Очаровательные коты на портретах в стиле Ван Гога, Пикассо и других знаменитых художников




Чтобы найти свой стиль и авторский почерк, некоторые художники на различные творческие эксперименты тратят целые годы. А иным - и жизни мало. Молодая художница из Болгарии Веселка Велинова решила процесс поисков превратить в занимательное занятие, объединив два своих любимых увлечения: одно из которых - это живопись, а второе - страсть котам. И, что из этого эксперимента вышло, далее - в обзоре.

Талантливая болгарская художница, иллюстратор и дизайнер Веселка Велинова (Veselka Velinova) живет и работает в Софии. Она профессионально рисует уже второй десяток лет, и за это время выработала свой собственный стиль. Работая над самыми различными проектами, от книжных иллюстраций до компьютерных игр, Веселка в свободное время рисует для души. И, чтобы усовершенствовать свои навыки, девушка периодически пробует стили живописи художников с мировым именем — от Пикассо и Ван Гога до Кандинского и Шагала.




Веселка Велинова (Veselka Velinova) - болгарская художница.

Стоит отметить, что творческие эксперименты - это конек Веселки Велиновой. В результате очередной оригинальной идеи и художественного замысла в ее творчестве появился невероятный цикл работ из 12 картин с кошками, каждая из которых нарисована в художественном стиле, присущем известному мастеру прошлого или целому направлению в искусстве.

«Еще пока я была в университете, - вспоминает студенческие годы Веселка Велинова. – «История искусства» был довольно скучным предметом, но преподаватель представила его очень интересно, и я поискала информацию о художниках, видах стилей, хотела изучить их более детально, как технику, так и образ мышления. Вот и решила попробовать. Я выбрала именно кошек, потому что думаю, что их можно нарисовать в любом стиле. Я видела взъерошенных котов с ободранными носами, похожих на картины Пикассо, любвеобильных кошек, как на картине Климта… Поэтому я и считаю их самыми подходящими».

Вдохновившись работами мастеров прошлого века, молодая художница создала свой цикл картин, в котором изобразила котов, придерживаясь стилей знаменитых художников и направлений живописи — от футуризма до натурализма. Она постаралась использовать не только художественный стиль и манеру исполнения каждого из них, а и отразить технические приемы, характерные каждому художественному периоду. Для своих картин Веселка использовала акварель, темперу и коллаж, в зависимости от того, что наиболее соответствует стилю художника.

Ее веселый котогид по мировой живописи позволит многим непосвященным зрителям разобраться с тем, чем разные стили художественного искусства отличаются друг от друга.

А насколько хорошо это получилось у болгарской художницы - судите сами.


1. Кот в стиле Винсента Ван Гога




Кот в стиле Ван Гога.

В своей работе художница процитировала два полотна гениального живописца - «Звездная ночь» и «Полуденный отдых». Винсент Ван Гог работал в стиле постимпрессионизма, который зародился во Франции, начиная со второй половины 1880-х, развивался до начала XX века.




«Звездная ночь». Автор: Винсент Ван Гог.

Что любопытно, живописцы этого направления отказывались изображать только зримую действительность - как натуралисты, а также сиюминутное впечатление - как импрессионисты. Они стремились изображать окружающую среду, "подражая природе", и вместе с тем, прибегая к декоративной стилизации.




«Полуденный отдых».Автор: Винсент Ван Гог.


2. Кот в стиле Жоана Миро



Кот в стиле Жоана Миро.

Направление его творчества — абстрактное искусство. Миро также близок к сюрреализму, работы художника похожи на бессвязные детские рисунки и содержат фигуры, отдалённо похожие на реальные предметы.




Абстрактное искусство от Жоана Миро.


3. Коты в стиле Густава Климта.
Идея создания этих романтических стилизованных котиков определенно взята с полотна Густава Климта "Поцелуй". Климт был одним из самых популярных художников, представлявших стиль модерна, возникшего и получившего свое развитие в первой четверти XX века.




Коты в стиле Густава Климта.

Широко известный австрийский художник, был основоположником модерна в австрийской живописи. Главным предметом его работ было женское тело, которое отличает откровенный эротизм.




«Поцелуй». Автор: Густав Климт.


4. Кот в стиле Василия Кандинского


Кот в стиле Василия Кандинского.

