Откровения Ли Краснер, иконы абстрактного экспрессионизма

Все наследие вдовы Джексона Поллока показывают в Центре искусств Barbican в Лондоне



Ли Краснер. Нью-Йорк, 1940 год. Фото: Archives of American Art, Smithsonian institution

Романтический проект о художнице, в 14 лет выбравшей свой путь, чтобы пройти его до конца, став иконой абстрактного экспрессионизма. Ли Краснер (1908–1984) игнорировала экономические кризисы, пренебрежение коллег-мужчин и негласное имя «вдова Поллока». Более 100 работ из музеев и частных собраний показывают разную Краснер: ранние автопортреты, знаменитые «Миниатюры» ­1940-х, коллажи из разорванных ранних работ, поздние абстракции. Ли (Лена) Краснер родилась в Бруклине в семье еврейских эмигрантов из Российской империи.

Ли Краснер. «Императив». 1976. Фото: The Pollock-Krasner Foundation. Courtesy National Gallery of Art, Washington D.C.

Позже вспоминала, что в подростковом возрасте ей не понравились слова молитвы про то, что Бог создал мужчину по своему подобию, а женщину — как счел нужным. Но Ли повезло с родителями. Они позволили ей уехать учиться в Купер-Юнион и Национальную академию дизайна. В ноябре 1929 года в Нью-Йорке открылся Музей современного искусства (МоМА), там Краснер впервые увидела работы Анри Матисса и Пабло Пикассо. Но нагрянула Великая депрессия, галереи закрывались. Зато по рузвельтовской программе помощи населению художников привлекли к оформлению общественных пространств. Краснер заработала как профессиональную, так и общественную репутацию. Участвуя в ­профсоюзных акциях протеста, познакомилась с тюрьмами Нью-Йорка. Потом роман и брак с Джексоном Поллоком, его смерть, продолжение активной работы в общей мастерской в окрестностях Большого яблока (160 картин за 7 лет). И мировое признание в итоге.

Центр искусств Barbican
Ли Краснер. Живой цвет
30 мая – 1 сентября 

http://www.theartnewspaper.ru/posts/6981/

Петров-Водкин, Ларионов и Малявин: мастера Серебряного века возглавят русские торги

Аукционы русского искусства в Лондоне щеголяют первыми именами 

Михаил Ларионов. «Натюрморт». Около 1914 года. Эстимейт £1-1,5 млн. Фото: Sotheby's 

Аукционные дома в этом сезоне с гордостью предъявляют первые имена русского искусства и самый привлекательный для арт-рынка раздел — начало ХХ века и русский авангард. Причем в самых разных ценовых категориях — от натюрмортов Михаила Ларионова и Кузьмы Петрова-Водкина за £1–1,5 млн каждый до крошечных книжных заставок Сергея Чехонина за £1,2–1,5 тыс. 

Главная работа на Christie’s (3 июня), гордо занимающая обложку каталога, — «Натюрморт с сиренью» Петрова-Водкина 1928 года. Заполучить такую картину на аукцион — упомянутую в документах и побывавшую на биеннале в Венеции, с этикетками выставок на обороте, мгновенно узнаваемую (все хорошо знают схожий по композиции более поздний «Натюрморт с веткой черемухи» из Русского музея), — буквально чудо, особенно в нынешние, скудные для арт-рынка времена. Картину когда-то Борис Терновец, директор Государственного музея нового западного искусства, искусствовед и критик, подарил итальянскому искусствоведу и издателю Джованни Шейвиллеру.

  

Филипп Малявин. «Портрет девочки в розовом платье». 1910-е. Русские торги, Лондон, 5 июня 2019 г. Эстимейт £300–500 тыс. Фото: Bonhams 

Каталог Christie’s демонстрирует привычную для этого дома сбалансированность и осторожность. Есть вещи редкие, на ценителя. Например, портрет Варвары Климович-Топер кисти Надежды Лермонтовой, самобытной и рано умершей ученицы Льва Бакста (£50–70 тыс.), или портрет Авы-Элис-Мюриель Астор, ледяной красавицы с яйцом на шее, написанный Павлом Челищевым (£300–500 тыс.). А есть на более общий вкус: цвета и фактуры взбитых сливок «Обнаженная» Константина Маковского (£200–300 тыс.) или серьезная «Северская» Ивана Шишкина с соснами и солнечной тропинкой — пейзаж знаменитой дореволюционной дачной столицы под Петербургом (£200–300 тыс.). 

