Земная и небесная сферы сошлись для реставрации

В Реставрационном центре Грабаря работают над уникальными парными глобусами XVII века мастерской Блау, земным и небесным, из коллекции Государственного исторического музея



Реставрация земного глобуса XVII в. мастерской Блау. Фото: ВХНРЦ

Драматическая история уникальных парных глобусов — земного, который уже отреставрирован и был представлен публике, и небесного, для которого все еще впереди, — позволяет проследить эволюцию реставрационной мысли и технологий в последние десятилетия.

Глобусы амстердамской мастерской Виллема Блау и его наследников — вожделенные предметы для любой исторической коллекции. Ученик великого астролога и астронома Тихо Браге делал глобусы и карты с начала 1600-х годов; в 1633-м он стал картографом Голландской республики и Ост-Индской компании — это давало ему доступ к самым свежим географическим данным. Мастерская, кроме карт печатавшая научные книги, во второй половине XVII века перешла к сыновьям астронома, Яну и Корнелиусу Блау. В 1698 году, после большого пожара в Амстердаме и смерти одного из братьев, компания прекратила свое существование.

Земной глобус XVII в. мастерской Блау. Фрагмент. Государственный исторический музей. Фото: ВХНРЦ

Звезда экспозиции Исторического музея — Большой глобус Блау был куплен по распоряжению Петра I во время его поездки с Великим посольством по Европе в 1697–1698 годах. В Московском Кремле для глобуса был выстроен специальный павильон. В 1730 году его перевезли в Сухареву башню, в Навигацкую школу, а в 1750-м отправили в Санкт-Петербург в Академию наук. В Историческом музее глобус хранится с 1912 года. Огромный, почти двухметровый вместе с подставкой, он сделан из меди и расписан красками по грунту. В начале 2000-х с ним были проведены комплексные реставрационные работы.

Но в коллекции ГИМ есть еще парные глобусы мастерской Блау — земная и небесная сферы 1647 года, предметы абсолютно уникальные. Они были куплены музеем в 1925 году у семьи инженера путей сообщения Эдуарда Айспора. Глобусы были представлены в постоянной экспозиции музея, однако к 1986 году им очевидно потребовалась реставрация. Начать решили с земного — более информативного для исследователей и привлекательного для посетителей. Специалисты ГИМ сняли со сферы бумажные сегменты карты, сделали пробные расчистки. Но технология реставрации таких сложных трехмерных объектов тогда была несовершенна, и даже консультации с европейскими специалистами не помогли: сфера и бумажные сегменты были сильно деформированы, соединить их обратно не удалось. Экспонаты ждали 30 лет, пока не появились новые технологии и, что немаловажно, средства. Их выделил спонсор Исторического музея, юридическая фирма «Городисский и партнеры».

Небесный глобус XVII в. мастерской Блау. Фрагмент. Государственный исторический музей. Фото: ВХНРЦ
В 2018–2019 годах работу над земным глобусом начали во Всероссийском художественном научно-реставрационном центре им. академика И.Э.Грабаря, в мастерской реставрации графики.

Пара глобусов Блау — это сферы из папье-маше диаметром 68 см с наклеенными сегментами карты, которая напечатана в технике резцовой гравюры с последующей росписью. Уже снятые с поверхности земной сферы 38 гравированных сегментов карты имели повреждения от вращения, разрывы и потертости. Но главное, они были покрыты многими слоями подобия лака из яичного белка, которым прежние владельцы пытались защитить уже загрязненную поверхность. От времени белок стал жестким, деформировал и рвал бумагу. Его пришлось удалять специальным ферментным препаратом. Сфера из папье-маше тоже была серьезно повреждена: покрыта трещинами и вмятинами, ее половинки расходились из-за поздних деревянных вставок.

«При состыковке полусфер приходилось изощряться и пропускать укрепляющий материал через другие имеющиеся отверстия и фиксировать состыкованные фрагменты изнутри», — рассказывает художник-реставратор высшей категории Евгения Мымрина, проводившая работы. Затем трещины заполняли грунтом из мела с осетровым клеем, а поверхность выравнивали слоями японской бумаги. Расчищенные бумажные фрагменты, на которых заново проступили контуры континентов и фигурки фантастических существ, населяющих земли и воды, закрепили на сфере клеем из пшеничного крахмала. Таким образом, была максимально соблюдена технология XVII века. Уточнить расположение секторов карты и рассчитать так, чтобы все швы совпали, помогла подробная 3D-модель. Готовый земной глобус представили публике в январе 2020 года.

Небесный глобус XVII в. мастерской Блау. Фрагмент. Государственный исторический музей. Фото: ВХНРЦ

«Земная сфера попала к нам в руки в состоянии незавершенной реставрации 30-летней давности. Глобус был разобран, и на его примере мы поняли, как все устроено. Это дает уверенность. К небесной сфере мы хотим применить другой подход, сделав акцент на консервации. Наша задача — устранить разрушающие факторы и все зафиксировать, — объясняет Евгения Мымрина. — Мы должны убрать белковую пленку, которая коробится и приподнимает красочный слой. Хотим это сделать, не отделяя сегменты карты от сферы, используя гелевые системы, позволяющие работать на поверхности бумаги, удаляя загрязнения и поверхностное покрытие, не проникая в глубь структуры бумаги. Там, где на сфере есть крупные повреждения, бумага уже отошла, и планируется локально их заполнять». Пока что реставраторы раздумывают, заполнять ли новой бумагой и тонировками крупные утраты; советами помогают коллеги из Музея глобусов в Вене. Сейчас отреставрирована деревянная подставка небесной сферы и сделана ее 3D-модель.

