Кто был прототипом леди Винтер из романа Дюма «Три мушкетёра»: Жанна де Ламотт или Люси Хей

Коварная красавица леди Винтер, героиня романа Дюма, никого не могла оставить равнодушным. Несмотря на то, что Миледи была явно отрицательным героем, невозможно было не восхищаться её умом, смекалкой и умением найти выход почти из любой ситуации. А ведь у этой очаровательной шпионки был вполне реальный прототип, как существовала и вполне реальная история с королевскими подвесками. Правда, в качестве прообраза героини романа называют сразу двух женщин.


Жанна де Ламотт


Жанна де Ламотт. / Фото: www.wikimedia.org

Она была дочерью незаконнорожденного сына Генриха II, но насколько близка её история к событиям романа Александра Дюма, сегодня узнать почти невозможно. Семья барышни была очень бедной, однако слухи о родстве с самим королём помогли барышне составить неплохую партию. Жанна вышла замуж за графа де Ламотт и получила вожделенный титул.




Графиня де Ламотт. / Фото: www.twimg.com

При дворе Марии-Антуанетты графиня чувствовала себя вполне комфортно и вскоре смогла завоевать расположение кардинала Луи де Рогана, стала его любовницей и вполне уверенно заявляла, что дружит с самой королевой. На самом деле любовники умело пользовались слухами о дружбе с Марией-Антуанеттой, дабы спокойно проворачивать самые разные аферы и помогать небезызвестному графу Калиостро.




Реконструированное ожерелье королевы. / Фото: www.barnebys.com

Жанна де Ламотт смогла обманным путём завладеть ожерельем, которое было изготовлено Бемером и Бассанжем для одной из фавориток Людовика XV. Правда, выкупить ожерелье король не успел, а ювелиры не смогли продать своё изделие. Жанна каким-то немыслимым образом смогла убедить изготовителей в том, что ювелирное украшение мечтает приобрести королева.




Графиня де Ламотт. / Фото: www.hohotu.ru

Тогда, в 1784 году столица Франции гудела: невероятное ожерелье, в котором было 629 бриллиантов разных размеров, бесследно исчезло. Позже выяснилось, что бриллианты были проданы по отдельности, а само ожерелье так больше никто и не увидел. Именно после ареста на плече у мошенницы появилось клеймо в виде лилии.




Воссозданная внешность Графини де Ламотт. Художник Джордж С. Стюарт. / Фото: www.alchetron.com

Пожизненный срок, к которому приговорили Жанну де Ламотт, эта особа отбывать вовсе не собиралась: ей удалось бежать из заключения. Каким-то образом графиня сумела добраться до Лондона, где занялась написанием мемуаров, а затем, по непроверенным данным, отправилась в Крым, где и нашла последний свой приют. Правда, могилу Жанны де Ламотт или графини де Гаше (имя, под которым она была якобы известна в Крыму) никто так и не смог обнаружить.

На самом деле Дюма-отец действительно увековечил образ Жанны де Ламотт в романе «Ожерелье королевы», он даже не стал менять имя героини.


Люси Хей


Люси Хей, графиня Карлайл. / Фото: www.pinterest.at
Эта женщина обладала поистине невероятным обаянием. Современники называли Люси Хей (графиню Карлайл) ведьмой и были совершенно не в состоянии понять, каким образом камер-фрейлина королевы Англии Генриетты Марии плетёт свои многочисленные интриги и умудряется выходить сухой из воды даже в том случае, когда её вина казалась очевидной.




Люси Хей, графиня Карлайл. / Фото: www.wikimedia.org

Поэты посвящали ей стихи, писатели пытались увековечить её образ в прозе, а Люси Хей (урождённая Перси) благосклонно принимала знаки внимания и умело использовала мужчин в собственных целях. У неё было множество любовников и лишь один позволил себе бросить коварную красавицу. Это был герцог Бекингем, который был в неё когда-то влюблён, а затем попросту бросил, воспылав чувствами к королеве Анне.




Герцог Бекингем. / Фото: www.pinimg.com

История с королевскими подвесками, описанная Александром Дюма в «Трёх мушкетёрах», основана полностью на реальных событиях. Люси Хей действительно знала о подарке королевы Анны герцогу Бекингему, и желала отомстить француженке и своему бывшему любовнику. Срезанные подвески должны были стать неопровержимым доказательством неверности Анны королю. Бекингем же был убит тоже при активном участии Люси Хей.




Люси Хей, графиня Карлайл. / Фото: www.pinimg.com

В романе Дюма Миледи настигает месть мушкетёров, но в реальной жизни графиня Карлайл снова ушла от наказания. Она стала тройным агентом, сотрудничала с королевой, новым парламентом и противниками монархии. Правда, однажды она всё же попала в тюрьму по обвинению в шпионаже и полтора года провела в Тауэре. Но назвать время, проведённое в заключении, настоящим наказанием нельзя.




Люси Хей графиня Карлайл. / Фото: www.pinterest.pt

Графине было позволено принимать посетителей, весьма неплохо питаться, а её обеды со щедро накрытыми столами с дичью, вином и поистине королевскими десертами трудно было назвать тюремной похлёбкой.

Спустя 18 месяцев после ареста Люси Хей была освобождена и доживала свой век в собственном поместье, полностью удалившись от дел и дворцовых интриг. Скончалась она в 60-летнем возрасте.
Несомненно, именно Люси Хей стала прообразом героини романа Дюма.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/260819/43995/

Символизм самого загадочного камня: Женщины с жемчугом на картинах известных художников

Двойственная природа жемчуга вдохновляла художников во все времена: жемчужины веками использовались как атрибуты тщеславия, чистоты, невинности и даже щедрости. Согласно информации Национальной галереи искусств, "символически, жемчуг был связан с тщеславием и мирскими заботами. Тициан, например, окрашивал волосы Венеры, украшенные жемчугом. Они также могут представлять чистоту, как видно из картины Лоренцо Лотто о Святой Екатерине".

В голландской живописи XVII века жемчужины изображены в сережках, ожерельях и браслетах героинь в портретах, исторических картинах и предметах vanitas. Пожалуй, самой известной картиной с жемчугом по праву считается "Девушка с жемчужной сережкой" Яна Вермеера.