Василий Кандинский - русский художник и теоретик изобразительного искусства, стоявший у истоков абстракционизма первой половины 20 столетия. Вероятно, его картина «Два овала» и послужила источником для вдохновения болгарской художницы.




«Два овала».


5. Кот в стиле Пабло Пикассо




Кот в стиле Пабло Пикассо.


Пабло Пикассо - испанский и французский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма, в котором трёхмерный объект изображался в оригинальной манере как ряд совмещённых воедино плоскостей.




Сидящая женщина. Автор: Пабло Пикассо.


6. Кот в стиле Марка Шагала



Кот в стиле Марка Шагала.

Марк Шагал - белорусский и французский художник, один из самых известных представителей художественного авангарда XX века. К слову сказать, образы людей часто летают на картинах Шагала. Особенно ему нравилось отправлять в полет влюбленных. Художник как будто буквально воплощает метафору посредством красок: «летать от счастья».




Над городом. Автор: Марка Шагал.


7. Кот в стиле Жоржа Сёры



Кот в стиле Жоржа Сёры.

Жорж Сёра - французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием «пуантилизм». Превосходнейший стиль француза вдохновил Веселку, и она "процитировала" его полотно «Сена близ Гранд-Жатта весной». И, что любопытно, по словам художницы - самым большим вызовом из всех стилей для нее стал именно «пуантилизм».




«Сена близ Гранд-Жатта весной».

А вот далее последуют работы Велиновой, не относящиеся к технике, которую принято ассоциировать только с одним мастером. На их создание болгарскую художницу, вдохновили целые направления искусства: футуризм, натурализм, поп-арт.


8. Египетское искусство



Кот в древнеегипетском стиле.


9. Стиль поп-арт



Кот в стиле поп-арт.


10. Японское искусство




Кот в японском стиле.


11. Натурализм



Кот в стиле реализма.


12. Футуризм



Кот в стиле футуризма.

Выставляя на суд зрителей свои работы, Велинова сказала: «Я постаралась в каждой работе воссоздать художественный стиль и самые яркие идеи живописца и технические подходы каждого периода в живописи. Ох, а еще я безумно люблю кошек! Надеюсь, что они понравятся и вам.»

Разумеется, что художница на этом эксперименте не остановилась, и продолжает экспериментировать дальше: «Я решила сделать картину по Сальвадору Дали, картину китайской кистью, что для меня будет большим вызовов, так как это очень трудная техника, я хочу попробовать и гравюру. Попытаюсь пересоздать также стиль болгарского художника Владимира Димитрова-Майстора». А нам лишь остается пожелать молодому таланту удачи в творчестве...
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/260220/45552/

Как автор «Собаки на сене» придумал собственную версию «Ромео и Джульетты» : Хэппи-энд по-испански от Лопе де Вега



Об историях любви – счастливой и несчастной, о муках ревности и ненависти Лопе де Вега, автор «Собаки на сене», знал не понаслышке, как, впрочем, знал он и о мести разгневанных родственников возлюбленной, изгнании из родного города и ратных подвигах. Потому, наверное, и пьесы у него получались настолько живыми и человечными, искренними, что даже спустя много веков они остаются желанным материалом для режиссеров и киносценаристов. Правда, его собственные «Ромео и Джульетта» остаются в тени, сильно уступая в популярности английскому варианту, несмотря на жизнеутверждающий и счастливый финал.


Кто подсказал Шекспиру идею трагедии о любви и при чем тут испанец Лопе де Вега





Шекспировской истории о Ромео и Джульетте - немногим более четырехсот лет; другие литературные версии этой драмы значительно старше

Не секрет, что Шекспир воспользовался для своей знаменитой трагедии готовым сюжетом: историю двух влюбленных, разлученных враждующими семьями и из-за этого в конечном итоге погибающих, рассказывали задолго до англичанина. По всей видимости, возникла она как народный итальянский фольклор, хотя почти каждый из авторов, создавших новеллу или пьесу по мотивам этой легенды, преподносил ее как часть собственной биографии, относя себя к числу участников событий – разумеется, выживших, а потому – не главных.




