Как художник-летописец сталинских времен заполучил в псевдоним имя языческого бога

В последние годы все больше и больше в среде коллекционеров стали котироваться работы соцреалистов, творивших свои полотна в первой половине ХХ столетия. История - есть история и, какой бы она не была - ее не перечеркнешь росчерком пера. И сколько бы ни чернили плеяду художников советского времени, и среди них были удивительные мастера и прекрасные люди, свято верившие в идеалы социалистического строя. И в подтверждение тому творчество живописца Василия Сварога.




Автопортрет. (1926год). Государственная Третьяковская галерея. Автор: Василий Сварог.

Поистине удивительным был художником и организатором Василий Семенович, привнесший в искусство соцреализма самобытность, светлую палитру красок и позитивное настроение даже при создании картин с глубоким политическим смыслом, а также сделавший для своего родного города Старой Руссы, много добрых дел.

Кроме всего прочего, обладая прекрасным голосом и абсолютным слухом, Сварог самостоятельно обучился игре на гитаре и отдавался ей со всей страстью: писал музыку, гастролировал с концертами, в родном городе даже создал оперный коллектив. Он часто любил поговаривать: "Во-первых, я художник, но я одинаково страстно люблю музыку и пение. Я не представляю себе жизни без этих трёх искусств. Если я когда-нибудь буду лишен одного из них, если равновесие будет нарушено, я, наверное, перестану быть художником".


Несколько страниц из биографии соцреалиста



Василий Сварог. Автор: Илья Репин.

Настоящая фамилия Василия Семёновича Сварога (1883-1946) - Корочкин. Родился он в городе Старая Русса Новгородской губернии в семье крестьянина. Вскоре семья потеряла отца-кормильца, и забота о двух дочерях и двухлетнем сыне легла на мать. Жили очень бедно, еле-еле сводя концы с концами. И куда уж было думать Василию об образовании, тем более художественном.

Однако, дар к рисованию, проявившийся у Васи с раннего детства, не остался незамеченным. Его приметил известный педагог Академии художеств, а тогда только учитель рисования старорусского городского училища - Павел Чистяков. Именно он кинул клич среди представителей интеллигенции Старой Руссы и организовал сбор денежных средств, чтобы талантливый земляк после окончания училища смог продолжить художественное образование. И так, благодаря добрым людям Василий Корочкин в 1896 году, в 13-летнем возрасте, поступил в Петербургское художественное училище барона Штиглица. И уже, спустя четыре года, успешно окончил его. И что любопытно, именно там Вася Корочкин обретет свой звучный псевдоним художника — «Сварог».




Пейзаж. (1932 год). Автор: Василий Сварог.

А дело было так… На третьем курсе, для курсовой работы начинающему художнику досталось задание: написание картины на тему «Бог небесного огня Сварог», где главным героем было бы изображено божество из мифологии славян-язычников. И тут Василий, проявив весь свой арсенал фантазии, "намалевал солнце, звёзды, молнии, всполохи северного сияния, зори, радуги, а в этом сверкающем окружении — лик божества - Сварога". Картина понравилась экзаменаторам, а один из них как бы в шутку заявил: «Корочкин, в зеркало ты, что ли смотрел, когда писал Сварога? Точь-в-точь на тебя похож». С того дня это имя будто прилипло к парню. Сначала шутки ради, а затем и всерьез все стали величать его Сварогом. А Василий со временем, привыкнув к этому прозвищу, взял его за псевдоним.

После окончания в 1900 году учебного заведения талантливый юноша начинает сотрудничать с популярными в то время в Петербурге издательствами журналов, и вскоре становится победителем в конкурсе за серию рисунков к пьесе Льва Толстого «Живой труп».




Портрет Юрия Репина. Автор: Василий Сварог.

Как-то посчастливилось Сварогу завести дружбу с сыном Ильи Репина - Юрием, так же художником, и написать с него портрет. А затем познакомиться и с самим мэтром русской живописи, Ильей Ефимовичем, который распознав в Свароге большие задатки таланта, даст молодому перспективному живописцу рекомендацию для вступления в Товарищество передвижников. Именно тогда Василий и напишет «Портрет матери», удостоенный первой премии на Передвижной выставке в 1916 году.




Портрет матери художника. (1916 год). Государственная Третьяковская галдерея./ Волховстрой.(1931 год). Автор: Василий Сварог.

И совсем скоро в стране произошло событие, в корне изменившее жизнь России - грянула великая Октябрьская революция, которую Сварог принял всем своим пламенным сердцем. К первой годовщине революционных событий живописец создаст портреты Маркса, Энгельса, Ленина.