Главная работа на Sotheby’s (4 июня) — «Натюрморт» Михаила Ларионова, написанный около 1914 года, яркий, близкий примитивистским «Солдатской» и «Турецкой» сериям (£1–1,5 млн). На обороте полотна также нашлись метки, которые помогли восстановить его провенанс. Когда Михаил Ларионов и Наталия Гончарова уехали в Европу, картина осталась в их московской мастерской в Трехпрудном переулке, потом попала в Московское хранилище произведений современного искусства, оттуда перекочевала в квартиру архитектора и реставратора Николая Виноградова. Только в 1927 году Ларионов смог вернуть ее себе.

Сергей Чехонин. «Неоновый букет». Фото: Christie’s 

Каталог Sotheby’s представляет русское искусство более разнообразно и по временному охвату, и по ценовому диапазону (может, именно поэтому аукционный дом традиционно лидирует по обороту в русском секторе). На предстоящих торгах будет много полотен Ивана Айвазовского: и дневных, и ночных, и морских, и почти сухопутных (самое дорогое — «Корабль на закате у мыса Кэп-Мартин», £500–700 тыс.). Много мистических работ Бориса Анисфельда и крестьянских — Николая Богданова-Бельского. В довольно большом современном разделе предлагаются произведения из известного немецкого собрания Михаила Карминского — полотна Оскара Рабина, Олега Целкова, Михаила Шварцмана и много Владимира Вейсберга, в том числе ранние цветные «Булки и яблоки» (1949). 

Кузьма Петров-Водкин. «Натюрморт с сиренью». 1928. Эстимейт £1–1,5 млн. Фото: Christie’s 

Самая дорогая работа на MacDougall’s 5 июня — «Бахчисарай» Бориса Кустодиева (эстимейт £1,2–1,8 млн), сочная сценка с минаретом, восточными торговцами и теплым светом из окон на фоне холодеющего заката. Правда, у картины есть один недостаток — она уже продавалась пять лет назад (ушла за £1,6 млн). Такие «повторные продажи» очень любят аналитики рынка и не очень — коллекционеры. Полотно «Юные грезы» («Цесаревич») Виктора Васнецова оценено не так дорого, но привлекает большое внимания. Оно может быть названо «образцовым Васнецовым»: тут и былинное настроение, и сказочно русский типаж (русоголовый синеглазый мальчик написан, по-видимому, с сына художника Владимира), и археологическая точность, и символика деталей. Картина, впервые показанная на выставке в Москве в 1923 году, оценивается в £650–900 тыс. 

На аукционе MacDougall’s представлены также авангард — от малоизвестной Екатерины Петровой-Троцкой до Александра Богомазова и Юрия Анненкова — и советский нонконформизм. 

Виктор Васнецов. «Юные грезы» («Цеса- ревич»). Эстимейт £650–900 тыс. Фото: MacDougall’s 

Русские торги Bonhams несколько раз оказывались «аукционом одной картины»: на фоне аккуратно подобранной коллекции живописи и прикладного искусства со справедливыми ценами вдруг выстреливал один шедевр. В этом сезоне (5 июня) такой шанс есть у «Портрета девочки в розовом платье» Филиппа Малявина (эстимейт £300–500 тыс.). Обычно этот художник ассоциируется с изображением крестьянок и коров с бешеным взглядом. По первому впечатлению представленный портрет совсем иной, напоминающий артистичные и аристократичные работы Джона Сингера Сарджента. Но и тут проскочила чертовщинка: детское платьице и носочки в сочетании с совсем взрослым взглядом и золотым колечком на демонстративно отставленной руке. 

На Bonhams традиционно богатый и сильный раздел прикладного искусства. В этом году тут собрался целый зоопарк резных из камня зверюшек мастеров фирмы Фаберже. Среди них — агатовые кролики, мышь с бриллиантовым хвостом и яшмовый бегемот.

http://www.theartnewspaper.ru/posts/6979/

Утончённое рококо, хрупкие пастушки и арлекины на картинах русского художника-эстета Константина Сомова

Хрупкие дамы в роскошных платьях, заброшенные сады, ироничные арлекины и галантные сценки - трудно поверить, что эти картины создал художник, работавший в век железа и пара. Эстет и мечтатель, потомственный дворянин Константин Сомов не любил передвижников, избежал опасностей русской революции и всю жизнь тосковал об утраченной эпохе.