Сюжет зародился в Италии - не то как фольклор, не то увековечив реальную историю трагической любви

Первым известным произведением стала новелла Мазуччо Салернитано о влюбленных Мариотто и Ганоцце из города Сиена. Написана она была еще в 1476 году – более чем за столетие до появления на свет шекспировской пьесы. А вот Луиджи да Порто, воплотивший тот же сюжет, создал свою версию, весьма близкую к той, которую знает сейчас мир, в 1524 году – дело происходило уже в Вероне, а главные действующие лица носили имена Ромео и Джульетта, а фамилии – Монтекки и Капулетти – кстати, они были взяты автором из текста «Божественной комедии Данте».




Все авторы, кроме Лопе де Веги, обрекали героев на гибель

Позже появилась пьеса Маттео Банделло – на ту же тему, а в 1562 году о «Ромеусе и Джульетте» написал англичанин Артур Брук. И вот пришел через испанца. Насчет того, который из ведущих драматургов своей страны – Шекспир или де Вега – первым воплотил в тексте этот сюжет, а кто был вдохновлен работой другого, среди литературоведов все еще ведутся споры. Все же большинство ученых сходятся на том, что гениальный англичанин и гениальный испанец творили независимо друг от друга, основываясь на давней легенде, а сходства в двух произведениях обусловлены лишь тем, что гении часто мыслят схоже, а то и одинаково.


Лопе де Вега, испанский драматург и поэт




Лопе де Вега

В том, что Лопе де Вега действительно был гениальным автором, возможно, лучшим в своей родной Испании, сомневаться трудно; его проза и поэзия, как настоящие шедевры, прошли проверку временем. За всю свою жизнь де Вега создал, по версии некоторых его биографов, чуть менее двух тысяч пьес (другие считают это литературное наследие все же несколько скромнее), до наших дней дошли чуть менее пятисот: не все тексты драматурга были опубликованы при его жизни, а автографы большого числа рукописей оказались утраченными.
История литературного успеха и долгой славы Лопе де Вега связана с несколькими причинами, во-первых, с тем, что его семья постаралась дать сыну максимально лучшее образование. Отец, Феликс де Вега, занимался швейным ремеслом и мечтал выбиться в люди и обеспечить сыновьям блестящее будущее. Дворянский титул он выкупил, как только появилась такая возможность.




Дом в Мадриде, где жил де Вега

Родился Лопе де Вега в 1562 году в Мадриде. В возрасте пяти лет он уже читал и писал на родном языке и на латыни, а в десять – переводил поэтические произведения римских авторов. В двенадцать была написана первая собственная пьеса де Веги. Он много и с удовольствием учился, брал уроки у знаменитых стихотворцев и лучших литераторов своего города.
Молодые годы Лопе де Веги были, как и положено, посвящены не только книгам, но и сердечным делам, в 1583 году он закрутил роман с актрисой Еленой Осорио, несвободной на тот момент, но охотно выбравшей молодого де Вегу. Впоследствии эта связь сыграла в жизни поэта драматическую роль. Задетый уходом от него Елены спустя четыре года, он позволил себе настолько оскорбительные литературные выпады, заявляя о ее продажности, что мадридский суд постановил изгнать наглеца из города на десять лет – в качестве наказания за клевету.





Автограф Лопе де Веги

Но в путь де Вега отправился не один, он тайно женился на шестнадцатилетней Изабель де Урбина, которая будет показана в его произведениях под именем Белиза. Спустя несколько дней после свадьбы де Вега принял участие в походе испанского военного флота - «Непобедимой армады» против англичан. Вернувшись, поселился с женой и детьми в Валенсии.
Все это время, как, впрочем, и всю свою жизнь, де Вега не переставал заниматься литературой и повышать свое мастерство, он общался с выдающимися испанскими поэтами и драматургами, дружил с одними и враждовал с другими. Вынужденный жить собственным трудом, он работал как секретарь у разных высокопоставленных хозяев – вплоть до самого герцога Альбы.


Жизнерадостные герои произведений де Веги и его разбитое сердце




Лопе де Вега

В 1598 году жена поэта умерла. Он женился второй раз – на дочери богатого торговца. А вскоре началась продолжительная и драматическая связь де Веги с актрисой Микаэлой де Лухан, замужней дамой, от которой, тем не менее, у него было пятеро детей. В его произведениях эта женщина будет воспета под именем Камиллы Лусинды.
А в пятидесятилетнем возрасте Лопе де Вегу постигли сразу несколько несчастий – умерли его жена и любимый сын Карлос, а вслед за ними и Микаэла. На этот трудный этап жизненного пути писателя и поэта пришлось его решение принять сан священника.