Ян Вермеер "Девушка с жемчужной сережкой"
Эта картина, известная как "Северная Мона Лиза", представляет лучшее творение голландского искусства. Ян Вермеер (1632–1675) - один из самых известных художников Золотого века Голландии. Его утонченная техника живописи, эксперименты с оптикой и перспективой, уникальный способ передачи света и поэтический характер его изображений остаются непревзойденными по своей оригинальности и силе воздействия на зрителя. "Девушка с жемчужной сережкой" изображает героиню в роскошном одеянии на темном фоне, который на первый взгляд кажется несущественным. Однако, мастер тени и света Вермеер подобрал фон таким образом, что он прекрасно контрастирует с кремовой кожей модели и полупрозрачными глазами. В дополнение к изысканному сине-желтому тюрбану на мочке уха висит большая жемчужная сережка в форме слезы. Хоть и на первый взгляд эта картина имеет классические характеристики портрета, она на самом деле известна как "тронье" (фантазийный тип портрета, изображающий типаж или темперамент. То есть это принципиально не портрет реального человека, хотя некто вполне мог быть для нее моделью). Героиня картины словно хочет поведать зрителю тайну, но что именно - будет скрыто навсегда. Так же как и не станет известно кто позировал Вермееру. Загадочность и тайный смысл, контраст света и тени, композиционная лаконичность и особая техника живописи - все это характеризует Вермеера и самую известную написанную им картину "Девушка с жемчужной сережкой".



"Девушка с жемчужной серёжкой

Тициан "Леди в белом"
Тицианно Вечеллио (Тициан), самый яркий представитель венецианской школы, использовал яркие цвета в качестве своего основного инструмента выразительности в своем творчестве, в том числе и на своей загадочной картине "Леди в белом". Привлекательная молодая женщина в белом атласном платье, украшенном золотом, драгоценными камнями и жемчугом, на мгновение перестает обмахиваться веером, чтобы встретиться взглядом с наблюдателями. Мастерски написанный свет отражается в ее волосах, блеске ткани платья и пылком румянце щек и губ. Ярким пятном во внешности модели является скромная улыбка, скрытая за ярко-алыми губами. Тайна всегда окутывала личность модели. Кто она? Дочь Тициана Лавиния, возлюбленная или идеализированный образ женской красоты? В письмах мастер венецианского Ренессанса Тициан упоминал элегантную женщину на картине как свое "самое драгоценное существо", но истинная личность "Леди в Белом" остается загадкой и по сей день, что не умаляет красоты полотна, а лишь добавляет ему очарования.



Тициан "Леди в белом"

Франс Халс "Портрет Изабеллы Койманс"
В 1650 году Франс Халс завершил портрет Изабеллы Койманс с двумя нитями жемчуга на запястье и шее, символизирующими чистоту молодой женщины. Халс не отказывается от своего любимого инструмента - отрывочного нанесения краски быстрыми широкими мазками, собирая целые области картины относительно небольшим количеством широких мазков. Взгляд наблюдателя путешествует по просторному кружеву, ленточкам и другим деталям платья к очаровательному лицу девушки. Картина наполнена изяществом и шармом. Франса Халса можно считать одним из великих голландских новаторов начала XVII века.



Франс Халс "Портрет Изабеллы Койманс"

Питер де Хох "Мужчина вручает письмо женщине в прихожей"
В таких работах, как картина Питера Питер де Хоха "Мужчина вручает письмо женщине в прихожей", выполненной в 1670 году, изображен красивый дом у канала, а в нем - богато одетый мужчина вручает письмо женщине с очень большой жемчужной сережкой. Учитывая тусклое окружение, тот факт, что эта серьга так хорошо видна и детально прописана, является необычным и значительным. Художник уделил особое внимание очертаниям его формы и контура. Дневной свет падает на молодую женщину, получающую письмо. Питер де Хох ловко связал интерьер с экстерьером. Эта картина является одним из образцов жанровой живописи. И де Хох были великим мастером этого жанра, как и его коллега Ян Вермеер.



Питер де Хох "Мужчина вручает письмо женщине в прихожей"

Николас Мас "Портрет Анны Хофстрик"
Портрет одного из последних представителей Золотого века голландской живописи Николая Маса в 1660-х годах изображает Анну Хофстрик с изысканным жемчугом в ее волосах и на шее. Одной рукой она придерживает свой платок, а другую опускает в фонтан, что говорит о невинности. Жемчуг и вода долгое время были символами чистоты и женственности, и эта картина подчеркивает целомудрие Анны как прообраз добродетели для молодой незамужней женщины того периода.



Николас Мас "Портрет Анны Хофстрик"


Мадонна с жемчугом
На многих картинах Дева Мария изображена в сопровождении жемчуга, который символизирует чистоту и девственность, и, как правило, на подобных портретах они были идеально круглыми, безупречно белыми и с ярким блеском. Особенно прекрасно отображение этого украшения на картине Карло Кривелли "Мадонна с Младенцем" (его Мадонны всегда в модных одеяниях, с изысканными прическами и роскошными ювелирными украшениями из драгоценных камней) и на полотнах Антонелло да Мессина "Мадонна-Аннунциата" и "Мадонна Салтинг ", где она носит жемчуг в короне и брошках.



Карло Кривелли "Мадонна с Младенцем"



Мадонны Антонелло да Мессина
Таким образом, жемчуг - неувядающий и любимый фаворит женщины не только в прошлые столетия, но и в современности. Он придает нежную романтику ушедшим эпохам и украшает девушек по сей день. Жемчуг прекрасен не только в качестве украшения, но и своим аллегорическим посылом чистоты и невинности.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/260819/43908/

10 исторических личностей, о половой принадлежности которых спорят и сегодня

Переодевание – не маленькая прихоть нового веяния и не индивидуализм современного мира, эта «традиция» восходит к векам, оставляя после себя неизгладимый след в истории, тем самым показывая известных личностей с другой стороны. Ведь если так разобраться, то большинство выдающихся людей были склонны к трансвестизму, и совсем неудивительно, что Жанна д'Арк и Шарль д'Эон попали в этот список. И кто знает, как бы сложилась судьба и во что превратилась бы история, если бы не их странные поступки.


1. Элагабал (204-222)



Император Элагабал.

Под чутким руководством своей тётушки, Элагабал стал римским императором в возрасте четырнадцати лет. И несмотря на то, что мальчишка удостоился такой чести, он продолжал вести себя крайне странным образом. Марк Аврелий Антонин не только удалил все волосы на собственном теле, а и злоупотребляя макияжем, выдавал себя за девушку, переодеваясь в женскую одежду. Ко всему прочему, он испытывал страсть к светловолосому колесничему Иероклу, которого называл своим мужем. А однажды молодой император и вовсе заявил доктору о том, что озолотит его, если тот найдёт способ сделать из него женщину. И несмотря на свои тайные желания и предпочтения, римский правитель был вынужден жениться на жрице, ранее поклявшейся в девственности. И кто знает, как бы сложилась судьба Элагабала в дальнейшем, если бы не его ранняя кончина. Одержимый собственным безумством и жаждой власти, он был убит в возрасте восемнадцати лет во время мятежа, поднятого солдатами. Его тело сбросили в Тибр, наложив запрет на имя Антонин, которое он обесчестил.