Штаб Октября. (1934 год). Автор: Василий Сварог.

Но вскоре художник покидает Питер в связи с тяжёлой болезнью матери и возвращается в родной город. Несколько лет, проведенных в Старой Руссе, для художника были весьма насыщены событиями. Он организует Народный дом, создаёт художественную студию, самодеятельные хоровые и оркестровые кружки, любительский оперный театр.




Подпасок.(1938 год). Автор: Василий Сварог.

Помимо бурной организаторской деятельности Василий Сварог пишет множество картин, посвящённых родному городу и его жителям — «Портрет Васи Ушакова», «Дети», «Рогачёвка».




Доклад И.В. Сталина на Чрезвычайном VIII съезде Советов. Автор: Василий Сварог

А вернувшись в Питер в 1923 году, вступает в Ассоциацию художников революционной России. И вплоть до самой войны пишет портреты вождей революции, их ближайших соратников, рабочих-ударников, подвиги Красной Армии, народные торжества и заседания, создаёт композиции на индустриальные и колхозные сюжеты. Не преминул Василий выставить свои работы в 1925 году и на Всемирной выставке в Париже. За одиннадцать своих политизированных плакатов из альбома «9 января» Сварог становится обладателем серебряной медали.




«И.В. Сталин и члены Политбюро среди детей в ЦПКиО им. Горького». (1939 год). Третьяковская галерея. Автор: Василий Сварог.

Однако самый важный этап творчества Василия Сварога начался в 30-х годах. Переехав в Москву, живописец создал не один десяток огромных полотен с образами вождей революции. Так постепенно весь свой творческий потенциал Сварог направляет в политическое русло, и жанр, в котором начал работать, стал называть «политической композицией». Одни картины живописец писал, основываясь на личные впечатления, иные - на основе газетных сообщений. Именно эти работы принесли ему официальное признание и материальный достаток.




К.Е. Ворошилов на маневрах. (1932 год). Автор: Василий Сварог.

Во время войны художник эвакуировался в Самарканд, где плодотворно работал, изображая фронтовые события. А когда немцы были отброшены от Москвы, многие москвичи из Узбекистана стали возвращаться в столицу. Среди них был и Василий Сварог. Однако на Самаркандском вокзале с художником приключилась беда: переходя железнодорожные пути с чемоданами, он случайно споткнулся и, упав, ударился левым виском о рельсы. В критическом состоянии он был доставлен в Москву. Длительное время врачи боролись за жизнь художника. Он выжил, но вернуться к живописи уже не смог. А спустя четыре года Василия Семёновича Сварога не стало.




Сталин и члены Политбюро на аэродроме Тушино. Автор: Василий Сварог.




К.Е. Ворошилов и А.М. Горький в тире ЦДКА. Центральный музей Советской Армии. Автор: Василий Сварог.



Портрет Светланы Халатовой. Автор: Василий Сварог.




Портрет гитаристки Евгении Макеевой. Рязанский областной художественный музей. Автор: Василий Сварог.




Портрет П.И. Чайковского. (1940 год). Автор: Василий Сварог.




Портрет В.В. Маяковского. 1940. Государственный Русский музей./ Портрет В.В. Куйбышева. 1935 г. Государственная Третьяковская галерея. Автор: Василий Сварог.




Агитационные плакаты от Василия Сварога.




Агитационные плакаты от Василия Сварога.




Рекламные афиши от Василия Сварога.

И в завершение, хотелось бы отметить, что Василий Семенович был не только одним из ярчайших летописцев исторических событий первой половины ХХ столетия, известным графиком в жанре агитационного плаката, а и великолепным мастером портрета. Его произведения до сих пор хранятся в запасниках центральных музеев страны и ближнего зарубежья. Они – часть нашей истории. Именем художника названа картинная галерея в Старой Руссе, где хранится половина его наследия.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/260619/43502/

Как меценат Савва Мамонтов возродил русскую керамику: Уникальная майолика Абрамцева

О том влиянии, которое оказал на русскую культуру меценат Савва Мамонтов, собравший в своей усадьбе «Абрамцево» величайших художников, известно всем. Но особого внимания требует создание им знаменитого завода майолики. С помощью талантливых художников и не менее талантливого химика производство Саввы Мамонтова совершило настоящий прорыв в технологии изготовления керамики. Абрамцевская майолика, сохранившаяся на фасадах домов, до сих пор радует глаз как памятник эпохе модерна и непревзойденный вид искусства.