В доме-музее Лопе де Веги в Мадриде

Последней любовью испанца стала молодая девушка Марта де Неварес, ей, как и другим своим пассиям, де Вега посвятил несколько произведений. Но и Марту он потерял, в 1632 году после долгой душевной болезни, ослепшая, она умерла. Почти одновременно с возлюбленной де Вега похоронил еще одного сына.
Но создавать все новые пьесы, сонеты, новеллы де Вега не переставал, каждый день его жизни был посвящен творчеству. Это была работа, в которой де Вега не знал отпуска и выходных. Результатом его долгой литературной жизни – которая закончилась лишь с реальной смертью в 1635 году – стало появление испанского театра как явления, возникновение классической испанской драмы. Пьесы де Веги во многом станут ориентиром для будущих драматургов, а сам он считается первым профессиональным испанским писателем, получавшим гонорар за своих произведения, хоть и вынужденный терпеть редактуру издателей.




Одна из самых знаменитых пьес де Веги - «Собака на сене»

В пьесах де Веги сосуществуют комедия и драма, он в числе первых ввел в повествование остроумных слуг – это позже будет подхвачено Мольером и Бомарше. А самое интересное – автору XVI – XVII веков удалось написать тексты, которые и сейчас производят тот же эффект на читателя и зрителя: шутки по-прежнему смешны, а любовь и благородство становятся самым сильным оружием – после шпаги, разумеется.
«Кастельвины и Монтесы», а именно так называется история любви, описанная де Вегой на основе итальянского фольклора, оканчивается, в отличие от шекспировского варианта, счастливо. Как и в других своих пьесах, де Вега воспевает безграничные возможности любви, бессмысленность и бесполезность вражды, произведение кажется одновременно легким и глубоким. Розело, так зовут героя, вовремя предупрежден Аурелио (который соответствует персонажу брата Лоренцо у Шекспира), Джулия, его возлюбленная, дожидается своего возлюбленного и обоим удается бежать, после чего глава семейства Кастельвин дает свое согласие на брак с сыном Монтеса. Единственной жертвой по ходу пьесы становится Отавио, убитый в поединке с Розело.




Пьеса «Кастельвины и Монтесы» пользовалась популярностью у современников де Веги, несмотря на редакторские вставки

«Кастельвины и Монтесы», по всей вероятности, увидели свет около 1606 – 1612 гг., в то время как «Ромео и Джульетта» впервые были напечатаны еще в 1595 году. При сравнении двух произведений де Вегу часто упрекают в отсутствии развития персонажей: если Джульетта и Ромео за несколько дней прошли большой духовный путь, то в случае с героями де Веги никаких особенных изменений характеров заметить не удается. С другой стороны, и название испанской пьесы касается не самих влюбленных, а кланов, к которым они принадлежат, а то, что именно семьи к концу произведения преобразились коренным образом, причем без какого-либо трагического стимула, сомнению не подлежит.




И.С. Льянос. Похороны Лопе де Веги

А вот история любви, которая действительно имела место: Влюбленные из Теруэля.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:


/kulturologia.ru/blogs/260220/45600/

Как один из самых богатых художников XIX века чуть не испортил репутацию собственному внуку: «Мыльные пузыри» Милле



«Мыльные пузыри» - картина Джона Эверетта Милле, написанная в 1886 году, которая прославилась благодаря использованию в рекламе мыла. Непримечательная на первый взгляд картина скрывает глубокие философские смыслы, а художника впоследствии обвинили в том, что тот продал свой талант.

О художнике
Сэр Джон Эверетт Милле был английским художником, иллюстратором и одним из основателей Братства прерафаэлитов. Братство было основано в его семейном доме в Лондоне, на улице Гауэр-83 (ныне номер 7). Сильная личность матери художника оказала самое значительное влияние на его будущее. Имея большой интерес к искусству и музыке, женщина поощряла творческие наклонности своего сына, способствуя переезду семьи в Лондон. Впоследствии она наладила контакты, чтобы помочь сыну поступить в Королевскую академию художеств. Милле был вундеркиндом, который в возрасте 11 лет стал самым молодым учеником академии. Там он и встретил Уильяма Холмана Ханта и Данте Габриэля Россетти, с которыми он основал Братство.