2.Франсуа де Шуази (1644-1724)



Аббат Шуази и его легендарная книга Воспоминания трансвестита.

Историки поговаривают о том, что образ Франсуа де Шуази был создан его матерью, которая выдавала собственного сына за девочку вплоть до восемнадцати лет. По одной из версий причина кроется в том, что Шуази с раннего возраста вращался в окружении короля брата – Филиппа I. Возможно, что таким странным образом женщина попросту пыталась уберечь собственного ребёнка от нападок короля Людовика XIV. Или же, если верить другой теории, она наоборот, стремилась тем самым подтолкнуть своего сына в более высокое и статусное общество. Но как бы там ни было, а Франсуа даже после смерти матери продолжал носить женскую одежду, заявляя о том, что мужская ему не к лицу. Вскоре своенравный молодой человек стал настоящей иконой моды и стиля среди дам королевского двора, которые частенько приходили к нему за модными советами. А в 1773 году он опубликовал одну из своих самых громких книг под названием «Воспоминания трансвестита».

3. Мэри Рид (1690 – 1721)



Отчаянная пиратка.

С детства Рид воспитывалась матерью, а в раннем возрасте девочка присоединилась к британской армии, где во время службы столкнулась с пиратами. Решив, что пиратство – её призвание, Мэри, переодевшись в мужчину, присоединилась к группе пиратов, став частью их команды. Постепенно дерзкий и самоуверенный «молодой человек» стал всё больше и больше привлекать внимание женщины-пирата Энн Бонни, которая любой ценой решила заполучить Рид в свои сети. Но каково было её удивление и разочарование, когда перед ней вместо желанного мужчины оказалась женщина. И тем не менее, если верить легенде, то эти двое стали спутниками друг другу на всю оставшуюся жизнь. А в 1720 году они были взяты в плен, став единственными женщинами, когда-либо осуждёнными за пиратство.

4. Кристина королева Швеции (1626-1689)



Отрёкшись от престола, она бежала из родной страны, переодевшись в мужчину.

Король хотел, чтобы его дочь стала сильнее, потому что она была наследницей престола, и поэтому он решил воспитывать её, как мальчика. Он частенько брал её на охоту на медведя, которая в скором времени стала излюбленным занятием Кристины. Она была коронована в возрасте восемнадцати лет, но под постоянным давлением брака и рождения наследника, спустя десять лет после коронации, Кристина, отрёкшись от престола, сбежала из Швеции, переодевшись в мужчину. Проведя несколько дней в таком виде, она свыклась с мыслью о том, что так гораздо проще и удобнее существовать в новом мире. Позже, обратившись к католицизму, она отправилась в Рим, где ей дано было специальное разрешение носить мужскую одежду. Стоит отметить тот факт, что Кристина – одна из немногих женщин, похороненных в церкви Святого Петра в Риме.

5. Дебора Самсон (1760-1827)



Женщина в армии.

Во время американской войны Дебора была призвана в армию под именем своего покойного брата. Переодетая в мужчину, она отчаянно сражалась за родную страну. Получив ранение, девушка просила лишь об одном, чтобы боевые товарищи оставили её на поле боя умирать, лишь потому, что она боялась своего истинного разоблачения. Но сослуживцы, игнорируя её нелепые просьбы, отвезли Самсон в госпиталь, откуда она сбежала, вытащив пулю из бедра самостоятельно. Однако, когда в очередной раз она была госпитализирована, её страшный секрет был раскрыт. Но несмотря на это, ей дали почётное увольнение, и женщина отправилась на гражданку. Она не только вышла замуж, а и родила детей, став любимой женой и счастливой мамой.

Важно! Ко всему прочему стоит отметить тот факт, что Самсон была не единственной женщиной, провернувшей подобную уловку на тот момент.

6. Шарль д’Эон (1728-1810)



Французский шпион и аристократ Шарль д’Эон.

Шарль д’Эон был французским дипломатом и шпионом, засланным в Россию в 1756 году, дабы скрасить отношения между двумя странами. И чтобы осуществить задуманное, он пошёл на меленькую уловку, переодевшись в женщину, став фрейлиной для русских императриц. Пожалуй, он один из немногих людей, чья половая принадлежность до сих пор остаётся загадкой. По одной из версий историки ссылаются на то, что Шевалье на самом деле был женщиной, которая первую половину своей жизни прожила как мужчина, а вторую – уже как женщина, в то время, как другие утверждают, что он был мужчиной, которому нравилось переодеваться в женские одежды.

8. Марина Монах



Марина Монах.

Эта женщина, согласно историческим данным, родилась в V веке на территории Ливана. Вскоре она взяла себе мужское имя Маринос, которое позволило ей присоединиться к её отцу в монастыре и продолжить свою жизнь под мужской личиной. Однако после того, как её отец умер, Марину обвинили в том, что, по словам одной женщины, жившей неподалёку от монастыря, она была беременна от неё. Вместо того, чтобы раскрыть свою личность и оправдать собственное имя, Марина молча понесла наказание. И лишь после своей смерти, когда, наконец, было установлено, что Марина – это женщина, девушка, обвинившая её в зачатии ребёнка, признала свою неправоту.

Интересный факт: любопытно, что Марина была далеко не единственной в своём роде женщиной, что, ведя религиозную жизнь, изображала из себя мужчину. К примеру, по слухам, папа Джоан также был биологической женщиной, однако выдавал себя за мужчину.

8. Ши Пэйпу (1938-2009)



Оперная дива.

Когда мужчине было 26 лет, Ши работал в качестве оперного певца, а также обзавелся поклонником по имени Бернар Бурсико. Являясь послом из Франции в Пекине, Бурсико убедил молодого мужчину в том, что на самом деле он является женщиной, которая по случайной ошибке заперта в мужском теле. Это и стало причиной, по которой они вступили в бурный роман, длившийся свыше двадцати лет. Однако чуть позже Бернара обвинили в том, что он выдал важную информацию о деятельности коммунистической партии. В 1982 году его вместе с Ши арестовывают в Париже и обвиняют в шпионаже. В тот же день Бурсико, боясь волны унижения за связь с мужчиной после раскрытия личности Ши, пытается убить его, перерезав тому глотку. Однако Ши выживает, чем и завершается этот трагический роман.

9. Изабель Эберхард (1877-1904)



Изабель Эберхард.

