Нередко люди разглядывают известны полотна и даже не догадываются, какой смысл первоначально вкладывали в них художники. И даже искусствоведы порой спорят о том, что именно хотел сказать художник. В этом обзоре собраны 12 известных полотен, глубокий смысл которых сегодня практически все забыли.
1. Венера Урбинская (1538). Тициан
Определенно, эта картина Тициана - одно из самых красивых и известных полотен в истории искусства. Герцог Урбино, Гвидобальдо II делла Ровеве, преподнес ее жене в подарок, чтобы холст мог быть символом всего, что она чувствовала. Герцог стремился представить брак через эротизм, верность и материнство. Венера, как богиня любви, была идеальным персонажем для отображения эротизма. Собака, лежащая на кровати, идеально подходит для представления верности. А леди, которая стоит на заднем плане за девушкой, представляет материнство и заботу.
2. Анжелюс (примерно 1858). Жан-Франсуа Милле
Данная картина получила название по первым словам молитвы «Angelus Domini», которую крестьяне возносят, прося Бога о хорошем урожае. Стоящие на фоне сумеречного света мужчина и женщина опускают лица, смотрят на корзину и ждут, когда Бог их услышит ... или, по крайней мере, это то, что видно «невооруженным глазом». Когда Сальвадор Дали пошел в школу в Фигерасе, в одном из ее коридоров висела репродукция этой картины.
Вскоре Дали стал буквально одержим холстом Милле и начал искать людей, которые могли бы помочь ему разгадать тайну того, почему на картине такие грустные лица у людей. В итоге друг Милле сказал Сальвадору, что художник зарисовал гроб, написав поверх его корзину, поскольку посчитал, что это будет слишком мрачно для парижского общества. Позже Дали обратился к администрации Лувра и попросил провести рентгеновский анализ, чтобы окончательно разгадать тайну. Под слоем краски, которой была нарисована корзина, на самом деле было изображение чего-то квадратного, что могло быть гробом ребенка.
Сальвадор Дали также ассоциировал картину Милле «Анжелюс» с интимом и смертью. Художник утверждал, что тачка представляла половой акт, корзина была намеком на мертвого сына, и, таким образом, женская фигура демонстрирует напряженность по отношению к своему партнеру, который стоит в подчиненном положении.
3. Габриэль д’Эстре с сестрой (1594). Неизвестный художник школы Фонтенбло
Габриэль д’Эстре, известная как любовница короля Франции Генриха IV, имела трех детей-бастардов, которые стали родоначальниками рода Вандом, побочной линии династии Бурбонов. Художник изобразил ее рядом с сестрой, которая сжимает ее сосок, чтобы показать зрителям, что Габриэль скоро родит (в год создания картины она была беременна одним из ее детей-бастардов по имени Сезар). Кроме того, Габриэль держит кольцо, символ ее любви к королю и брака, который она обещала ему.
4. Качели (1767). Жан-Оноре Фрагонар
Эта картина изобилует эротикой, но Фрагонар, прежде всего, пытался создать пародию на прелюбодеяние посредством стереотипов. Холст был заказан молодым аристократом, изображенным в левом нижнем углу, прячущимся среди кустов роз, чтобы напоминать ему время, когда он жил с женщиной на качелях. Согласно различным источникам, молодой мужчина и женщина наслаждаются тайной любовью, что символизирует палец Купидона, прижатый к губам, как бы в знак молчания. Мужчина, который раскачивает качели, является мужем женщины, а скульптура двух маленьких влюбленных ангелов показывает то, как влюблен тот, кто качает качели.
5. Ночной кошмар (1781). Иоганн Генрих Фюссли (Генри Фюзели)
Считающаяся примером готических ужасов, эта картина Фюзели показывает спящую женщину и горгулью над ней. На самом деле это сцена овладения демоном: инкуб появляется в эротическом кошмаре женщины. На заднем плане за этим наблюдает лошадь - монстр, которого в Германии называли Nachtmahr (ночной кошмар). Его также называли лошадью Мефистофеля.
6. Смерть Марата (1793). Жак-Луи Давид
Лидер якобинцев Жан-Поль Марат был зарезан дворянкой Шарлоттой Корде в то время, когда Марат принимал ванну с серной водой, чтобы облечить кожную болезнь. Художник был близким другом Марата, и поэтому он решил нарисовать революционера как мученика, а не показывать его полную беспомощность на тот момент. Таким образом, Жак-Луид Давид выставил эту картину как пропагандистский акт героизма: работа напоминает образ снятого с креста Иисуса на картине Аньоло Бронзино.