Однако, к середине 1850-х Милле отошел от стиля прерафаэлитов, чтобы развить новую форму реализма в искусстве. Его более поздние работы были чрезвычайно успешными, что сделало Милле одним из самых богатых художников своего времени. Ко времени написания своей самой известной работы с пузырями, Милле было за пятьдесят, и он отказался от стиля прерафаэлитов, сделав свою палитру более темной и начав использовать более мягкую кисть.





Сюжет картины
Работа «Мыльные пузыри» была написана в 1885-1856 годах. Картина была одной из многих детских портретов Милле. На ней изображен мальчик, который пускает мыльные пузыри с трубкой и мыльной пеной. Мальчиком был внук художника, Вилли Джеймс. На момент написания картины ему было около 4 лет. Впоследствии мальчик стал адмиралом. Для того, чтобы максимально реалистично изобразить пузыри, Милле использовал специально изготовленный стеклянный шар. В процессе написания картины Милле подвешивал его над головой ребенка и перемещал его в качестве ориентира, чтобы определить наилучшее положение пузыря на холсте. Первоначально Милле назвал свою картину «Детский мир», но позже она была заменена на «Мыльные пузыри».


Глубокие смыслы картины
На первый взгляд, это обычный детский портрет с непримечательным сюжетом, но если углубиться в историю, можно узнать, что основой сюжета послужил популярный в XVII веке жанр vanitas, в котором мыльный пузырь символизировал мимолетность жизни. Частым сюжетом в этом жанре было изображение молодых парни, которые пускали мыльные пузыри, обычно на фоне черепов. На картине изображен маленький рыжеволосый мальчик, смотрящий на надутый им же пузырь. В данном контексте он является атрибутом красоты и хрупкости жизни. На картине присутствуют и другие значительные детали: на правой стороне полотна - молодое растение, растущее в горшке - это символ жизни, а на другой стороне - упавший разбитый горшок, символизирующий хрупкость и тщетность жизни (смерть). Маленький герой контрастно выделяется на полотне, его лицо, руки и тазик для пузырей ярко освещены.







Первая публикация и дальнейшая судьба картины


Впервые картина была выставлена в 1886 году под названием «Детский мир» в галерее Гросвенор в Лондоне. Работа была приобретена сэром Уильямом Инграмом из The Illustrated London News, который пожелал воспроизвести ее репродукцию в своей газете. Когда был выпущен первый выпуск с картинкой, газету увидел Томас Дж. Барратт, управляющий директор A & F Pears.

Pears Transparent Soap — одна из старейших компаний по производству мыла и первый в мире зарегистрированный бренд по информации Unilever. Также это первая компания, которая начала выпускать прозрачное мыло. Томас Джеймс Барратт купил оригинальную картину у Инграма за 2200 фунтов стерлингов, что дало ему исключительное авторское право на картину. Репродукция картины Мыльные пузыри Джона Эверетта Милле стала самой известной рекламой мыла. Картина была куплена Томасом Барраттом в августе 1890 года.




Тобас Барратт и его рекламная листовка в картиной Милле

Авторские права были нужны для того, чтобы внести в картину изменения. В частности, был добавлен кусок мыла с целью использования в рекламной компании. В то время Милле был одним из самых популярных художников в Великобритании. Поэтому сомнительная перспектива маркетингового художника беспокоила Милле, а его внук стал объектом коммерческой эксплуатации (что тоже было художнику не по нраву). Многие говорили в то время, что художник продал свой талант. Критики утверждали, что это оказало унизительное влияние на картину и будущую репутацию мастера. Милле приходилось даже защищаться от их нападок, когда он подвергался несправедливой критике со стороны представителей художественного истеблишмента, считавших, что он унижает свое искусство. Реклама оказалась настолько популярной, что маленький герой картины - Уильям Джеймс, ставший адмиралом Королевского военно-морского флота, до конца жизни был известен по прозвищу «Bubbles» Адмирал Пузырик.