Пейзаж кисти Сомова.

Константин Сомов родился в 1869 году в именитой и обеспеченной дворянской семье. Отец его преподавал, переводил научные тексты, коллекционировал предметы искусства, а впоследствии работал в Эрмитаже, мать любила музыку – настолько, что Константин даже серьезно думал о карьере певца. В доме часто бывали гости – художники, философы, искусствоведы… Сама атмосфера, царившая в доме, располагала к занятиям искусством, все трое детей Сомовых – Саша, Костя и Аня – получили начальное музыкальное и художественное образование.




Работа Константина Сомова.

Некоторое время Сомов учился в престижной петербуржской гимназии Карла Мая, но вскоре родители забрали его оттуда – то ли по причине неуспеваемости по естественным наукам, то ли из-за слишком уж нежной дружбы с однокашником, будущим известным публицистом Дмитрием Философовым.




Работа Константина Сомова.

Однако в 1888 году Сомов без особых сложностей поступил в Академию художеств в Петербурге, а спустя шесть лет стал учеником мастерской Ильи Репина. Первая же выставка, где Сомов принимал участие, принесла ему успех. Его графические работы, выполненные углем и акварелью, привлекли внимание Бенуа, который убедил Дягилева немедленно приобрести две из них. Так Сомов приобрел «значение настоящего художника».




Графические работы Сомова.

С Дягилевым у Сомова совсем не сложились приятельские отношения – к импрессарио был неравнодушен тот самый Дмитрий Философов, к тому же Сомову не нравились снобистские манеры и тщеславие Дягилева. Зато отлично сложились творческие – Сомов выполнял афиши, эскизы костюмов и декораций для «Русских сезонов».




Работы для театра.




Султанша.

Завершив обучение в России, он отправился в Париж, где два года учился в Академии Коларосси. Сомов был влюбчив – его захватывали мужчины (в числе его увлечений числились и музыкант Вальтер Нувель, и поэт Михаил Кузмин), женщины, образы и… эпохи. Именно в Париже он увлекся рококо с его утонченным эротизмом, хрупкостью, пастушками, арлекинами и фарфором.




В Париже Сомов влюбился в рококо.




Радуга.

Фарфор Дягилев не только коллекционировал, но и создавал – по его эскизу на Императорском фарфоровом заводе в России отливались изысканные статуэтки. Вернувшись в Сантк-Петербург и став одним из учредителей художественного объединения «Мир искусства», он начинает создавать графические работы и живописные полотна, посвященные потерянной эпохе.




Театральные образы.




Сомов был увлечен образами прошлого.




Он воскресил давно забытые образы XVIII века.

Изящные фигурки в сложных нарядах, увлеченные беседой, танцами или флиртом на фоне заросших парков кочевали из одной работы Сомова в другую.




Работа Константина Сомова.




Галантные сценки с актерами итальянской комедии.




Театральные сценки.

Портреты современников он также писал с отсылками к стилям прошедших веков.




Портреты поэта Михаила Кузмина и Сергея Дягилева.




Поэты прошлого и настоящего - Пушкин и Блок

Сомов отказывался считать передвижников новаторами, европейский модеренизм тоже не пришелся ему по душе.




Сомов считал эротизм основой искусства.

Вдохновение он решил искать в историзме.




Спящая девушка.






Спящая девушка.




Спящая девушка.

Он считал, что основа искусства – сексуальность, и в его творчестве она представлена весьма широко – от галантных сценок с Арлекино и Коломбиной к порнографическим, от ненавязчивой провокационности спящих красавиц к уверенному самолюбованию обнаженных спортсменов.




Работа Константина Сомова.




Обнаженный юноша.

Серию женских портретов кисти Сомова называют «подругами» - он действительно умел тепло и доверительно дружить с женщинами, и утонченные образы современниц в старинных платьях раскрыты на холсте так, как может это сделать лишь очень близкий человек.




Женские портреты кисти Сомова.