«Реставрация таких уникальных памятников — это действительно событие мирового масштаба, — говорит директор Государственного исторического музея Алексей Левыкин. — Глобусы Блау имеют важное значение как источник знаний о Великих географических открытиях и развитии европейской научной мысли. Они хранятся почти во всех крупнейших музейных хранилищах, а в России имеются в единственном экземпляре — у нас в музее. Перед реставраторами Центра Грабаря стояла очень сложная задача — восстановить все элементы глобуса, сохраняя его аутентичность, и они проделали огромную работу. По планам работы с памятниками окончательно завершатся к концу 2021 года. А у музея пока есть время, чтобы найти им достойное место на экспозиции». 

http://www.theartnewspaper.ru/posts/8036/

Маурицхейс раскроет новые тайны «Девушки с жемчужной сережкой» Вермеера

Благодаря тщательному анализу исследователи смогли получить новые данные о живописной технике и красках, которые использовал нидерландский мастер



Исследовательский снимок «Девушки с жемчужной сережкой» Яна Вермеера, сделанный для проекта «Девушка в центре внимания». Фото: Sylvain Fleur

Музей Маурицхейс 28 апреля представит результаты всестороннего технического анализа «Девушки с жемчужной сережкой» (около 1665) Яна Вермеера, углубляющие понимание того, как написана одна из самых знаменитых в мире картин.

В начале 2018 года международная команда реставраторов, ученых и исследователей на протяжении двух недель изучала картину в специально сооруженной реставрационной мастерской со стеклянными стенами в одном из залов Маурицхейса, благодаря чему публика получила возможность следить за ходом работ.

Руководила исследовательским проектом, получившим известность под названием «Девушка в центре внимания», реставратор живописи в Маурицхейсе Эбби Вэндивер, работавшая со специалистами ряда других институций, в том числе амстердамского Рейксмузеума и Делфтского технического университета. До этого картину в последний раз в ходе реставрации обследовали в 1994 году.

Фото: Mauritshuis

В специальном блоге Вэндивер описывает вопросы, ответы на которые искали специалисты: «Какими материалами пользовался Вермеер и откуда они? При помощи каких техник он добивался столь тонких оптических эффектов? Как выглядела картина первоначально и как она менялась с течением времени?» Ответить на них помогли такие методы, как цифровая микроскопия, неинвазивные техники визуализации и сканирования, а также анализ образцов краски.

Блог содержит подробную информацию о холсте, пигментах, масле и других материалах, которые Вермеер использовал при создании произведения. В разделе под названием «Пока сохнет краска» Вэндивер пишет: «Как Вермеер смешивал краски, которыми написана „Девушка с жемчужной сережкой“? Как и большинство нидерландских художников XVII века, он использовал краски на масляной основе». По ее словам, связывающей основой красок Вермеера служило масло из семян льна.

Реставратор живописи в Маурицхейсе Эбби Вэндивер, руководившая проектом «Девушка в центре внимания». Фото: Mauritshuis

«Пользуясь тем, что масляные краски сохнут медленно, Вермеер смешивал на „Девушке с жемчужной сережкой“ разные цвета и работал с красками уже после их нанесения. Чтобы создать эффект мягкого перехода между светом и тенью — например, на тонкой коже на щеке девушки, — он брал мягкую сухую кисть и прямо на холсте смешивал не успевшие засохнуть краски», — пишет она.

В другом разделе Вэндивер описывает ход исследования красочной поверхности при помощи микроскопа. «Жемчужина приковывает к себе взгляд не только потому, что она дала название картине, но и потому, что Вермеер поместил ее в самый центр композиции. А вы знали, что это, может быть, вовсе и не настоящая жемчужина? Специалисты по костюму и ювелирным изделиям считают, что она неправдоподобно велика. Возможно, Вермеер немного преувеличил ее размеры, чтобы привлечь к ней внимание… При многократном увеличении видно, что жемчужина написана всего несколькими мазками свинцовых белил». 

http://www.theartnewspaper.ru/posts/8042/

Правители Атлантиды, невесты Минотавра и другие тайны, которые хранит древний Кносский дворец

Руины Кносского дворца на Крите.

Когда археолог Артур Эванс обнаружил остатки дворца на Крите близ современного Гераклиона, он решил, что обнаружил обиталище легендарного критского царя Миноса – и лабиринт, где некогда бродил чудовищный Минотавр. Раскопки показали, что на Крите существовала развитая цивилизация, и она старше древнегреческой на тысячу – или тысячи – лет. Цивилизация, уничтоженная наводнением, как и легендарная Атлантида…




Таинственный символ на стене дворца.