Герой с картины - внук художник (ставший адмиралом)

Таким образом, знаменитые «Мыльные пузыри» сыграли для Джона Милле двойную роль. Конечно, картина «вручила» художнику лавры успеха и известность, подарила ему богатство и обеспечила на долгие годы. А с другой стороны, передачей прав на картину рекламному агентству художник подпортил свою репутацию и репутацию своего внука.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/250220/45593/

Почему придворный художник британского монарха писал картины только при свечах: Сэмюэль Купер




Сэмюэль Купер - английский художник и лучший мастер миниатюры своего времени, который прославился не только своей достойной придворной службой у короля Карла II, но и необычной техникой исполнения работ. Сэмюэль Купер использовал... свечу для написания своих картин.


О художнике
Биографических данных о художнике сохранилось не так много, но известно, что Сэмюэль Купер (1609 —1672) обучался у своего дяди, миниатюриста Джона Хоскинса Старшего. Человеком он был талантливым: помимо художественных навыков, Купер был отличным музыкантом, хорошо играл на лютне, а также слыл хорошим лингвистом, бегло разговаривая по-французски. Изначально свою художественную карьеру он построил в Париже и Голландии, а затем поселился в Лондоне. Здесь его окружали поэты, философы, знатоки изящных искусств из Королевского общества. По мнению ряда современных авторов, Купер был человеком невысоким, крепким с круглым лицом и румяными щеками.




Сэр Джон Хоскинс, баронет , дядя художника

После нескольких лет совместной работы в одной мастерской с дядей, Купер открыл свою собственную студию, впоследствии став самым востребованным художником - миниатюристом своего поколения, способным взять 20 фунтов за портрет головы и 30 фунтов за портрет в половину человеческого роста к концу своей долгой и успешной карьеры.

Во время английской гражданской войны Купер зарекомендовал себя как портретист, работавший только в миниатюрах (5x7,5 см). Он написал несколько портретов людей в доспехах на темном фоне (портреты Джона Мильтона, Джорджа Монка, Джона Пима, Генри Иретона, Роберта Лилберна и Джона Карью).





Автопортрет
Этот захватывающий автопортрет выделяется силой и убежденностью, с которой художник воссоздает свое физическое присутствие. Приоткрытые губы подсказывают зрителям, что он хочет что-то сказать. Прямой и настойчивый взгляд направлен на зеркало, а не на зрителя (художник писал себя по отражению). Тонкое использование палитры - одна из самых сильных сторон Купера, и здесь она демонстрирует исключительное преимущество вкупе с различными оттенками коричневого и серого. Есть версия, что этот портрет был написан для жены Купера, на которой он женился в 1664 году (это было своеобразное признание в своих чувствах по моде того времени). Его возраст на портрете 35 лет и он, конечно, выглядит моложе своих лет, что доказывают документальные источники.




Автопортрет



Портрет Оливера Кромвеля


Первый портрет Купера для Оливера Кромвеля был написан в 1649 году. Кромвель выбрал Купера, так как тот представлял его «простым как по характеру, так и по одежде». Купер изобразил своего заказчика как личность и «трезвую, честную альтернативу королевскому тщеславию, избытку и высокомерию». Кромвель настаивал, чтобы художник отобразил его максимально правдивее, не забыв даже про бородавки. Купер достойно ответил на это требование. Он показал на портрете изборожденный морщинами лоб, редеющие волосы, толстый нос и... очень властный взгляд. Альфред Л. Рауз утверждал, что «Купер представил лучший портрет великого человека, написанный с проницательным чувством характера». Сегодня Купера считают первым британским художником, получившим международное признание.




Портреты Кромвеля

Куперу было поручено также написать портреты членов семьи Кромвеля, включая его сына Ричарда Кромвеля. Работа с Кромвелем не помешала ему стать придворным художником короля Карла II после его вступления на престол в 1660 году. Карл II широко покровительствовал Куперу, он также был призван написать миниатюрные портреты фавориток и детей короля. Его репутация самого талантливого миниатюриста своего поколения была признана во всей Европе. Молва дошла и до влиятельного Козимо III Медичи, который разыскал художника, чтобы тот написал его портрет.


Художник, работающий при свечах


Миниатюрные портреты Купера отличаются как выразительным использованием цветов барокко и тончайших мазков, так и поразительным представлением индивидуального характера своих героев. В миниатюрных портретах Купера ощущается влияние живописи Антониса Ван Дейка, поэтому его часто называют «Ван Дейком в миниатюре».

