, когда он учился в школе у Федора Рерберга. Еще одна группа — рисунки, которые уже Малевич-учитель предлагал своим ученикам как наглядные пособия. И очень значительная и до сих пор не исследованная часть этого архива — рисунки, которые показывают, как рождался супрематизм, как он проявлялся в линиях, формах, сочетаниях того и другого.
Особенный экспонат выставки «Неожиданный Малевич» — единственная живописная работа «Портрет Анны Лепорской» из собрания ABA Gallery, Нью-Йорк. Традиционно эта работа считалась автопортретом, в таком статусе она была продана из коллекции Нины Суетиной. Но сотрудники Русского музея провели еще одну экспертизу, которая, по их мнению, подтвердила, что портрет выполнил сам Казимир Малевич. Так что по окончании выставки портрет вернется владельцу в совершенно новом статусе.
Во многих из этих графических рисунков-экспериментов отчетливо видны корни будущих живописных полотен, они буквально произрастают из этих коротких и энергичных карандашных штрихов. Фактически эти небольшие картинки стали своеобразным каталогом творческого пути гениального художника.
«Раньше я не видела рисунков Малевича в таком объеме, хотя надо было предположить, что его живописи сопутствовала большая графическая подготовка», — поделилась своими впечатлениями с The Art Newspaper Russia Ирина Антонова, президент ГМИИ им. Пушкина, специально приехавшая на презентацию архива.
По словам Натальи Козыревой, теперь в фондах их отдела собралась определенная азбука супрематизма, которую, конечно, специалистам еще предстоит расшифровать и составить.
К выставке выпущен объемный каталог, в котором впервые опубликованы некоторые рисунки и документы из архива Лепорской. Выставка продлится до 19 января 2019 года.

Находка в Румынии украденного Пикассо оказалась розыгрышем

Сенсация с обнаружением в Румынии украденной из музея в Роттердаме картины Пабло Пикассо «Голова Арлекина» обернулась частью проекта «Истинная копия»
Нидерландская писательница Мира Фетику, ранее написавшая роман о краже этого полотна, рассказала, что около десяти дней назад она получила письмо с инструкциями относительно места, где в Румынии была спрятана картина Пикассо. Фетику отправилась в указанное место в лесу, выкопала картину, завернутую в пластик, и передала ее властям. Пресс-служба румынского Управления по борьбе с организованной преступностью и терроризмом этот факт подтвердила, уточнив, что картину двое граждан Нидерландов доставили в посольство своей страны в Бухаресте. Мировые СМИ написали о находке возможного Пикассо, которому, впрочем, предстояло пройти экспертизу.
Однако уже в воскресенье вечером Фетику уточнила в своем выступлении на голландском канале NOS, что после этого она получила новое письмо, от дуэта бельгийских режиссеров Berlin (Барт Бале и Ив Дегрис), из которого следует, что предыдущее письмо было розыгрышем и она стала его жертвой. Как выяснилось, писательница нашла и передала властям не оригинал, а копию. Находка этого «пикассо», по замыслу инициаторов, является частью проекта «Истинная копия», посвященного известному нидерландскому фальсификатору Герту Яну Янсену.
«Голова Арлекина» была украдена в 2012 году из роттердамской художественной галереи Кюнстхал вместе с семью другими полотнами, среди которых работы Клода Моне, Поля Гогена и Анри Матисса. В 2013 году в связи с этим ограблением были арестованы трое граждан Румынии. Мать одного из них сначала заявила, что сожгла «улики» в печи, но позже отказалась от своих показаний. Анализ пепла из очага подтвердил, что в огне сгорели по крайней мере три неустановленные картины.

Как «Кровавая графиня» и любимица Италии Катерина Сфорца отомстила Цезарю Борджиа за убитых мужей



Катерина Сфорца — одна из самых знаменитых женщин Возрождения и в некотором роде одно из его лиц. Её звали «львицей Романьи» и «тигрицей из Форли»; она была внебрачной дочерью герцога Сфорца и вошла в историю своим противостоянием с внебрачным сыном папы Римского Александра VI, Цезарем Борджиа. В этой истории — вся та часть итальянского Возрождения, которая обычно скрыта от нашего внимания чудесными картинами и гениальными скульптурами.


Кровавая графиня
Папа у Катерины был приличный человек и как следует о ней позаботился. Девочка росла при его дворе и в должное время ей подобрали жениха, Джироламо Риарио, любимого племянника Сикста IV. Злые языки поговаривали, что сестра папы Сикста прикрыла его грех и выдала за своего ребёнка его внебрачного сына — но не рождённой незаконно девочке по этому поводу переживать. Гораздо более грустным обстоятельством была разница в возрасте: тридцать лет жениху и одиннадцать — невесте.




Портрет кисти Лоренцо ди Креди.
Впрочем, задержись Катерина в отцовском доме, и всё могло обернуться ещё хуже: против её отца вскоре был составлен заговор, в результате которого герцога закололи в соборе, как Юлия Цезаря — толпой, его собственные придворные. А кому была нужна Катерина, кроме него?

