Венецианские и флорентийские художники: цвет или линия

Там долго обсуждали эту тему, в результате этого спора венецианские и флорентийские художники создали два отдельных стиля, в одного был цвет, другого - линия

Что важнее в картине - цвет или линия? Этот вопрос охватывает все времена эпохи Возрождения, когда классические методы были заново открыты и изобретены. Италия, Центр эпохи Возрождения. Там долго обсуждали эту тему, в результате этого спора венецианские и флорентийские художники создали два отдельных стиля, в одного был цвет, другого - линия.

Флорентийские художники считали, что линейная конструкция - лучший способ изобразить предмет или человека на плоской поверхности. Для них рисунок был не только основой живописи, но и центром любого вида изображения. Часть этой веры была связана с местом. Климат во Флоренции был подходящим для фресок и темперных картин. Выполнение работ с желаемыми цветами было сложным и не всегда успешным. Исправление ошибок с цветом было утомительным и потому крайне нежелательным.

Джорджо-Вазари - Страшный суд, Флорентийский собор

Художники в этом районе разрабатывали планы или эскизы своего готовой картины заранее, чтобы гарантировать, что ничто не будет изменено на полпути. Нанесение краски осуществлялось с помощью штриховки, кроссхатчинга, форм-штриховки и других подобных приемов, которые были сильно ориентированы на рисование. Четкие линии были общими, а очертания охватывали фигуры и предметы. Однако Венеция не согласилась с этими методами.

Венецианские художники подходили к живописи по-разному. Цвет играл важную роль в изображении мира на холсте. Климат Венеции был слишком влажным для темперы и фрески, поэтому художники взяли за остову масляные краски. Картину всегда можно было переделать. Даже после высыхания на поверхность можно наносить больше краски, чтобы изменить какую-либо деталь.

Венецианские художники, вместо того, чтобы делать подготовительные рисунки, вырабатывали композицию по мере продвижения. Если что-то отвлекло внимание, художники либо сразу же стирали ошибку, либо ждали какое-то время и работали над фрагментом после высыхания краски. Линии в Венеции, обычно, не были распространены, зато цвета были удивительно насыщенными и яркими.

Это не значит, что художники не заимствовали привычки своих современников. Многие работы Леонардо да Винчи, результат обучения, которое он получил во Флоренции, частично или полностью были выполнены масляной краской, но он всегда делал рисунки, свидетельство того, что линия имела для него большее значение, чем насыщенные цвета.

Леонардо да Винчи – Мадонна в скалах

Тинторетто был венецианским художником, который использовал масла и насыщенные цвета, но признал силу линий Микеланджело. Он адаптировал флорентийскую технику в соответствии со своим стилем. Тинторетто разместился где-то посередине: не принадлежащий ни к одной из школ, и стал довольно популярен благодаря интеграции двух противоположностей.

Якопо Тинторетто - Тайная вечеря

Дебаты продолжались веками. Николас Пуссен, французский художник, предпочитал рациональность и силу линии. Питер Пауль Рубенс, фламандский художник, отдавал предпочтение цвету.

Питер Пауль Рубенс – Возвращение Дианы с охоты

Школы были разделены между Рубенистами и Пуссенистами на несколько столетий.

Оба подхода имеют свои достоинства и недостатки. Ни один из них не превосходит другой и больше зависит от стиля, чем от чего-либо ещё. Независимо от того, какое направление выбирал художник, для овладения живописью все ещё были необходимы твердые навыки рисования. Обе стороны обладали опытными, преданными последователями. Рубенс, несмотря на одобрение цвета, сделал десятки рисунков, выполненных с помощью ручек и чернильных линий.