Первой из «подруг» стала «Дама в голубом», где изображена художника Елизавета Мартынова.




Дама в голубом.

Облаченная в пышное платье декадентского синего цвета по моде 1830-х, бледная и встревоженная, она смотрит на зрителя – и сквозь него, погруженная в свои мысли. Елизавета Мартынова поступила в Академию художеств в первый же год после того, как женщины получили право обучаться там, вращалась в кругу петербуржской творческой богемы, но в возрасте тридцати шести лет умерла после продолжительной борьбы с туберкулезом. В проникнутом печалью портрете, написанном Сомовым, многим видится предчувствие ее трагической судьбы.




Натюрморт и женский портрет.

Сомов уделял много времени иллюстрации.




Элементы книжного оформления.

Начав с оформления обложек журнала «Мир искусства», он создал ряд выдающихся графических циклов для книг: «Граф Нулин» Пушкина, повести Гоголя «Нос» и «Невский проспект»…




Дафнис и Хлоя.

Но, безусловно, самой знаменитой работой Сомова считается «Книга Маркизы». Сам он ее терпеть не мог и особенно презирал за популярность. Рокайльные иллюстрации к сборнику эротических новелл XVIII века, включавшему тексты полусотни авторов, называли при этом наивысшим достижением творчества Сомова, наполненным самим духом XVIII века – фривольным, бесстыдным и при этом инфантильным. «Книга Маркизы» неоднократно переиздавалась и с самого момента своего появления стала культовой для библиофилов.




Иллюстрация к Книге Маркизы.




Эротическая иллюстрация Сомова.




Эротическая иллюстрация Сомова.

«Лучше мне не мешаться и жить по-старому, как я жил» - писал Сомов после свержения династии Романовых. Революция пощадила Сомова, даже наоборот – он стал профессором Петроградских государственных свободных художественных учебных мастерских, провел в Третьяковской галерее свою большую персональную выставку. Ему было уже за пятьдесят, когда в 1923 году он отправился в США в качестве уполномоченного «Русской выставки», с большим успехом провел ее и не вернулся в Россию.




Работы Константина Сомова.




Автопортрет. Боксер.

Сомов вел дневники, где подробно описаны его творческие искания и душевные драмы. Известно, что он уехал вслед за своим давним постоянным партнером и натурщиком Мефодием Лукьяновым – Мифом. Миф сбежал из охваченной гражданской войной России, узнав, что болен туберкулезом – это продлило ему жизнь. Он поселился на ферме в Гранвилье, где разводил уток и кроликов, а Сомов купил квартиру в Париже, откуда нередко наведывался к возлюбленному в гости. Несколько лет они были безгранично счастливы, Миф шел на поправку, Сомов много и плодотворно работал, но в 1932 году разразилась катастрофа – у Мифа случилось резкое обострение заболевания. Сомов проводил ночи в молитвах у его постели, но все было напрасно. Их двадцатилетний союз, который не смогли поколебать ни разлука, ни измены, разрушила смерть.




Портрет Мефодия Лукьянова.

Сомов пережил Мифа на семь лет, продолжая работать и выполнять заказы, и умер в 1939 году на руках у своего друга, коллекционера Михаила Брайкевича. Тот постарался собрать, систематизировать и сохранить творческое наследие Сомова, и во многом благодаря усилиям Брайкевича его работы можно найти во многих музеях России.




Живопись Константина Сомова.

Текст: Софья Егорова.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/270519/43210/

Картины импрессиониста Клода Моне из серии «Стога сена» бьют рекорды на аукционах

В начале мая этого года аукционным домом Sotheby’s в Нью-Йорке была объявлена продажа культового полотна французского художника Клода Моне «Стога сена». Первоначальная заявленная ее стоимость составила $ 55 млн. Но ушло это шедевральное творение с торгов в два раза дороже - почти за $111 млн. И что интересно, три года тому назад «сестра» этой картины установила также мировой аукционный рекорд для работ этого автора. Спросите, почему «сестра» и какова была ее продажная цена?... А вот об этом далее, - в обзоре.


Несколько слов об уникальном мастере




Оскар Клод Моне - французский живописец.