Современники свидетельствуют, что он любил рисовать с натуры при свечах, когда тени резче моделируют форму, и что с его портретов чеканили портретные медали. В его портретах, особенно в тех, которые художник сохранял у себя для работы над повторными изображениями той же модели, лица переданы с удивительной жизненной полнотой, аксессуары же и фон только подсказаны выразительными свободными ударами кисти. Купер работал на картоне или плотной бумаге, писал, как и многие другие миниатюристы, гуашью, но, в отличие от них, применял и прозрачные краски.

Самым известным случаем, когда Купер использовал свечу в процессе работы произошел в январе 1662 году. Купер был вызван к королю, чтобы приготовить его портрет для чеканки новых монет. Английский писатель Джон Ивлин присутствовал в тот момент и так вспоминал эту ситуацию: «Я имел честь держать свечу, пока Купер работал, тщательно выбирая тень и свет свечи для лучшего изображения светотехники. Во время этого процесса его величество говорил со мной о нескольких вещах, касающихся живописи и могил».




Портрет Карла II

Самуэла Купера называют «первым, кто наделил искусство миниатюрного портрета силой и свободой масляной живописи». На сегодняшний день репутация Купера так же высока, как и при жизни. В отличие от многих художников, ему не пришлось годами ждать признания. В свои 30 лет он уже считался одним из лучших миниатюристов Европы.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/180220/45426/

Как завоевала всенародную славу самая популярная куртизанка 18 века: «Дорогая штучка» Китти Фишер



Этой женщине было далеко до всенародной любви, но зато у неё была всенародная слава. О ней писали стихи, делали её героиней сатирических рассказов, причём не только уличные памфлетисты, но и вполне уважаемые авторы. Самые известные художники того времени увековечили Китти Фишер на своих полотнах. Женщины лёгкого поведения называли себя «Китти», чтобы урвать хоть маленький клочочек её успеха. Какая она была, легендарная соблазнительница? Что в ней было такого, что все мужчины желали её, а женщины люто ненавидели?

Если бы в 18 веке существовал интернет, то у Китти была бы мировая известность и миллионы подписчиков. Однако, даже в пределах возможностей того консервативного времени, Китти прославилась больше, чем можно было представить себе.
18 век отметился в мировой истории, как эпоха Просвещения. Европа бурлила революциями, как интеллектуальными, так и реальными. Духовенство утратило значительную часть своего влияния на умы общества. Образованные люди считали модным грешить, это не так и страшно, даже прогрессивно.




Кэтрин Мария Фишер.

Среди всего этого видимого интеллектуального процветания, наступил период морального упадка. Пышным цветом расцвела проституция. Лондон исключением не стал. Торговля собственным телом стала для многих женщин удобным способом улучшить своё благосостояние. Спрос был настолько большим, что опережал предложение. В порядке вещей стали открытые реестры жриц любви, каждый джентльмен мог выбрать себе девушку по вкусу.




Китти в образе Клеопатры, растворяющей жемчужину, Джошуа Рейнольдс, 1764 год.

Как это водится, кому-то повезло и они накопили немалые средства на достойную жизнь, открывали приличный бизнес, выходили замуж и становились добропорядочными кумушками. Кто оказался не столь везуч — умирал в нищете и забвении от неприличных болезней. Китти Фишер выделялась среди них всех, она была неповторима и уникальна. Ей посчастливилось стать настоящей звездой своего времени.




Портрет Китти Фишер, Натаниэль Хоун.

Происхождение Китти так и осталось тайной. Никто доподлинно не знает, кто она и откуда взялась. Известно, что её полным именем было — Кэтрин Мария Фишер и, что родилась она в 1741 году. Предположительно, она была простолюдинкой из бедной лютеранской семьи. Происхождение не помешало ей сводить с ума богатых аристократов.
Китти Фишер начинала свой жизненный путь с работы в шляпном салоне. Там её заприметил коммодор Август Кеппел. Хотя их отношения и были скоротечными, но именно этот суровый морской офицер ввёл Китти в высший свет. Фишер быстро сменила Кеппела на покровителя побогаче.




Простолюдинка по происхождению, Китти произвела фурор в высшем свете Лондона.