Девушка родилась на территории Швейцарии, однако вскоре её родители переехали в Северную Африку в 1897 году. Там девочка росла в строгом исламском обществе и начала понимать, что, если она хочет добиться чего-то в жизни, то ей следует идти на хитрости. Поэтому она принимает имя Си Махмуд Эссади и становится исследователем, а также её имя знают, как одного из шпионов, который действовал во время алжирского восстания против Франции. Чуть позже она, всё ещё маскируясь под мужчину, вошла в так называемую суфийскую секту Кадырия, где в конечном счёте посвятила себя жизни святого человека – факира.

10. Жанна д`Арк (1412-1431)



Легендарная Жанна д`Арк.

Пожалуй, это самая известная личность, которая когда-либо существовала и имя которой знает каждый человек. Молодая девушка во время Столетней войны утверждала, что некие голоса с небес приказали ей привести армию к оглушительной победе и выиграть войну. Именно поэтому, чтобы достичь цели, она постриглась под мальчика и оделась, как мужчина, чтобы выполнить свой долг. Отметим, что Жанна оказала немалое влияние на Карла VII, наследника французского престола, что и привело эту страну к победе. После этого Карл VII восходит на престол, а юную, девятнадцатилетнюю девушку арестовывают и обвиняют в мошенничестве и переодевании, после чего сжигают её на костре. Однако справедливость, конечно же, восторжествовала, и вскоре католическая церковь признала Жанну святой и назвала её спасительницей Франции.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/270819/43906/

Какую загадку скрывает «Немая» Рафаэля Санти и почему её сравнивают с «Моной Лизой» да Винчи

Рафаэль Санти - итальянский художник эпохи Возрождения из города Урбино (Италия), прославленный совершенством и технической точностью своих полотен. Вместе с Микеланджело и Леонардо да Винчи он образует троицу великих мастеров той эпохи, а его картину «Немая» ставят в один ряд с легендарной «Моной Лизой» великого да Винчи.


Самый продуктивный художник - Рафаэль Санти
Великолепная живопись Рафаэля, несмотря на его относительно короткую жизнь, была результатом продолжительного обучения. Оно началось с малых лет, когда Рафаэль проводил долгие часы в мастерской своего отца и продолжалось работой во взрослые годы в одной из крупнейших мастерских в своем роде. Таким образом, Рафаэль Санти заработал репутацию одного из самых продуктивных художников своего времени. Хотя он широко известен своими картинами, многие из которых все еще можно увидеть в Ватиканском дворце (комнаты этого дворца с фресками Рафаэля считаются самой большой работой в его карьере), он также был архитектором и печатником. Другими словами, настоящий «человек эпохи Ренессанса».

Его первой задокументированной работой был «Алтарь Барончи» для церкви Святого Николая Толентинского в городке Чита-ди-Кастелло. Он начал писать эту картину в 1500 году и закончил в 1501-м.



Фрагменты «Алтаря Барончи»

«Немая»
Один из лучших портретов Рафаэля под названием «Немая» был написан зимой 1507 года во время пребывания в родном городе. Картина изображает неизвестную женщину на черном фоне. Личность модели является загадкой, но исследования выявили интересные особенности. Под картиной есть более ранняя версия, на которой изображена более молодая женщина в другой одежде. Научные исследования также показали, что золотое ожерелье является более поздним дополнением к портрету. Помимо ожерелья, на женщине три кольца: одно с рубином, другое с сапфиром и третье эмалированное в европейском стиле.



«Немая» (1507-1508)

«Немая» vs «Мона Лиза»
Что интересно, картина подчеркивает некоторые Леонардовские влияния, хотя и нет сомнений, что Рафаэль видел «Джоконду». По приезде во Флоренцию художник в первую очередь изучил творчество своих коллег-предшественников, среди которых наиболее влиятелен, конечно, Леонардо да Винчи. Воодушевившись знаменитой «Моной Лизой», Рафаэль создает свою собственную версию загадочной женщины - портрет «Немая».

Какие же сходства с «Джокондой» есть у «Немой»? Самое главное - это идентичная поза в 3\4 со скрещенными руками и загадочное выражение лица (при взгляде справа налево). Как и в «Моне Лизе» Леонардо да Винчи, перекрывающая рука в "Немой" также представляет атрибут добродетельной женщины. Наличие носового платка - еще один хорошо известный символ благочестия со времен средневековья. Волосы разделены прямом серединным пробором - еще одно сходство с портретом Леонардо.

Отличие от «Моны Лизы» - высочайший уровень написания деталей украшений и одежды. Если на картине Леонардо за спиной «Моны Лизы» изображен природный пейзаж, то фоном «Немой» служит мрак, акцентирующий внимание зрителя прежде всего на героине картины. Темный фон на полотнах Рафаэля можно сравнить с рамкой дорогой картины или футляром драгоценного камня: так и «Немая» не нуждается в дополнительных украшениях, на картине она - главный объект и главная загадка.
Возможная причина названия картины в том, что написанная женщина, как и многие герои портретов Рафаэля, молчит, но сама картина таит в себе загадки и «говорит» со зрителями, рассказывая свою историю. Даже напряженные губы «Немой» указывают на то, что героиня дала обет молчания и хранит тайну какой-то тёмной истории.




«Немая» vs «Мона Лиза»


Личность героини
Относительно личности героини есть версия о том, что это вдова Мария Варано. Как полагают искусствоведы (в частности, итальянист Александр Махов), на идею написания портрета Рафаэля натолкнула случайная встреча во дворце с дочерью «префектессы» Джованны Фельтрия - Марией. Когда Рафаэль приехал под Рождество из Флоренции и приступил к написанию портрета, во дворце проживали три вдовы. Одна из них узнаваема по портрету Емилии Пио (Балтимора, Музей изящных искусств), написанному молодым художником сразу после появления портретов супружеской пары правителей Урбино. Стало быть, речь может идти лишь о вдовых Джованне Фельтрия и её дочери Марии Варано, которой в ту пору было двадцать шесть лет. Есть версия, что во время позирования Марии стало плохо и ее начало тошнить. Художник подал девушке стакан воды. Но то, что было скрыто от матери, не ускользнуло от художника. Интересное положение молодой вдовы и есть возможная тайна «Немой», которая скрыта за ее прижатыми губами.