Осенью 1840 года во французской столице родился Оскар Клод Моне, выдающийся живописец, один из основателей импрессионистского стиля в мировом искусстве. На сегодняшний день этот автор занимает третью строчку в топе самых дорогих художников мира, а его знаменитые кувшинки, маки, бесконечные поля, стога скошенного сена в Живерни стоят в одном ряду с самыми дорогими живописными полотнами, заявленными на аукционах.





Мост в Аржантее. (1874 год). Автор: К.Моне.

Моне вошел в сокровищницу мировой живописи, прежде всего как новатор. Именно он первым развил новые живописные приемы письма, называемые импрессионизмом, первым использовал новую теорию цветовой гаммы, первым стал писать один и тот же объект или мотив по несколько раз при различном освещении и погодных условиях.




Дама в саду Сент-Адресс. (1867 год). Автор: К.Моне.

Многие критики и коллеги-художники называли Клода Моне «человеком солнца», и не безосновательно. Яркие лучи, струящийся из его полотен, буквально увлекают зрителя в удивительный мир атмосферных явлений, наполненных лучезарным светом, воздухом и цветом.




Великий французский импрессионист.

Однако, как и у большинства первопроходцев, жизнь художника складывалась довольно сложно, особенно беспокоило художника здоровье. Уже в зрелом возрасте у него начались проблемы со зрением, а к концу жизни он и вовсе ослеп из-за двойной катаракты. Примерно с 1905 года и до конца своих дней, а умер Моне в 1926 году, он целиком погрузился в изображения кувшинок на поверхности воды, не имеющей линии горизонта.




Клод Моне и его творения.

И то огромнейшее наследие, оставленное Клодом Моне потомкам, считается бесценным достоянием всего человечества, лучшие экспонаты которого хранятся в ведущих музеях, галереях и частных собраниях коллекционеров по всему миру.


Цикл живописных произведений Моне из 25 полотен



Дом художника в Живерни. Автор: Клод Моне.

Оказывается, не многие знают, но в художественном наследии Моне картин с изображением стогов сена на скошенных полях существует ни много ни мало, а двадцать пять штук. Они то и составляют серию полотен, написанных живописцем в 1890-х годах в Живерни, где находился его дом. И львиную долю известных своих творений Моне, вдохновленный окружающими природными пейзажами, создал именно в Живерни, в собственном саду. В настоящее время усадьба художника является музеем, хранящим среди ценных экспонатов личные вещи, письма, архивы и картины импрессиониста.




Моне, работающий в своем саду в Аржантее. Автор: Огюст Ренуар.

Возвращаясь к знаменитой серии, хотелось бы отметить, что на самом деле в стога, которые изображал художник на своих холстах, собиралось вовсе не скошенное сено. В такие скирды работники французской коммуны в Живерни сваливали снопы зерна, после чего их обкладывали толстым слоем соломы и накрывали конусными крышами из сена, чтобы защитить урожай от влаги и грызунов.




«Стога сена» в Живерни. Автор: К.Моне.

Ценность цикла работ Моне заключена в том, что художник изображал стога при различном освещении, в разное время года и под влиянием совершенно разных атмосферных явлений. И несмотря на один и тот же мотив, используемый мастером, все холсты кардинально отличаются один от другого: и по гамме цветовой палитры, и по технике исполнения, и по атмосферным эффектам и по времени года.




Стога сена на закате, эффект снега. (1891 год). Автор: К.Моне.

Хотелось бы также отметить, что семнадцать пейзажей из двадцати пяти хранятся в крупных публичных коллекциях, например, в Метрополитен-музее, Музее Орсе, Институте искусств в Чикаго и многих других ведущих галереях. А вот восемь - в частных собраниях коллекционеров.




Стог сена утром, эффект инея. (1891 год). Автор: К.Моне.


Лот майских торгов, ушедший с молотка за 111 миллионов долларов








4 самые неожиданные страны, куда можно купить тур
Нативная реклама Relap
И вначале мая одно из этих восьми полотен Моне вместе с другими лотами было выставлено на всеобщее обозрение в галерее Sotheby’s в Нью-Йорке. Это был первый публичный показ «Стогов сена» за последнее тридцатилетие.




Картина-рекордсмен, проданная за 111 миллионов долларов. Автор: Клод Моне.