Результаты дальнейших исследований просто поражали. Очевидно, критская цивилизация (Эванс предложил называть ее минойской в честь того самого царя) развивалась поразительным образом – ничто не указывало на существование фортификационных сооружений или военного флота. Однако же это государство существовало на стыке морских торговых путей и само существовало не только благодаря дарам щедрой природы, но и за счет торговли! Некоторые фрески изображают отряды чернокожих воинов, что дает возможность говорить о тесных морских связях Крита с африканскими странами. Некоторые считали минойскую цивилизацию матриархальной – на это указывали многочисленные фигурки богинь, скульптурные и живописные. Археолог Мария Гимбутас утверждала также, что об особом почтении к женщинам говорят повсеместные изображения лилий и бычьих голов, напоминающих женскую репродуктивную систему. Женщины на Крите были свободны, равны с мужчинами, могли управлять общиной и практиковали полиандрию.




Свободные и независимые критские женщины.

Обитатели древнего Крита были великолепными инженерами. В Кноссом дворце обнаружены остатки отлично спроектированных коммуникаций: сложная и совершенная система водопровода для подачи питьевой воды во дворец, канализационная система со специальным устройством для очистки, вентиляция и прекрасно оборудованные ванные комнаты. Преемники критян – греки – были неплохо осведомлены в области архитектуры и инженерного дела, но и в эпоху своего расцвета они не достигли такого уровня. Строительство дворца-лабиринта, оборудованного на невероятно высоком техническом уровне, Эванс приписал Дедалу, выполнявшему капризы царя Миноса. Ремесла у минойцев также были прекрасно развиты – от ювелирного дела до оружейного. На Крите находят очень древние разработанные месторождения меди, золота и серебра.

Жизнь минойцев была счастливой и благополучной, а мировоззрение наполнено любовью к природе – об этом ученым рассказали фрески Кносского дворца. Минойцы любили изображать животных, особенно морских жителей – осьминогов, рыбок, угрей и непонятных существ, над видовой принадлежностью которых ученые ломают голову. В создании орнамента минойцы были свободны и подчас неряшливы – ни симметрии, ни четкого ритма, словно не рука художника, а само море нарисовало портреты своих детищ. Они усеивали морскими звездами и раковинами вазы стиля камарес, фрески, керамические лари, но самый известный морской сюжет – в предполагаемых покоях царицы в Кносском дворце. Над входом плещутся в волнах, соревнуясь друг с другом, дельфины. Эта фреска вдохновила художника Валентина Серова на создание работы «Похищение Европы».




Фреска с изображением дельфинов.

И обращение художника к образу быка вовсе не случайно – это мощное существо явно было объектом поклонения на Крите. Многочисленные бычьи фигуры и отдельно изображенные головы, сопровождаемые топором-лабрисом, наполняют интерьеры дворца. Кроме того, минойцы нередко изображали обезьянок и птиц, а подчас создавали красочные изображения неведомых созданий с телом льва, птичьим клювом и крыльями.




Фреска с грифоном.





Фрагмент фрески с птицами.




Фрагмент фрески с обезьянкой.

Огромный пласт фресковой живописи минойцев – это изображения людей, занятых таинственными ритуалами. Процессии с дарами природы, ларцами, обоюдоострыми топорами, утонченные мужчины и женщины, стремящиеся отдать почести неизвестному божеству… И снова здесь мы видим образы быков.




Сцена тавромахии, у которой, возможно, не такой уж агрессивный смысл.

Есть версия, что на территории Кносского дворца устраивались особые ритуалы, танцы с быками, изображенные на фресках. Изящные юноши и девушки – все люди, изображенные на фресках, отличаются нежной и изысканной красотой – играют с быками, прыгают через их мощные спины и приветствуют грозных животных. Именно эти изображения и позволили Эвансу связать Кносский дворец с Минотавром, а Серову – с очарованной Зевсом-быком Европой. Тавромахия считается формой жертвоприношения – но неизвестно, человеку или быку суждено было пасть убитым перед сотнями зрителей. Есть версия, что немалое число древнегреческих мифов о любви женщин к быкам связано с тем, что бык на Крите был символом плодородия, мужского начала, супругом великой богини минойцев, а значит, тавромахия была скорее красивым состязанием, нежели аналогом современной корриды. С мужественным быком символически стремились соединиться женщины, а мужчины – позаимствовать его силу. Прекрасные дамы в жемчугах, мирно беседующие на фресках – невесты сурового Минотавра.




Женщины Крита.

Примерно в 1470 году до нашей эры на острове Санторини произошло сильное извержение вулкана, спровоцировавшее землетрясение, а затем цунами. Часть суши оказалась под водой, все вокруг усеял пепел, небеса окрасились кроваво-красным… Кости, найденные в вазах, говорят о трагическом упадке людей, вынужденных самыми жестокими жертвоприношениями молить богов о милости. Тщетно - критская цивилизация так и не оправилась от этой катастрофы. На Крит вторглись воинственные племена с континента – предки древних греков. Разгадав причины упадка критской цивилизации, ученые предположили, что именно эта ужасная история дошла до нас в легендах об Атлантиде.




Реальное состояние критских фресок.