Какова бы ни была подоплёка создания картины «Немая», Рафаэль внёс ею весомый вклад в традицию итальянского портрета, получившего блестящее развитие в XV. «Немая» представляет собой завершение флорентийского периода творчества художника, в котором проявился известный принцип Платона показывать totus homo — человека во всей его сущностной полноте. Рафаэль не только овладел фирменными техниками искусства Высокого Возрождения, такими как сфумато, перспектива, анатомическая техника, подлинная эмоциональность и экспрессия. Рафаэль также включил в полотна индивидуальный стиль, известный своей ясностью, насыщенным цветом, непринужденной композицией и величием.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/270819/43992/

Клавдия Семеновна не выставлялась

В Медиацентре парка «Зарядье» проходит выставка творчества избранных пенсионеров — дело в принципе хорошее, но даже в ее названии есть неприятный эйджизм



На «Выставке Клавдии Семеновны» в парке «Зарядье». Фото: «Зарядье»

Ольга Кабанова, искусствовед, арт-обозреватель, архитектурный критик, редактор отдела «Новости» The Art Newspaper Russia. Фото: Лена Авдеева

«Выставка Клавдии Семеновны», открытая в «Зарядье», событием художественным не стала. На ней собраны работы профессионалов и любителей, отобранных по возрастному признаку. Есть вещи хорошие (среди участников немало художников), есть приятные. Но рядом с ними достаточно банальных и беспомощных. И кураторство нескольких известных московских художников мало чем помогло большинству экспонентов — что можно успеть сделать за четыре занятия в рамках программы «Московское долголетие» с группой в двенадцать человек? Разве что имена-отчества подопечных выучить. Но это и не обязательно.

«Клавдия Семеновна — это собирательный образ участников „Московского долголетия“», — пишут в пояснении к выставке ее организаторы. То есть всех московских людей, перешедших известные возрастные границы, устроители называют «Клавдией Семеновной». Так больничные санитарки ко всем немолодым женщинам обращаются «бабушка», но и они делают различие по полу подопечных.

На самом деле ни одной бесфамильной Клавдии Семеновны среди участников выставки нет, а есть Альфред Ефимович Затуринский, Светлана Борисовна Павлова, Ольга Васильевна Огаркова, Эльза Дмитриевна Линюк и другие счастливые люди, достаточно здоровые и энергичные, чтобы писать акварели и маслом, фотографировать и делать декоративные объекты.

Славно, что «13 тысяч москвичей старшего возраста регулярно посещают занятия «Московского долголетия» по направлениям «Рисование» и «Художественно-прикладное творчество», как сообщается на сайте парка. Не страшно, что выставка, конечно, показуха, как без нее. Пусть повезло только нескольким десяткам из этих 13 тысяч поработать вместе с современными художниками, получить новый опыт и новые впечатления, публично выставить свои работы и повстречаться на вернисаже с Никасом Сафроновым. Пряников сладких все равно не хватит на всех. И денег, потраченных на выставку, не жаль, их к пенсиям не добавишь.

На «Выставке Клавдии Семеновны» в парке «Зарядье». Фото: «Зарядье»

Но есть вопросы. При чем здесь анекдотическая «Клавдия Семеновна», пресловутая «бабушка у подъезда»? Разве художники, опытные и начинающие, — не ее антиподы? Почему выставку надо представлять вот таким малоудачным образом: «В процессе подготовки было использовано 353 баночки с краской, 160 кистей, 91 холст, 82 палитры, 65 мягких игрушек, 2 манекена, 2400 строительных скоб, 11 молотков и 50 листов наждачной бумаги». Скобы понадобились участникам группы Петра Быстрова, занятым «скобогравюрой». Мягкие игрушки — инструмент подопечных Ростана Тавасиева. Холсты предназначались для живописцев, ими руководил Константин Тотибадзе. Ну и без наждачной бумаги, понятно, не обойтись.

Эйджизм — дискриминация по возрасту — проявляется не только в нежелании брать немолодых людей на работу, но и в делении людей по возрасту, в обобщении «пенсионеры» без различия не только личностей, но даже пола.

И почему, кстати, в устроенном в рамках выставки массовом сеансе расписывания керамических тарелочек (курировал Миша Most) не могли участвовать дети, юноши и девушки? Возрастная дискриминация молодых или возрастная резервация для старших?

«Выставка Клавдии Семеновны». Выставочный зал Медиацентра парка «Зарядье». До 9 сентября. Вход свободный. 

http://www.theartnewspaper.ru/posts/7232/

Лондонская Национальная галерея хочет купить шедевр Джентилески

Если сделка состоится, картина Орацио Джентилески «Нахождение Моисея» стоимостью несколько десятков миллионов фунтов станет самым дорогим приобретением какого-либо из британских музеев за последнее десятилетие



«Нахождение Моисея» Орацио Джентилески находится во временном пользовании лондонской Национальной галереи с 2002 г. Фото: Alex Segre; Shutterstock

Лондонская Национальная галерея, вероятно, купит поздний шедевр Орацио Джентилески «Нахождение Моисея», который сейчас экспонируется в музее. Картину предоставил музею во временное пользование анонимный частный коллекционер. По всей видимости, это Грэм Киркхем, основатель компании DFS, специализирующейся на продаже диванов и другой мягкой мебели.

74-летний миллиардер сейчас распродает часть своей коллекции. На торгах Sotheby’s 3 июля он анонимно продал пять произведений старых мастеров —Гейнсборо, Лиотара, Лисса, Риберы и Юттеваля — на общую сумму £26 млн. Sunday Times в последнем списке самых богатых людей Великобритании оценивает его состояние в £1,15 млрд.

Киркхем купил «Нахождение Моисея» (начало 1630-х) Джентилески в 1995 году на торгах Sotheby’s из коллекции замка Говард, йоркширского родового поместья семейства Говардов. Он заплатил за картину £5 млн — по тем временам это была очень большая сумма. Известно, что незадолго до торгов Национальная галерея пыталась договориться о покупке произведения, но безуспешно.

Нынешний ценовой рекорд Джентилески был установлен три года назад на Sotheby’s, когда его картина «Даная» (меньше размером, тем не менее весьма важная) была продана за $30 млн. Это позволяет предположить, что стоимость «Нахождения Моисея», очень большой работы трехметровой ширины, на сегодняшний день может составлять несколько десятков миллионов фунтов.

У Национальной галереи есть доступ к средствам ее «Американских друзей», основным источником которых является эндаумент Дж. Пола Гетти; кроме того, она может обратиться к благотворительной организации Art Fund, помогающей государственным музеям делать приобретения. Собирать необходимую сумму самостоятельно ей было бы трудно, хотя налоговые льготы, связанные с продажей произведения государственному музею, могут снизить его стоимость.

Если сделка все-таки состоится, картина Джентилески, видимо, станет самым дорогим приобретением какого-либо из британских музеев с тех пор, как лондонская Национальная галерея и Национальные галереи Шотландии совместно купили два полотна Тициана, изображающих богиню Диану.