От любовников и клиентов у неё не было отбоя. В Лондоне шутили, что дамы из высшего общества каждое утро молились, чтобы в очередном скандале с Китти не был замешан их собственный муж. Мисс Фишер посещали известные аристократы, политические деятели и полководцы. Самым постоянным был граф Ковентри. Китти соблазнила графа в попытке досадить своей сопернице — Марии Ганнинг.




Джошуа Рейнольдс.


Мария была ирландской аристократкой и охотилась на богатого мужа, которого в результате и получила — им стал Ковентри. Китти завидовала женщине и больше всего на свете мечтала оказаться в таком же статусе. Графиню с мужем разлучила не куртизанка, а смерть — Мария скончалась молодой. Жениться на Фишер никакие графы не спешили. Китти, тем не менее, жила на широкую ногу. Она жила в шикарном доме в престижном районе для знати. У неё даже были слуги в ливреях — о таком люди её сословия не могли даже мечтать.




Аристократки копировали изысканные фасоны её модных туалетов.

Мисс Фишер была настоящей законодательницей мод. Светская львица (её по праву можно называть так) придумывала модели платьев, которые радостно копировали аристократки. Ей завидовали и ею восхищались, ненавидели и отдавали должное. Откуда у неё появился столь изысканный вкус считали настоящей загадкой.




Историческое падение Китти Фишер с лошади.

Однажды случилось незначительное с виду событие, которое обсуждали потом в светских салонах несколько месяцев. Китти упала с лошади. Никаких травм она не получила, а сюжет нашёл отражение в многочисленных литографиях. Над Китти Фишер шутили, часто весьма зло, даже оскорбляли, не стесняясь в оценках и выражениях. Её это ни капли не смущало — ей это даже нравилось. Сейчас бы сказали, что это был чёрный пиар. Популярность Фишер только росла.
Китти славилась не только как куртизанка, она была ещё и талантливой натурщицей. Живописцы чрезвычайно высоко ценили Фишер не только за великолепную фотогеничность, но и за невероятное терпение на сеансах позирования. Из картин знаменитых художников до нашего времени дошло огромное количество её портретов, можно создать целую галерею. Среди художников, которым она позировала: Джошуа Рейнольдс, Филипп Мерсье, Джеймс Норткотт, Натаниэль Хоун и другие.




Джакомо Казанова.

С именем куртизанки связана ещё одна любопытная история. В ней фигурирует самый известный ловелас всех времён и народов — Джакомо Казанова. Он посещал Лондон в 1763 году, был бесконечно восхищён красотой Фишер, но в число её любовников войти не пожелал. По словам Джакомо потому, что Китти, дескать, не владела французским, а он привык услаждать все органы чувств одновременно и без изысканных речей на французском, удовольствие для него немыслимо.
Всё бы ничего, но вот только Китти прекрасно владела французским. Злые языки поговаривают, что знаменитый любовник привык всё получать даром, а ночь с Китти стоила немало. Он просто не мог себе её позволить.
Фишер была чрезвычайно бережлива. Несмотря на роскошный образ жизни, она умудрилась скопить очень приличное состояние. Ей даже удалось воплотить свою мечту и выйти замуж. Да, не за графа. Сельский помещик знатного происхождения влюбился в неё без памяти, его не остановила ни её неприличная репутация, ни внушительный шлейф из её любовников.




Противоречивая и неповторимая Китти Фишер.

Китти Фишер стала миссис Норрис. Жаль только, что счастье продлилось очень недолго. Вскоре после бракосочетания, пара поселилась на родине мужа, в Кенте. Там, спустя всего четыре месяца, скандальная знаменитая куртизанка скончалась. Её, как и многих дам того времени, убила любовь к косметике. Тогда было модно пользоваться белилами для лица, а основой их являлся свинец. Именно от отравления им Китти и умерла. Она не дожила даже до своего тридцатилетия.
Слава этой противоречивой женщины жива до сих пор. Она не жалела денег на благотворительность, бедняки её любили. Как с этим и с её бережливостью уживалось то, что однажды она съела сто фунтов, засунув купюру между двумя хлебцами? Говорят, что это видел лорд Сэндвич и украл её идею. Возможно, что таким способом она не просто демонстрировала своё богатство, она стремилась унизить неудачливого любовника. Ведь Китти предпочитала дорогие подарки, что для неё сто фунтов? Как бы то ни было, но увековечить ей себя, бесспорно, удалось.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/180220/45518/