«Эту картину во всей серии выделяет уникальная перспектива, динамичная композиция и яркая палитра красок. В центре работы пересекаются сильные диагональные линии (одна из них направлена вправо, вторая образована наклонными лучами солнечного света), заземляя слои сложных мазков и направляя взгляд зрителя через холст. В результате получился захватывающий пейзаж , который излучает чувство глубокой гармонии и благополучия», — так охарактеризовали картину перед торгами специалисты от искусства.

А уже 14 мая состоялись аукционные торги, на которых предварительно оценённый холст кисти знаменитого Моне в 55 миллионов, ушел с аукционной распродажи произведений импрессионистов и модернистов с мировым именем за цену, превышающую заявленную организаторами аукциона ровно в два раза.

"Картина Клода Моне стала бесспорным победителем торгов, получив $110 747 000. Это стало новой рекордной ценой, за которую когда-либо покупали работы этого художника", - из экстренного сообщения аукционного дома Sotheby's сразу же после распродажи. Однако, к сожалению, имя покупателя, который опередил других пятерых участников торгов, длившихся около восьми минут, организаторами названо не было.
Кроме того, это событие стало первым случаем, когда полотно, написанное в манере импрессионизма, ушло с торгов за более чем за $100 миллионов.




Стог сена. (Картина продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 81,4 млн. долларов).

И, что примечательно, за три с половиной года до этих торгов, в ноябре 2016 года, аналогичная работа Моне «Стог сена» ушла с молотка на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 81,4 миллиона долларов, что также оказалось почти в два раза дороже заявленной стоимости. Тогда эта картина стала самой дорогой работой Моне, реализованной когда-либо на публичных торгах. Она также побила рекорд 2008 года, который установил пейзаж импрессиониста «Пруд с кувшинками», проданный за 80,4 миллиона долларов.




Пруд с кувшинками. (1905 год). Холст, масло. 89,5 х 99,5 Автор: Клод Моне. Оценка аукциона: 30–50 миллионов долларов.


Немного о судьбе полотна «Стога сена», проданного на майских торгах
Прекрасная и эффектная серия полотен «Стога сена», состоящая из 25 картин, самая значимая в бесценной сокровищнице наследия мастера, воспевающая красоту лугов в период сбора урожая во французской деревне. Но сегодня хотелось бы остановиться на одной из них, побившей в мае этого года все рекорды.




Берта Оноре Палмер.

Самой первой владелицей полотна была Берта Оноре Палмер, купившая его у дилера Поля Дюрана-Рюэля в 1892 году. За год до этого, увидев это творение Моне на персональной его выставке в Париже, Берта буквально влюбилась в картину. Супруга богатого чикагского бизнесмена не могла удержаться, и приобрела пейзаж при первой же возможности. А со временем еще несколько полотен из этой серии и несколько других работ стали украшением ее коллекции.



Из цикла «Тополя». (1892 год). Автор: К.Моне.

Оставаясь весь остаток жизни восторженной поклонницей творчества Моне, Берте удалось стать владелицей не только восьми холстов «Стогов сена», а и четырех «Тополей», трех «Руанских соборов» и трех пейзажей из серии «Утро на Сене».




Из цикла «Утро на Сене». (1893 год). Автор: К.Моне.




Цикл «Руанский собор». Автор: К.Моне.

После кончины Берты Палмер все собрание работ Моне стало собственностью её сына. И, спустя годы, впервые произведение «Стога сена» появилось на открытых торгах тридцать три года тому назад. Тогда оно было продано за 2,5 миллиона долларов, что было в 44 раза дешевле нежели сейчас. Теперь в истории картины снова произошли судьбоносные перемены...


Бонус.
Полотна Моне, хранящиеся в галереях России.
Думается, что некоторым читателям будет интересно узнать, что в России в ГМИИ им. А.С. Пушкина находятся такие известные полотна, как «Сирень на солнце» (1873) и «Завтрак на траве» (1866), а в Эрмитаже Санкт-Петербурга - картина «Парламент, эффект тумана.




«Завтрак на траве». (1865—1866 гг.) Пушкинский музей, Москва. Автор: Клод Моне.




«Сирень на солнце». (1873 год). Пушкинский музей, Москва. Автор: Клод Моне.




«Парламент, эффект тумана». Санкт-Петербург, Эрмитаж. Автор: Клод Моне.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/280519/43217/