Фрески Кносского дворца сохранились далеко не полностью. То, что сейчас радует глаз туристов, было воссоздано практически из праха – из крошечных цветных черепков. По большей части фрески дорисованы реставраторами, которые могли догадываться об их содержании по фрагментам. Поэтому, быть может, многие части фресок с важными для понимания сюжета элементами были утеряны безвозвратно. Настоящая Атлантида продолжает хранить свои секреты от любопытных гостей…

Текст: Софья Егорова.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/140420/46096/

Как слова из Библии послужили сюжетом для многих картин эпохи Возрождения: «Не прикасайся ко Мне»

Выбирая тему для нового произведения, художники Возрождения нередко обращались к этому сюжету. Он был не из самых распространенных, как, например, Благовещение, и не открывал возможностей для столь популярного в ту эпоху изображения обнаженного тела, как ветхозаветный сюжет о Сусанне и старцах, и все же картины под названием «Не прикасайся ко мне» написали многие выдающиеся живописцы. Эмоциональная насыщенность сцены, сложные позы персонажей, их мимика – все это представляло определенный вызов, который принимали и Дюрер, и Тициан, и Корреджо – и многие другие.


Noli me tangere - «Не прикасайся ко Мне!»




Корреджо. Noli me tangere.

Этот евангельский сюжет повествует о встрече Марии Магдалины и Христа после его Воскресения. К пещере, в которой находился гроб с телом Христа, пришли жены-мироносицы, среди них была и Магдалина. Гроб оказался пуст, и женщины ушли. Магдалина же вернулась, она плакала у места погребения своего учителя, когда увидела двух ангелов, а вскоре – самого Христа, которого сначала не узнала и приняла за садовника.




Православная икона

Когда же узнала, позвала «Раввуни!», то есть «Учитель!», простерла к нему руки, и Христос сказал: «Не прикасайся ко Мне, ибо Я еще не восшел к Отцу Моему; а иди к братьям Моим и скажи им: восхожу к Отцу Моему и Отцу Вашему, и к Богу Моему и Богу Вашему» (Евангелие от Иоанна 20:11-17).

К этому сюжету художники начали прибегать начиная с поздней античности. На средневековых иконах тоже можно увидеть изображение встречи Христа и Магдалины.




Фреска Джотто

Но по-настоящему популярным у живописцев сюжет стал во времена Ренессанса. Разнообразия в названиях картин, как правило, не было – произведения, где была показана эта встреча Христа и Магдалины, именовались Noli Me Tangere, «Не прикасайся ко мне» в переводе с латыни. Кстати, греческий вариант этой фразы ближе к другому значению – «перестань держаться за меня», «отпусти», - и эти семантические нюансы художники тоже учитывали.


Интерпретации сюжета на холстах




П. да Кортона. Явление Христа Марии Магдалине

Перед мастером – будь то иконописец, живописец или создатель гравюры – стояла задача не просто показать коленопреклоненную Магдалину перед Спасителем, требовалось еще и передать символизм этой сцены, ее смысл, в том числе скрытый. Зачем Христос отталкивает от себя свою ученицу, что сопровождала его в странствиях? Каким должен быть его жест, что отразится на лице Магдалины – недоумение, покорность, понимание?




Гравюра XV века


Считается, что таким способом Христос дал понять, что теперь все не может быть так, как было прежде, связь между ним и людьми теперь будет не физической, а единственным, что может приблизить к нему, является вера. Лазарь, воскрешенный Христом, вернулся к своей прежней жизни, но Сын Божий идет по другому пути. Поэтому и не узнала вначале Магдалина своего учителя – он стал иным.
Это все и брались выразить на холсте мастера.




Н. Пуссен. Noli me tangere

Христа, который был принят за садовника, изображали с мотыгой или лопатой, иногда в шляпе. Он облачен, как правило, в синие одежды – этот цвет в ренессансные времена считался божественным, мистическим, а кроме того – особенно высоко ценился, поскольку камень, из которого получали ультрамариновую краску, был очень дорогим. Магдалина, как правило, изображена в красном одеянии, это цвет трагический, напоминающий о крови, драме.


Мария Магдалина




Г. Рени. Мария Магдалина

Разумеется, этот евангельский сюжет привлекает и образом Марии Магдалины. Она по-разному воспринимается католической и православной церковью. Особенная популярность Магдалины в западной культуре, по всей видимости, связана с тем, что ее отождествляют с кающейся блудницей. На картинах европейских художников она традиционно изображается с непокрытой головой и распущенными волосами. В руках у Магдалины – сосуд благовоний, с ним она пришла к гробу Христа вместе с другими женами-мироносицами.




Б. Спрангер. Noli me tangere

Магдалину католики отождествляют и с сестрой Лазаря Марией, которая в православной традиции считается другим персонажем Нового Завета. И образ библейской блудницы к Магдалине в православии отношения не имеет. В Библии эта святая упоминается в шести эпизодах, первый из них – исцеление от одержимости семью бесами, после чего женщина стала следовать за Христом.
Иногда на картинах Noli me tangere на заднем плане изображен Новый Иерусалим, согласно откровениям Иоанна Богослова – Небесный Город, место обитания святых угодников, один из образов Царства Небесного.




Тициан. Noli me tangere

За произведения, посвященные этому новозаветному сюжету, брались настоящие титаны эпохи Возрождения, в том числе Джотто, Дюрер, Корреджо, Тициан, позже встречу Христа и Магдалины изображали на холсте и мастера других эпох, в том числе и российские.