Картина «Нахождение Моисея» на библейский сюжет о дочери фараона, нашедшей в реке корзину с младенцем Моисеем, — позднее произведение Орацио Джентилески (1563–1639), итальянского последователя Караваджо, знакомого с ним по Риму. У полотна очень убедительный провенанс. В 1626 году Джентилески переехал в Лондон по приглашению герцога Бекингема, первого министра короля (художник приехал вместе с дочерью Артемизией — сейчас одной из самых востребованных «старых мастериц»). Карл I заказал «Нахождение Моисея» для своей жены Генриетты-Марии на рождение их сына, будущего Карла II. Королева повесила картину в Большом зале Квин-Хауса в Гринвиче.

После падения монархии картина покинула королевскую коллекцию, однако в 1660 году ее вернули Генриетте-Марии. Затем полотно вывезли во Францию, где позднее оно вошло в собрание Филиппа I, герцога Орлеанского. В 1798 году «Нахождение Моисея» было выставлено на продажу в Лондоне (как работа Веласкеса) вместе с другими произведениями из герцогской коллекции и приобретено для замка Говард, где затем и находилось на протяжении почти 200 лет.

В 1999 году в Национальной галерее прошла выставка, посвященная «Нахождению Моисея». Ее организовал Габриэле Финальди, в то время работавший в музее куратором, а с 2015 года занимающий пост его директора. Между этими двумя должностями он успел поработать заместителем директора в мадридском Прадо, в собрании которого находится более поздняя версия картины Джентилески, подаренная Филиппу IV. Неудивительно, что Финальди играет ключевую роль в предстоящем приобретении. 

http://www.theartnewspaper.ru/posts/7240/

Лирический пейзаж Николая Ромадина в эпоху соцреализма

Ретроспектива классика советского искусства открывается в фонде IN ARTIBUS
Анна Савицкая



Николай Ромадин. «У ларьков». 1938. Фото: In Artibus Foundation

Выставка «Живопись Николая Ромадина из частных собраний Москвы и Санкт-Петербурга» в московском фонде IN ARTIBUS представляет советского классика не только как виртуоза русского лирического пейзажа, но и как автора менее известных экспериментальных работ ­1930-х годов, близких к эстетике модернизма. Николай Ромадин (1903–1987) — один из самых титулованных советских пейзажистов: академик и народный художник СССР, кавалер орденов Ленина и Трудового Красного Знамени, лауреат Государственной и Ленинской премий, а также Сталинской премии второй степени за серию пейзажей «Волга — русская река» (1946). В то же время выбор пейзажа как основного жанра освободил художника от необходимости доказывать свою лояльность власти и патриотизм картинами на тему колхозных праздников, портретами вождей и ударников труда в духе соцреализма. Сохранилась всего одна работа Ромадина в жанре советской тематической картины — «Вечеринка. Рассказ летчика» 1939 года, которую также можно увидеть на выставке в фонде. Другие подобные произведения сам художник уничтожил в конце 1930-х годов, когда окончательно утвердился в роли пейзажиста.

Первая персональная выставка Ромадина состоялась в 1940 году, среди ее посетителей был и тогдашний живой классик Михаил Нестеров. Знакомство с Нестеровым оказало на Ромадина огромное влияние. После их встречи он записал в дневнике: «Я русский и должен посвятить себя России, а не аморфному человечеству». Художник много путешествовал по Советскому Союзу — от Карелии с ее суровой красотой, девственными лесами и холодными озерами до гор Северного Кавказа. Отдельные циклы посвящены Волге и ее притокам, Сенежскому озеру, есенинским местам в Рязанской области.

Николай Ромадин. «Нарядная зимка». 1945. Фото: In Artibus Foundation

Важная особенность живописи Ромадина — постоянный диалог, а порой и прямые цитаты из работ классиков русского пейзажа, прежде всего из хрестоматийных произведений Михаила Нестерова и Исаака Левитана, а также мастеров Союза русских художников.

Однако была в творчестве Николая Ромадина еще одна грань, которая связывала его с актуальным художественным процессом 1920–1930‑х годов. Ромадин не только продолжатель традиций русской пейзажной школы рубежа XIX–ХХ веков, но и выпускник ВХУТЕМАСА-ВХУТЕИНА, где его учителями были Александр Древин, Илья Машков и Роберт Фальк (последний очень высоко ценил способности своего ученика). В числе 80 работ Николая Ромадина из частных российских коллекций в фонде IN ARTIBUS выставлены и ранние, мало известные произведения художника, в которых прослеживается его вхутемасовская выучка.

Фонд IN ARTIBUS
Живопись Николая Ромадина из частных собраний Москвы и Санкт-Петербурга
С 27 августа по 10 ноября 2019 

http://www.theartnewspaper.ru/posts/7230/

«Мадонна делла Лоджиа» Боттичелли приехала в Россию

Сначала картину покажут на Дальнем Востоке, затем шедевр эпохи Ренессанса отправится в Санкт-Петербург



Сандро Боттичелли. «Мадонна делла Лоджиа». Фото: Le Gallerie degli Uffizi

Картину «Мадонна делла Лоджиа» Сандро Боттичелли из собрания Галереи Уффици перед длительными российскими гастролями ненадолго привезли в Москву, в посольство Италии в России. Потом она отправится во Владивосток, где ее можно будет увидеть на стенде Сбербанка на V Восточном экономическом форуме (4–5 сентября), затем полотно выставят в Приморской картинной галерее (8 сентября — 6 ноября) и в финале в Государственном Эрмитаже в рамках Санкт-Петербургского международного культурного форума (17 ноября — 16 февраля).

«Россиянам не нужно объяснять, кто такой Боттичелли, потому что его образ ярко присутствует в русской литературе и прежде всего ассоциируется с образами женской красоты, которые присутствуют в текстах самых разных поэтов и писателей, от Анны Ахматовой до Сергея Довлатова», — сказал, представляя картину, посол Италии в России Паскуале Терраччано.

«Мадонна делла Лоджиа» — одна из ранних работ Боттичелли. Любопытно, что в этом изображении Девы Марии он следует византийскому иконографическому типу, известному как «Богоматерь Гликофилуса», то есть той же самой иконографии «Умиление», к которому принадлежит «Богоматерь Владимирская». По словам директора Галереи Уффици Айке Шмидта, именно поэтому для показа в России была выбрана эта картина Боттичелли, а не другая работа какого-либо другого великого живописца.