В первом браке Катерина прожила пятнадцать лет, пока в 1488 году в Форли её мужа не убили практически так же, как отца, разве что не в соборе — закололи в несколько кинжалов заговорщики. С трупа содрали одежду, а затем выбросили его на глазах у Катерины из окна. Вместе с её мужем закололи случайного гостя. Саму Катерину вместе с детьми арестовали, дома, принадлежавшие Джироламо, разграбили. По большому счёту, людям было за что ненавидеть покойного мужа Катерины, но удар для неё от этого меньше не стал.




Джина МакКи в роли Сфорца в сериале «Борджиа».
Устроив беспорядки в городе, заговорщики попытались взять и крепость, но комендант наотрез отказался её сдавать. Катерине предложили уговорить его; в ответ она предложила пропустить её в крепость, оставив себе детей как заложников. Но, оказавшись под защитой коменданта, графиня принялась выкрикивать смутьянам угрозы и пообещала расправу со стороны своего дяди, человека очень могущественного. Что касается детей, то в её чреве зрел очередной, и его было достаточно, чтобы продолжать род её покойного мужа.

Заговорщики переварили услышанное, взяли награбленное и сбежали из города, оставив детей Катерины живыми. Сфорца оказалась не так человеколюбива. Она участвовала в карательной операции, примкнув к подошедшим войскам дяди.




Джина МакКи в роли Сфорца в сериале «Борджиа».
Через несколько лет ситуация повторилась: стоило Катерине выйти замуж за некоего Джакомо Фео, и вскоре его затыкали ножами насмерть на глазах у жены. И не потому, что Катерина была такая невезучая, а потому что время такое. В отличие от Джироламо, второго мужа Катерина любила горячо и отомстила очень жестоко, окружив со своими людьми квартал, где жили убийцы, и приказав своим людям уничтожить всех — мужчин, женщин или детей — кто хоть как-то с убийцами связан родством. Сама она, сидя верхом, лично наблюдала за резнёй.

То ли кровавая месть научила людей относиться к Катерине осторожно, то ли просто повезло, но третий муж Катерины умер уже своей смертью — от подагры в тридцать один год. Между первым вдовством и третьим для Сфорца прошло ровно десять лет.




Третьим мужем Катерины стал Джованни Медичи.

Героиня Италии
Владениями первого мужа, городами Форли и Имола, Катерина правила сама, от лица своего сына Оттавио. Вскоре после смерти её третьего мужа Сфорца узнала, что эти земли намерен присоединить — вместе со многими другими — к землям своего отца Цезарь Борджиа. Чтобы избежать бесконечных итальянских заговоров вокруг, для завоевания земель Борджиа нанял французов.

К столкновению с Борджиа Катерина подготовилась загодя. Детей она отослала во Флоренцию, солдат принялась муштровать (и сама, вероятно, тоже тренировалась), закрома крепости Равалдино наполняла запасами, а стены укрепляла. Узнав, что жители Имолы сами открыли ворота перед войском Борджиа, Катерина созвала горожан Форли и прямо спросила, готовы ли они драться вместе с ней. Смущённо молчание было ей ответом, и Сфорца… торжественно освободила их от клятвы верности, после чего закрылась со своими солдатами в крепости.




Джина МакКи в роли Сфорца в сериале «Борджиа».
Борджиа, несмотря на всю свою дурную славу, вовсе не жил ради убийств и насилия и потому первым делом предложил даме сдаться миром. И это, и все последующие предложения Сфорца отвергала и продолжала сражаться, лично держа в руках оружие. В какой-то момент ей чуть не повезло лично взять Цезаря в плен, и это так его напугало и разозлило, что он назначил награду в 10 000 дукатов (огромные деньги) за мёртвую или живую, но обезоруженную Катерину.

Осада крепости длилась так долго, что весть об одной из немногих, кто осмелился дать Борджиа настоящий отпор, отважной и никем не поддерживаемой вдове разлетелся по всей Италии. Катерине сочувствовали, её воспевали, а про Борджиа сочиняли эпиграммы и анекдоты. Наконец, после кровавого, изнурительного штурма французам удалось схватить Катерину и выбить меч из её рук.




Марк Райдер в роли Борджиа в сериале «Борджиа».
Некоторое время Сфорца пробыла а плену у папы Римского, который, по счастливому совпадению, был также папой Цезаря Борджиа. Но Италия настолько болела за Катерину и так стыдила в разного рода уличных куплетах мужчин, которые из страха держат бедную вдову в клетке после того, как отняли у неё всё, что папа Римский решился отпустить её к детям. Без владений и иных источников дохода Катерине со всеми многочисленными отпрысками пришлось жить в нищете.

Остаток дней Катерина посвятила изучению алхимии и фармацевтики, чем, вероятно, подрабатывала. В сорок шесть лет, через девять лет после вписавшего её в историю противостояния Цезарю Борджиа, она умерла от пневмонии. Ни алхимия, ни фармацевтика тогда не знали средства от этой болезни. Она пережила Цезаря на два года — его убили заговорщики. Время такое было.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/031118/41159/

Украинская художница пишет яркие картины, на которых оживают самые разные цветы



Алые маки. Автор: Анна Хомчик.
Алые маки, солнечные подсолнухи, ароматные ландыши, сирень и полевые цветы, приветливые астры, своенравные розы и застенчивые ромашки – оживают в работах современной художницы Анны Хомчик, которая родилась и выросла на Украине, в городе Запорожье, но в последнее время живёт и творит во Львове, даря зрителям и прохожим улыбки и тепло.