А. Иванов. Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения

С Марией Магдалиной связана легенда о возникновении традиции красить яйца на Пасху. Якобы после Воскресения она пришла объявить о случившемся императору Тиберию, и тот, по-видимому, занятый в тот момент завтраком, сказал: «Это так же невозможно, как если бы это куриное яйцо вдруг стало красным». И тогда яйцо покраснело. Считается, что легенда эта возникла уже во времена позднего Средневековья.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/150420/46103/

Почему из-за шляпы и натюрморта комиссия не хотела принимать знаменитое полотно Караваджо «Ужин в Эммаусе»

«Ужин в Эммаусе» был создан Караваджо в 1601 году. Нестандартная интерпретация сюжета привела к изрядной критике художника. А причины неприятия скрываются в шляпе трактирщика и фруктовом натюрморте. Именно с них начались все неурядицы с картиной.

«Ужин в Эммаусе» - это картина Караваджо, знаменитого итальянского мастера барокко, выполненная в 1601 году. Заказчиком работы был римский аристократ и любитель старины Чириако Маттеи, брат кардинала Джироламо Маттеи.




Предыстория создания
Тридентский собор, созданный для борьбы с непрекращающейся угрозой протестантизма, заявил в 1563 году, что посредством изображаемых на картинах религиозных сюжетов об искуплении люди смогут познать благие намерения. Важно, чтобы чудеса, сотворенные Богом, были открыты глазам верующих, чтобы они любили Бога и развивали благочестие.

Время написания полотна предшествовало пришлось на время, когда церковь ощущала необходимость донести свое послание до верующих через религиозное искусство и требовала от художников особой ясности представления. Чтобы соответствовать этой директиве, старые мастера должны были быть, прежде всего, реалистичными. Караваджо был одним из первых в ряду таких художников: ярый реалист, его прямота и непосредственность вступали в полный контраст с утонченной элегантностью конца XVI века и маньеризмом.




Заседание клириков во время собора

Сюжет

Ужин в Эммаусе - популярная тема в христианском искусстве и кульминационный эпизод известного сюжета о явлении Христа двум ученикам на третий день после Распятия. Апостолы приглашают незнакомца разделить с ними домашнюю трапезу. Они только с ним познакомились и, конечно, не знают кто это на самом деле. Истинную личность тайного незнакомца апостолы понимают, когда тот благословляет и ломает хлеб. Наступает осознание: таинственный гость на самом деле - Воскресший Христос. «И приблизились они к тому селению, в которое шли; и Он показывал им вид, что хочет идти далее. Но они удерживали Его, говоря: останься с нами, потому что день уже склонился к вечеру. И Он вошел и остался с ними. И когда Он возлежал с ними, то, взяв хлеб, благословил, преломил и подал им. Тогда открылись у них глаза, и они узнали Его. Но Он стал невидим для них. И они сказали друг другу: не горело ли в нас сердце наше, когда Он говорил нам на дороге и когда изъяснял нам Писание?». Мария Магдалина узнала Христа по Его голосу; Фома — по ранам; ученики, пригласившие Христа в дом в Эммаусе, — по преломлению Им хлеба. Святой Лука называет одного из апостолов Клеофой, но не идентифицирует другого. Позади героев недоумевающий трактирщик.




Мастерство Караваджо
Караваджо продемонстрировал на полотне конкретный момент в сюжете, когда два апостола осознали, что они стали свидетелями чуда невообразимой силы. Художник словно остановил момент, позволяя зрителям поразмыслить над чудом, пережить чувство потрясения и удивления, которое испытали два апостола.

Протянутая рука апостола справа от зрителя будто касается самого холста. Она направлена на самом глядящего на полотно. Этот жест словно говорит: «Посмотрите! Это чудо, чудо произошло». Локоть другого апостола выглядит так, как будто он действительно разорвал холст. Эта идея достигнута просто гениально: Караваджо разорвал куртку, которую носит герой, именно в месте локтя. Наконец, корзина с фруктами, ненадежно расположенная на краю стола, кажется упадет и разобьется об пол при малейшем толчке. Таким образом, Караваджо разрушает традиционный барьер между тем, что реально, и тем, что написано его кистью, и превращает сцену, которая произошла в прошлом, в то, что происходит сейчас, на наших глазах.
Караваджо наделяет свои религиозные картины чувством сильной драмы, мастерски используя свето-теневую технику (кьяроскуро). «Он никогда не выводил свои фигуры на свет, - писал Джованни Пьетро Беллори, теоретик искусства XVII века, - но помещал их в темно-коричневую атмосферу закрытой комнаты». Закрытая комната, о которой упоминает Беллори, является особенностью, которую можно увидеть во многих работах Караваджо. Картина выполнена в натуральную величину. Как это часто бывает в творчестве Караваджо герои имеют андрогинные черты (достаточно вспомнить «Лютниста» и «Вакха»). Изюминка не обошла стороной и Христа, который имеет явно женские черты лица.