«Символическая нагрузка этой иконографической схемы: любовь, привязанность — это то, что должно лежать в основе культурных и экономических обменов между нашими странами», — отметил Шмидт. Он сказал, что еще одна причина, по которой в России решили показать «Мадонну делла Лоджиа», — то, что Боттичелли является выражением открытости, которая стала отличительной чертой собирательской деятельности могущественной семьи Медичи, которую они начали в 1470-х годах и стали, по сути, первыми европейскими коллекционерами и инициаторами открытия Галереи Уффици. 

http://www.theartnewspaper.ru/posts/7229/

За что в Средневековье прокляли понтифика и казнили его труп

Старинные нравы порой поражают современных людей изощренной жестокостью и одновременно богатой фантазией. Казнь преступников, например, тысячу лет назад считалось развлекательным и поучительным зрелищем, вполне подходящим и для детских глаз. Порой даже заранее наступившая смерть преступника не была достаточным обоснованием для отмены ожидаемого народом кровавого шоу.

Пожалуй, самым известным подобным случаем, сохранившемся в исторических документах, является «Трупный синод». Это неоднозначное событие произошло в январе 897 года в Риме. Церковный трибунал судил, а затем казнил бывшего папу. Уникальность события состояла в том, что понтифик Формоз за девять месяцев до этого умер. Для того, чтобы он мог предстать перед судом, труп бывшего римского владыки эксгумировали и посадили на трон. Преемник – папа Стефан VI, допросил своего предшественника, при этом труп, как ни странно, ему отвечал (правда голосом дьякона, стоявшего за креслом с покойником).




Папа Формоз.

Формозу обвиняли в очень серьезных проступках: вероломство, переход с одной епископской кафедры на другую в обход установленного Никейским собором запрета, совершение им, мирянином, религиозных таинств и венчание на царство в Риме «незаконнорожденного» короля Арнульфа. Последнее обвинение и было как раз причиной всей этой жутковатой комедии – при жизни папа немного «заигрался», поддержав представителя династии Каролингов, но не успел довести это дело до конца. Поэтому после его смерти новым претендентам на римский трон потребовалось официальное подтверждение своих прав. Для этого суд признал Формозу виновным, избрание его папой было объявлено недействительным, указы отменены, а пальцы, которыми он совершал крестное знамение, были отрублены.

Дальше тело несчастного папы еще неоднократно подвергалось разнообразным экзекуциям: его протащили по городу, закопали в общей могиле для чужестранцев, а затем еще и утопили в Тибре. Однако именно в этот момент в городе произошло землетрясение, часть храмов была разрушена, и народ, решивший, что это кара за оскорбление останков, взбунтовался. Папе Стефану это стоило трона и жизни, а его преемник несчастного Формозу не только реабилитировал, но и якобы захоронил тело со всеми почестями (исторические источники не описывают подробно, где и как эти останки были вновь найдены).

«Трупный синод» был далеко не единственным подобным судилищем. Допросы и казни уже умерших людей в средние века иногда случались в разных странах и городах. Например, непреклонны судьи были к самоубийцам. Общество и церковь настолько порицали их, что трупы не только не хоронили в освященной земле, но и могли подвергать посмертным судам. Так, 20 февраля 1598 года в Эдинбурге прошло разбирательство с горожанином Томасом Добби. Несчастный утопился в карьере, и после того, как тело достали из воды, его сначала поволокли в суд. Там подсудимого допросили с пристрастием, после чего он, судя по всему, сознался в сговоре с дьяволом (у инквизиции, как известно, и мертвые могли разговориться). В результате его приговорили к повешению и привели приговор в исполнение на следующий день. Вероятно, в назидание другим, чтобы они не думали, что на том свете можно спрятаться от ответственности.

Очень громким стало дело ученого и философа Джона Уиклифа. Этот знаменитый общественный деятель успел за время жизни очень насолить церкви, требуя реформ. Он, кстати, считается предшественником протестантизма. Все это ему припомнили аж через 40 лет после смерти, в мае 1415 года. По решению Констанцского собора останки философа были эксгумированы и публично сожжены:

«Святой собор заявляет, определяет и выносит приговор Джону Уиклифу как отъявленному еретику, который умер утвержденным в своей ереси. Собор проклинает его и осуждает воспоминания о нем. Собор также постановляет и предписывает, чтобы его тело и кости, если они могут быть распознаны среди тел других верных людей, были извлечены из земли и выброшены подальше от церковных кладбищ согласно установленным канонам и законам».



"Сжигание костей Джона Уиклифа", гравюра из книги Foxe's Book of Martyrs (1563 г.)

Еще одним классическим примером посмертного наказания стала казнь тела Оливера Кромвеля в Лондоне в мае 1659 года. Мрачное предание говорит о том, что при жизни руководитель Английской революции, въезжая триумфально в Лондон через толпу ликующих людей, произнес фразу, ставшую пророческой: «Если бы меня везли на эшафот, зевак было бы не меньше». Когда колесо истории развернулось и через год после смерти Кромвеля и на английский престол взошел сын казненного короля Карл II, решено было всенародно осудить бывшего героя. Тела Оливера Кромвеля и двух его соратников эксгумировали, провезли по Лондону и повесили в Тайберне. Головы цареубийц затем были выставлены на всеобщее обозрение около Вестминстерского дворца. Интересно, что череп Кромвеля при этом был похищен, несколько столетий этот раритет скитался по частным коллекциям, пока, наконец, его не захоронили, но произошло это только в 1960-м году.




Казнь тел Кромвеля, Брэдшо и Айртона в Тайберне

Удивительно, но подобные расправы над телами случались и в более поздние времена. Один из последних подобных случаев был зафиксирован уже в 1811 году, тоже в Лондоне. Джон Уильямс - преступник, злодейски уничтоживший две семьи, обманул ожидания горожан и повесился в тюрьме в ночь перед казнью. Власти решили не лишать народ долгожданного развлечения, тем более что это грозило волнениями, и провели положенную экзекуцию над телом убийцы. Его сначала повесили, затем вколотили в сердце осиновый кол, а затем для надежности еще сожгли. Таким образом эта дикая традиция просуществовала вплоть до «просвещенного» XIX века.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/220819/43971/

Парадоксы Энрико Карузо: В чем упрекали легендарного тенора, и чего он не мог простить родному Неаполю

Имя легендарного итальянского оперного певца Энрико Карузо знают во всем мире – он обладал голосом редкого тембра, спел ведущие партии более чем в 80 операх, выпустил около 260 записей и попал в Книгу рекордов Гиннесса как первый в истории грамзаписи исполнитель, чья пластинка разошлась миллионным тиражом. Удивительно то, что в своем родном городе он поклялся никогда не выступать и в Неаполе получил признание только после смерти…




Певец в молодости | Фото: 24smi.org
Энрико Карузо был родом из Неаполя, но на долгие годы вычеркнул этот город из своей памяти. Он появился на свет в бедной многодетной семье. 3 класса начального образования Энрико получил в церковно-приходской школе, где песнопениям уделялось больше внимания, чем наукам. К 14 годам Карузо уже стал первым альтом в церковном хоре, но его отец, работавший механиком и литейщиком, хотел, чтобы сын был продолжателем его профессии, и с 11 лет отдал его в ученики к инженеру, который строил городские фонтаны.