Нож на земле определенно контрастирует с пером в руке Марата: оружие убийцы против оружия Марата в борьбы за революцию. Кроме того, даже мертвый революционер все еще держит перо в руке. Это подчеркивает, что даже смерть не может удержать его от его своих обязанностей.
7. Поцелуй (1859). Франческо Айец
Хотя на первый взгляд эта картина показывает прощание двух влюбленных, она имеет скрытый смысле: в 1859 году королевства Пьемонт и Сардиния подписали союз с Францией для борьбы с Австрией. По этой причине главные герои носят синий, красный, белый и зеленый цвета, представляющие собой флаги Италии и Франции, объединенные пактом столь же страстным, как эти двое влюбленных.
8. Завтрак на траве (1882). Эдуард Мане
В этой импрессионистской картине Мане подчеркивает свет как один из важнейших элементов его творчества. Также имеют большое значение все фигуры на картине: и перевернутая корзина с фруктами в левом нижнем углу, и обнаженная женщина, которая бесстыдно смотрит на зрителя. Таким образом, Мане удалось показать антагонизм, существующий между воображаемым и реальным. При всем этом самое любопытное, что, хотя благодаря игре со светом и цветами Мане стал одним из лучших художников-импрессионистов, эта картина является переинтерпретацией работы «Сельский концерт» Тициана.
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: 15 малоизвестных фактов о скандальной картине Эдуарда Мане "Завтрак на траве" >>
9. Бар в «Фоли-Бержер» (1832). Эдуард Мане
Как и в предыдущей картине, Мане попытался передать игру света. В этом случае, речь идет об искусственном освещении в баре «Фоли-Бержер». На переднем плане показана официантка, но самая интересная часть работы - это то, что находится по левую руку от нее. Хотя многие говорят, что это еще одна официантка, на самом деле это зеркало. Однако отраженное изображение не соответствует настоящему, поскольку позы женщины не совпадают в точности, равно как и не совпадает с оригиналом отражение бутылок на барной стойке. Считается, что так художник хотел подчеркнуть разницу между реальным и вымышленным, между настоящим и другим временем, между социальными классами.
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: 15 малоизвестных фактов о картине Эдуарда Мане «Бар в „Фоли-Бержер“» >>
10. Мадам X (1883 - 1884). Джон Сингер Сарджент
Красотой Виржини Готро восхищалась вся Франция. Многие художники просили светскую львицу стать их музой, однако она всегда отвергала их. Сарджент, которому в то время было двадцать лет, связался с Готро через общего друга, написав ему: «Я очень хочу нарисовать ее портрет, и я думаю, что она примет его как великую дань ее красоте ... если Вы можете, то передайте ей, что я человек с потрясающим талантом». После двух лет упрашиваний Готро согласилась.
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: 15 малоизвестных фактов о скандальной картине Сарджента «Портрет мадам Х» >>
Тем не менее, картина почти разрушила карьеру художника, который после того, как его начали презирать, был на грани отказа от живописи и собирался заняться музыкой. «Мадам X», портрет мистической женщины в черном платье с золотыми бретельками, которая надменно смотрит вдаль, подвергся суровой критике. Разразился такой скандал, что мадам Готро была вынуждена удалиться от светской жизни, а художник переехать в Великобританию, а затем в США.
11. Поцелуй (1907-1908). Густав Климт
Недавние исследования утверждают, что картина, которая когда-то считалась самой романтичной в истории искусства, на самом деле является интерпретацией мифа Овидия. Аполлон был проклят Эросом за то, что тот высмеял его. Затем Эрос сделал так, чтобы Аполлон влюбился в нимфу Дафну, которая чувствовала отвращение и презрение к нему. Когда Аполлон попытался приблизиться к Дафне, та попросила о помощи, и отец превратил ее в лавр. Согласно этой теории, «Поцелуй Климта» представляет собой тот момент, когда Аполлон, переполненный желанием и страстью, обнимает нимфу, а та начитает превращаться.
12. Карта (1961). Джаспер Джонс
Джонс создавал свои парадоксальные карты, которые мало кто понимал. Некоторые уверяют, что так он пытался полностью стереть границы между государствами, чтобы подчеркнуть политическую несостоятельность современных границ. Кроме того, его картины, как и полотна многих художников той эпохи, стремились отразить потерю индивидуальности и появления однородной идентичности с ростом потребительства.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/250418/38720/
Комментариев нет:
Отправить комментарий