Критика
Для многих мастерский реализм Караваджо зашел слишком далеко. В 1602 году он изобразил Святого Матфея для церкви Сан-Луиджи де Франсези в Риме. На нем был изображен босой святой, сидевший со скрещенными ногами так, что одна нога будто вырвалась из картины. По словам теоретика Беллори, картину комиссия отклонила, потому что священники увидели на полотне неприличие и бесстыдство. Священники явно не желали, чтобы на них падала грязная босая нога, даже если это всего-лишь полотно. По вердикту комиссии Караваджо должен был подготовить второй вариант сюжета. И он это сделал.





«Ужин в Эммаусе» подвергся аналогичной критике, особенно со стороны Беллори. «Помимо рустикального характера двух апостолов и Господа, который показан молодым и без бороды, Караваджо показывает трактирщика, обслуживающего его со шляпой на голове. На столе - корзина с виноградом, инжир и гранаты - не по сезону». Действительно, Воскресение празднуется весной в Пасху, а Караваджо выбрал осенние фрукты. Для Беллори тот факт, что трактирщик служит Христу со шляпой на голове, было наивысшим проявлением хамства. А его критика того, что корзина с фруктами показана «не по сезону», демонстрирует строгое стремление к полной точности в описании евангельских историй.

Отсутствие приличия - частая критика, направленная против работ Караваджо. А его привычка показывать апостолов грязными, оборванными и неопрятными всегда могла вызвать оскорбление представителей церкви.




Джованни Пьетро Беллори


Натюрморт
Что касается натюрморта, выбор фруктов на столе, безусловно, обдуманный. В сочетании с другими предметами на столе он имеет символическое значение. Яблоко, гниющее здесь, является символом Искушения и Падения Человека. Луч света, отраженный на скатертичерез стеклянный сосуд является атрибутом Рождества Пресвятой Богородицы. Хлеб легко идентифицировать как символ тела Христа.









Жареная птица -символ смерти, а вот гранат - атрибут Воскресения. Наконец, жертва Христа символизируется виноградом, который Беллори критикует. Виноград - источник вина, которое является для римско-католической евхаристии символом крови Христа. Соответственно, Караваджо использовал корзину фруктов, чтобы подчеркнуть значение сюжета. Караваджо написал еще одну версию «Ужина» в 1606 году. Для сравнения, жесты фигур во втором варианте гораздо более сдержанны.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/160420/46114/

Как Александр II через 14 лет запретного романа решился на брак с фавориткой

Сын Николая I запомнился потомкам как либеральный правитель, чьё имя увековечила реформа по отмене крепостного права. Но Александр II отличался не только активной политической деятельностью – не менее насыщенной была и личная жизнь русского монарха. Обаятельный и привлекательный внешне, царь покорял сердца сотен красавиц! Однако настоящую любовь испытал только к двум женщинам: одну из них он сделал законной женой, со второй – Екатериной Долгоруковой – имел открытую любовную связь, закончившуюся через 14 лет морганатическим браком.


Милая и забавная Катенька, или чем поразила царя юная дочь князя Михаила Долгорукова


Екатерина Долгорукова – дочь гвардейского капитана князя Михаила Михайловича Долгорукова. /Фото: intmag46.ru

Первое знакомство императора со своей будущей фавориткой состоялось в 1857 году. Находясь по государственным делам под Полтавой, Александр остановился в Тепловке – имении, принадлежавшем князю Михаилу Долгорукому. Прогуливаясь как-то августовским днём по княжескому саду, царь повстречал в нем 10-летнюю девочку. Заговорив с ней, Александр Николаевич узнал, что ребёнка зовут «Екатерина Михайловна», и находится она здесь, потому что «хочет увидеть императора».

Девочка, оказавшаяся дочерью князя Долгорукова, поразила царя своей рассудительностью и живым умом. Он нашёл Катеньку неглупым и забавным дитём, с которым можно беззаботно болтать несколько часов, неспешно прогуливаясь по саду. Екатерину Михайловну подобное времяпровождение приводило в неподдельный восторг, о чём она неоднократно вспоминала впоследствии.

Позже, когда император узнал, что князь скончался, а Долгоруковы находятся на грани нищеты, он распорядился помочь семье покойного. Четырёх сыновей гвардейского капитана по приказу царя определили в военное училище, двух дочерей – отдали на обучение в Смольный институт.


Как случайная встреча в Летнем саду перевернула жизнь императора


Екатерина Долгорукова была фавориткой императора более 14 лет. /Фото: i.pinimg.com

Вторая встреча Александра с уже повзрослевшей Екатериной произошла случайно в конце декабря 1865 года. Гуляя в Летнем саду, царь обратил внимание на симпатичную институтку с очень знакомым лицом: пройдя сначала мимо, император вернулся, чтобы уточнить, не является ли барышня Катей Долгоруковой. С этого дня видеться Александр II с юной княжной стал практически постоянно – они встречались в Летнем саду, а также в Смольном институте, куда царь приезжал, только чтобы посмотреть на девушку.


Больше года продолжались романтические встречи, состоявшие из невинных прогулок по окрестностям и долгих разговоров на природе. Привыкший к лёгким победам Александр, на этот раз не спешил – он общался со своей избранницей деликатнейшим образом, боясь излишним напором испугать 18-летнюю девицу. Переломный момент в отношениях наступил после 4 апреля 1866 года, когда на царя было совершено очередное покушение.