С приходом холодов так хочется тепла, солнца и улыбок. И в такие моменты каждый по-своему поднимает себе настроение: одни пьют чай с печеньем, кутаясь в пушистые свитера, другие читают романтические книги, представляя себя на месте главных героинь, а третьи любуются цветами в вазе или же рассматривают их на картинах Анны, тут же согреваясь душой и телом от буйства красок и разнообразия пёстрых лепестков.




Розовый букет. Автор: Анна Хомчик.



Осенний букет. Автор: Анна Хомчик.



Настроение. Автор: Анна Хомчик.



Подсолнухи. Автор: Анна Хомчик.



Дары осени. Автор: Анна Хомчик.



Цветочная рапсодия. Автор: Анна Хомчик.



Астры. Автор: Анна Хомчик.



Ландыши. Автор: Анна Хомчик.

Именно цветы приносят в нашу жизнь искру счастья, становясь проводником эмоций и семейного равновесия, некой гармонией, обнимающей в ненастные дни за плечи. Они дарят ту мимолётную радость, полную искренности и заботы, как напоминание о том, что каждый миг бесценен и не вечен, и лишь память достаточно долго хранит обрывки фраз и слов, о том, что было. Так и букеты, составленные ласковой рукой талантливого мастера, шепчут о нежной весне, ароматном лете, пряной осени и терпкой зиме. Ведь у каждого сезона – свои цветы, которые хочется собрать в охапку и, уткнувшись носом, вдыхать тонкий аромат до умопомрачения головы.




Маки. Автор: Анна Хомчик.



Хризантемы. Автор: Анна Хомчик.



Ирисы. Автор: Анна Хомчик.



Петуньи. Автор: Анна Хомчик.



Ромашки. Автор: Анна Хомчик.



Солнце в охапке. Автор: Анна Хомчик.



Букет нежности. Автор: Анна Хомчик.



Пионы. Автор: Анна Хомчик.



Луговые цветы. Автор: Анна Хомчик.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/031118/41104/

17 красивейших городов мира, которые нужно увидеть хотя бы раз в жизни



Самые красивые города мира по версии The Daily Telegraph.
Москва, сияющая куполами и верхушками стеклянных зданий, скрывающихся высоко в небе, Киото, пестрящий мощёнными улочками, местными лавками и симпатичными традиционными постройками в окружении изумрудной зелени, Париж, переливающийся вечерними огнями под звуки шарманки, доносящейся из маленьких кафе, Нью-Йорк, поражающей изобилием каменных джунглей, что, громоздясь друг на друга, тянутся острыми крышами вверх к солнцу, утопая в его лучах - это лишь малая часть городов, признанная по версии The Daily Telegraph самыми красивыми в мире.


1. Красавица Москва, Россия



Москва — это Содом и Гоморра в одном флаконе и чинная тишина почти совсем деревенских переулков Замоскворечья.

2. Иерусалим, Израиль



В Иерусалиме исчезает ощущение времени и реальности.

3. Киото, Япония



Киото - хранилище лучших достижений японского искусства, культуры, религии и мысли.

4. Париж, Франция



Париж — гулкий полумрак Нотр-Дама и тихий шёпот туристов в залах Лувра.

5. Брюгге, Бельгия



Чарующий средневековый городок, который будто законсервировался в XV столетии.

6. Нью-Йорк, США



Одним словом, welcome to New York, baby!

7. Венеция, Италия



Упоительная и такая странная. Одновременно помпезная и пошарпанная Венеция, сводящая с ума.

8. Санкт-Петербург, Россия



Город мостов - Санкт-Петербург входит в Список ЮНЕСКО как город, в котором под патронаж взят весь исторический центр.

9. Рим, Италия



Вечный город, куда ведут все дороги, где можно прожить всю жизнь за одни каникулы длиною в день.

10. Исфахан, Иран



Исфахан — половина мира.

11. Сидней, Австралия



Яркий космополитичный Сидней похож на огромный пэчворк.

12. Сиена, Италия



Сиена — одно из немногих мест в Тоскане, сохранившее дух и атмосферу средневековья.

13. Самый синий город Индии Джодхпур



За голубую окраску домов его часто именуют «Голубым городом».

14. Сан-Франциско, США



Сумасшедший Сан-Франциско стоит потраченных денег, нервов и мегабайт цифровика.

15. Луангпхабанг, Лаос



Неспешный и очаровательный Луангпрабанг можно без зазрения совести назвать одним из самых привлекательных городов в ЮВА.

16. Кейптаун, ЮАР



Кейптаун расположен на полуострове у мыса Доброй Надежды, возле подножия горы Тэйбл-Маунтин.

17. Дубровник, Хорватия



Местные шутят: кто видел Дубровник, тот видел всю Хорватию.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/041118/41108/