Певец в сценических образах | Фото: 24smi.org, uznayvse.ru
Однако музыка с юных лет стала смыслом его жизни. Энрике работал уличным певцом, давал концерты на итальянских курортах, самостоятельно разучивал оперные арии и мечтал о большой сцене. Дебют Карузо в неаполитанском театре завершился полным провалом – его освистали. Это был первый удар, который нанес ему родной город.




Один из самых известных уроженцев Неаполя Энрико Карузо | Фото: 24smi.org



Певец в сценических образах | Фото: 24smi.org
Впрочем, неудачи его не остановили – он продолжал брать уроки вокала, выступал в провинциальных театрах, а в 27 лет подписал контракт со знаменитым итальянским оперным театром «Ла Скала». В европейских и американских столицах ему рукоплескала восторженная публика. Миланские музыкальные критики писали о нем как о «твердо определившемся теноре, обладающем большим дыханием, сочным, сильным голосом, свободно звучащим на верхах, выразительным, полным жизни и красок, обаяния и драматизма». В популярности с ним тогда мог соперничать только Федор Шаляпин, который не только выступал с ним на одной сцене, но и стал его другом.




Певец в сценическом образе | Фото: 24smi.org
Карузо планировал вернуться в Неаполь триумфатором, певцом, признанным во всем мире. Он даже согласился выступить на родине бесплатно. Однако его снова ожидало жестокое разочарование – местные аристократы приняли его очень прохладно, ведь он не посчитал нужным раскланяться с ними перед выступлением. Его освистали в самом начале спектакля. После этого Карузо поклялся не выступать на родине. Но это было не самое последнее и не самое большое несчастье, которое принес ему Неаполь.




Один из самых выдающихся оперных певцов ХХ в. Энрико Карузо | Фото: 24smi.org
Его тембр был таким уникальным, что еще при жизни певца появилось немало легенд о его выступлениях. Говорили, однажды Карузо взял такую высокую ноту, что разбил висевшую рядом люстру. Это звучало бы совсем невероятно, если бы не наблюдения одного американского исследователя, который зафиксировал в голосе певца столько вибраций в секунду, сколько в принципе вполне достаточно для того, чтобы лопнуло оконное стекло. Его голос объемом в 2,5 октавы поражал слушателей всего мира. В Европе его называли величайшим певцом, «королем бельканто», «златоголосым Орфеем», «рыцарем оперной сцены».




Один из самых известных уроженцев Неаполя Энрико Карузо | Фото: 24smi.org


Даже будучи признанной звездой оперной сцены, Карузо нередко слышал упреки и насмешки в свой адрес. Они касались прежде всего его внешних данных – маленького роста, «внешности трактирщика», «смешных усов», «рук кузнеца» и т. д. Больше всего его не щадили неаполитанцы, которые говорили о нем: «Когда он поет, нужно закрыть глаза и открыть уши». Другие упреки касались его актерского таланта. Одни критики называли его непосредственным и экспрессивным, а другие обвиняли в полном отсутствии актерских навыков. Наверное, лучшим ответом на это были слова Федора Шаляпина о Карузо: «За те ноты, ту кантилену, ту фразировку, которой обладает великий певец, вы обязаны простить ему все».




Легендарный итальянский оперный певец Энрико Карузо | Фото: 24smi.org
Итальянскую публику оперные певцы и сегодня называют самой искушенной, требовательной и капризной. Однако на критику Карузо, как истинный неаполитанец, умел реагировать с юмором. Однажды во время его выступления кто-то из недовольных слушателей запустил в певца кочаном капусты. «Я вижу, кто-то уже потерял голову от моего пения», – парировал Карузо. Он никогда не страдал звездной болезнью. Его вторая жена, американка Дороти, писала о нем: «В жизни Карузо был добрым, простодушным, немного наивным, совсем не таким, каким его представляют люди, сотворившие из него легенду».




Энрико Карузо и его вторая жена Дороти Парк Бенджамин | Фото: 24smi.org



Один из самых известных уроженцев Неаполя Энрико Карузо | Фото: 24smi.org
В первую половину жизни он действительно был открытым, добродушным и жизнерадостным. Но когда он достиг всего в профессии, певец пережил катастрофу в личной жизни: от него ушла его первая жена – оперная певица Ада Джакетти, и Карузо начал меняться. Хотя он сам не хранил ей верность, измена жены стала для него тяжелым ударом. После расставания с Адой Карузо часто пребывал в депрессии. А когда он впадал в уныние, закрывался у себя в комнате и тихонько напевал песни родного Неаполя. Каждый свой концерт он завершал именно этими песнями, которые навсегда стали частью его души.



Певец в сценических образах | Фото: 24smi.org



Один из самых известных уроженцев Неаполя Энрико Карузо | Фото: italy4.me
После этого у певца начались проблемы с голосом: на связках образовался узел, потом голос ненадолго пропал. К тому же он всю жизнь любил крепкие сигары и не собирался расставаться со своей вредной привычкой. Ему советовали вернуться в Италию, чтобы неаполитанский морской воздух восстановил его дыхательную систему. Энрико приехал в Неаполь, где сам воздух заставлял его петь прямо на улицах, но в оперном театре он больше не выступал. К сожалению, проблемы со здоровьем были уже необратимыми – он перенес несколько операций на легких в Америке, а затем снова вернулся в Неаполь. Спустя 2 недели легендарный певец скончался. Ему было всего 48 лет. Он сдержал свое обещание – не возвращался в родной город, чтобы петь, но приехал туда, чтобы умереть. Неаполь принял его только после смерти.




Один из самых выдающихся оперных певцов ХХ в. Энрико Карузо | Фото: 24smi.org
Когда однажды Энрико Карузо спросили о том, какие качества необходимы для того, чтобы стать великим певцом, он ответил: «Надо иметь широкую грудь, большой рот, отличную память, ум, много труда и еще кое-что в сердце…». Наверное, это сердце вмещало многое, ведь голос Карузо и 98 лет спустя после ухода певца заставляет трепетать миллионы сердец…




Легендарный итальянский оперный певец Энрико Карузо | Фото: i-fakt.ru
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/230819/43977/