Вот как описывала своё состояние Долгорукова, узнав о шокирующей новости: «Как только я вышла из Летнего сада через небольшую калитку возле канала, то узнала, что в императора стреляли, поджидая его у ворот. Это известие настолько меня потрясло, что я заболела от слез и мыслей, что у такого ангела доброты имеются враги, желающие ему смерти. Несмотря на происшедшее, Александр в этот же день навестил меня в институте, показав тем самым, как он нуждается во мне. После всех переживаний и этой встречи я поняла, что моё сердце до конца жизни будет принадлежать этому человеку».

Через две недели император пригласил Екатерину в Зимний дворец, где напоил гостью чаем и подарил изящный браслет, так и не осмелившись открыть свои чувства. Близкие отношения между влюблёнными начались с конца ноября 1866 года перед поездкой Екатерины за границу, куда увозили её родственники, дабы пресечь связь с царём.


Как императору удавалось жить на две семьи


Екатерина родила от Александра II четырёх детей: Георгия, Ольгу, Бориса (умер в младенчестве) и Екатерину. /Фото: histrf.ru

Из заграничной «ссылки» Катя вернулась почти через год и встречи с монархом возобновились с прежней силой. Зимой пара уединялась в Зимнем дворце, в тёплый сезон встречалась в Петергофе или Царском Селе. Летом 1870 года по распоряжению Александра, его фаворитка стала фрейлиной Марии Александровны – законной супруги императора. Правда Долгорукову освободили от выполнения придворных обязанностей, оставив одно право – посещать балы и государевы праздники, на которых она могла свободно танцевать и общаться с царём.

В конце апреля 1872 года у Екатерины родился первый ребёнок – сын Георгий. Через год на свет появилась дочь Ольга. В феврале 1876 года Александр II стал отцом второго сына от Долгоруковой – Бориса, который, заболев в марте воспалением лёгких, скончался, не прожив и двух месяцев. Четвёртого ребёнка – дочь Катю, княжна родила в сентябре 1878 года.

В это время Александр уже поселил во дворце свою вторую семью, выделив любовнице с детьми три комнаты над своими покоями. Правда, дети присутствовали во дворце только в дневное время – спать им полагалось в отдельном доме на Конюшенной улице, куда их и отвозили каждый вечер после общения с родителями.

Незаконная связь вызывала большое недовольство клана Романовых. Особенно негативно по отношению к Долгоруковой был настроен цесаревич Александр, который любил отца и переживал за состояние больной чахоткой матери. Император все видел и понимал, но ничего менять не хотел. Он метался между умирающей законной женой и молодой фавориткой, отдавая первой всевозможную заботу взамен любви, которую он дарил второй.


Цена любви: княжеский титул и обеспечение в 3 млн. рублей


Екатерина Долгорукова, вошедшая в историю под именем светлейшей княгини Юрьевской, при дворе носила весьма нелестный «титул» самой бесстыжей царицы. /Фото: s018.radikal.ru

После смерти в мае 1880 года императрицы Марии Александровны, Александр II поспешил узаконить отношения с многолетней любовницей, не выдержав даже половину траурного срока. Уже 6 июля состоялось его тайное венчание с Екатериной, после которого она стала морганатической женой царя.

Переживший несколько покушений Александр опасался, что в случае смерти его вторая семья может оказаться в бедственном положении. Поэтому заключив брак, он через несколько часов распорядился присвоить своей жене титул «светлейшая княгиня» и закрепить за ней с детьми фамилию Юрьевские. Более того, вернувшись в ноябре из Крыма, где молодожёны проводили медовой месяц, царь открыл счёт на имя Екатерины, положив на него около 3 миллионов рублей золотом.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/170420/46124/

В чём секрет прекрасных Мадонн Бартоломе Мурильо - живописца, которого сравнивали с Рафаэлем

Святые на его картинах излучают доброту, Дева Мария полна любви и нежности, а ангелы «как будто дышат» - настолько реалистичными изображал их художник. Мягкий деликатный свет в стиле фламандцев и одновременно – яркое южное солнце родной Испании, смелые масштабные замыслы – и теплота, интимность каждого из полотен – это все про картины Бартоломе Эстебана Мурильо. В чем заключался его главный секрет? Может быть, в том, кого он приглашал на роли натурщиков?


Бартоломе Эстебан Мурильо, его учителя и неповторимый стиль письма




Б.Э. Мурильо. Автопортрет

О детстве Бартоломе Мурильо известно немного. Родился он в 1617 году в семье цирюльника, причем – севильского, да и всю почти жизнь провел в этом испанском городе. В десять лет мальчик потерял отца, спустя еще год – мать, после чего был отправлен на воспитание в дом своей тетки и ее мужа. Но бедным родственником Бартоломе не стал: его новая семья была достаточно богатой, а опекуны относились к племяннику хорошо. Заметив его талант к рисованию, они обеспечили ему обучение у известного в Севилье художника Хуана де Кастильо. Старшая сестра Анна заменила мальчику мать.




На картине «Детство Марии» Мурильо изобразил свою старшую сестру Анну, заменившую ему мать

Фамилию «Мурильо» Бартоломе Эстебан взял, по-видимому, от родственников с материнской стороны, по примеру своего земляка и учителя Диего Веласкеса. В 1640 году молодой художник отправился в Мадрид, где знакомился в том числе с работами Рубенса, ван Дейка, Риберы. Этот опыт стал для него определяющим. Поначалу писавший в сухой, жесткой манере своего первого учителя, Мурильо под влиянием произведений Веласкеса и других великих мастеров барокко изменил свой стиль, в его картинах стали проявляться лиричность, жизнерадостность, нежность, доброта. Художник вернулся в свой родной город.




Б.Э. Мурильо. Мальчик с собакой

Севилья в те времена была городом богатым, процветающим. Из Нового Света шли корабли, груженые золотом инков и ацтеков, а статус главного испанского морского порта давал большие преимущества и приносил огромную прибыль. Севилье была дарована монополия на торговлю с Вест-Индией. А потому и художники были обеспечены работой и хлебом насущным; и монастыри, и отдельные заказчики охотно оплачивали труд живописцев, не стал исключением и Мурильо. Некоторое время он зарабатывал продажей небольших холстов, а в 1645 году получил большой заказ от монастыря францисканцев, ставший переломным в его карьере.




Б.Э. Мурильо. Кухня ангелов

Мурильо становился одним из самых знаменитых живописцев Севильи. Выполненный цикл картин для францисканского монастыря принес ему известность, а некоторые из полотен и сейчас ценятся как примеры самых выдающихся произведений испанской живописи: «Святой Диего насыщает нищих», «Кухня ангелов», «Кончина Святой Клары», «Чума». Уже тогда в творчестве Мурильо проявилось его обостренное чувство реальности, а еще – способность сочетать ее с мистическим настроением библейских сюжетов, отчего картины как будто излучали тепло и доброту.


Семья, Дева Мария и ангелы на картинах Мурильо




Б.Э. Мурильо. Мадонна с младенцем

В тот период Бартоломе Мурильо женится, его супругой становится донья Беатрис Сотомайор-и-Кабрера, из семьи ювелиров. Поступают все новые заказы – главным образом, от церквей и монастырей. Большая часть наследия художника посвящена библейской тематике, особенно – прославлению Девы Марии. Мадонны Мурильо были особенными, не типичными для живописцев того времени. Открытое нежное лицо, устремленные на зрителя или к небесам выразительные темные глаза, полные любви – такой предстает Дева Мария на произведениях Мурильо. И если в качестве моделей для своих жанровых картин художник часто приглашал местных жителей, из народа, то в качестве главного женского христианского персонажа Мурильо обычно позировала его жена.




Б.Э. Мурильо. Поклонение пастухов


Это скорее догадка искусствоведов, чем установленный факт – все же в биографии Мурильо слишком много неясностей, но, взглянув на картины испанца, нетрудно увидеть, что Богородица у него действительно написана с одного женского лица. У супругов один за другим рождались дети – и им тоже доводилось становиться натурщиками. Считается, что на картине «Отдых на пути в Египет» Мурильо написал младенца Иисуса со своей дочери Исабель Франсиски.




Б.Э. Мурильо. Отдых на пути в Египет

В 1660 году уже знаменитый живописец участвовал в создании местной Академии художеств и стал ее первым президентом. После смерти Веласкеса его звали на придворную службу, но Мурильо отказался, оставшись в родном городе.




Б.Э. Мурильо. Дети с раковиной

Художник искренне интересовался жизнью простых людей, на его полотнах часто появлялись жанровые сцены с детьми. У Мурильо такие картины получались живыми, естественными, добрыми, порой забавными. Да и у него самого был полон дом детей. В 1663 году донья Беатрис умерла во время очередных родов, и в жизни художника произошел перелом. Некоторое время он вообще не брал в руки кисть. И следующие два десятка лет прожил вдовцом, так больше и не женившись.


Жизнь в монастыре и служение искусству




Б.Э. Мурильо. Благовещение

Он переехал с детьми из роскошного особняка в комнаты монастыря капуцинов, там Мурильо прожил до самой своей смерти. Для этой обители он выполнил большую работу по украшению алтарной стены. В творчестве Мурильо все чаще возникала тема подвигов христианского милосердия.
В 1680 году, когда каноник одного из монастырей Севильи Домонте был возведен в епископский сан, Мурильо была заказана картина, изображающая архангела Рафаила и обращенного к нему с молитвой епископа. Образ архангела был выполнен художником в нетипичной для испанцев манере. Моделью для этого персонажа послужила женщина.




Б.Э. Мурильо. Архангел Рафаил с епископом Домонте

По признанию русского живописца Виктора Васнецова, «трудно в христианской живописи сделать что-то новое после Рафаэля и Мурильо».

Мурильо считается одним из ведущих испанских живописцев «золотого века». Всего он написал свыше 450 произведений, большей частью на религиозные темы. В 1682 году Бартоломе Мурильо отправился выполнять очередной заказ в город Кадис, где должен был написать большую алтарную картину «Обручение святой Екатерины». Неудачно упав с подмостков, он сильно расшибся, и, переправленный обратно в Севилью, спустя некоторое время скончался. Картину заканчивал один из учеников Мурильо, Осорио.




Б.Э. Мурильо. Девушка с фруктами




Б.Э. Мурильо. Две девушки у окна
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/170420/46127/