Русскую майолику возродили в XX веке благодаря Савве Мамонтову. /Фото:artchive.ru

Экспериментальная керамико-художественная мастерская появилась в этом уникальном уголке русской культуры в 1889-м, через 19 лет после того, как Савва Мамонтов приобрел усадьбу у писателя Сергея Аксакова.




Мамонтов (за роялем) и его талантливые друзья - художники И.Репин, В.Суриков, К.Коровин, В.Серов и скульптор М.Антопольский. Абрамцево.


Удачное сочетание талантовВозрождать русскую майолику (уникальные произведения искусства, выполненные из цветной обожженной глины и покрытые глазурью) взялись талантливые русские художники. Пробовали свои силы в этой мастерской Репин, Васнецов и многие другие живописцы, и даже… сам Савва Иванович Мамонтов. Но самый большой вклад в возрождение этого искусства внесли, пожалуй, Петр Ваулин и Михаил Врубель.




Панно на гостинице «Метрополь». М. Врубель. /Фото:russian-mayolica.ru

По задумке организаторов этой затеи майолика Абрамцева должна была возродить моду на старинные усадебные печи XVI-XVII веков с красивейшими изразцами, которая, как надеялись художники, непременно должна была вернуться.




Ваулин, запечатленный возле уникальных образцов майолики. Абрамцево.

Кстати, на заре работы мастерской Врубель изготовил проекты для печей усадебного дома и флигелей Мамонтова в Абрамцеве, а также надгробия Андрея Мамонтова.

Врубель внес в производство «новой майолики» свою фантазию, талант декоративного искусства и смелость идей. Ваулин – уникальный и современный способ производства. Как химик по образованию он разработал новый технологический процесс и придумал уникальные рецепты покрытий. Более того, способ обжига, который разработал Ваулин, позволял добиться при изготовлении изделий очень оригинальных и невероятно красивых художественных эффектов.

Тандем Врубеля и Ваулина при очень важном участии и других талантливых художников привел к созданию шедевров и нового направления в искусстве. Но, безусловно, без финансового (и не только финансового) покровительства влиятельного Саввы Мамонтова таких блестящих результатов добиться им вряд ли удалось бы.




Майолика Александра Головина. Братина «Петух» с ковшами в виде куриц./Фото:artchive.ru




А. Головин. Блюдо с растительным орнаментом. /Фото:artchive.ru

А результаты не заставили себя долго ждать. Майолика Абрамцева очень высоко ценилась как в России, так и за рубежом, работы художников занимали высокие места на престижных выставках.

Через несколько лет после создания мастерской Мамонтов перевел производство из Абрамцева в Москву, где построил завод по производству майолики. Предприятие получило новое название –гончарный завод «Абрамцево».




Скамейка М. Врубеля. Абрамцево/Фото:.russian-mayolica.ru

Майолика, выпускаемая на заводе, продолжала иметь бешеную популярность. Ее уникальность была не только в удивительно красивом покрытии и мастерстве великих художников, но еще и в том, что изделия изготавливали из разномодульных частей, из-за чего они чем-то напоминали мозаику. (родоначальником этой идеи считается Врубель, хотя она встречается и в работах испанского архитектора Гауди того же периода).




Для сравнения: скамейка Врубеля и скамейка Гауди. /Фото:artchive.ru

В 1900 году Мамонтов представил образцы своего производства на Всемирной выставке в Париже. Майолика Абрамцева была оценена по достоинству: владельца завода наградили золотой медалью как производителя, а Врубеля – золотой медалью как художника за представленный на выставке камин «Встреча Вольги с Микулой Селяниновичем», который, кстати, какое-то время даже использовали по назначению, а также за скульптуры, выполненные по сюжетам опер.




Камин «Встреча Вольги с Микулой Селяниновичем» в Третьяковской Галерее. /Фото:artchive.ru

Именно на предприятии «Абрамцево» была создана Врубелевская «Принцесса Греза» и другие керамические панно, украсившие фасад «Метрополя».




«Принцесса Греза». /Фото:artchive.ru

Здесь же, на заводе Мамонтова, по эскизам Константина Коровина было изготовлено панно, посвященное Северу России, которое украсило здание Ярославского вокзала. Фриз, расположенный над окнами второго этажа вокзала, также изготовлен на гончарном предприятии «Абрамцево».

А майоликовые фризы, украсившие фасад Третьяковской галереи, завод изготовил по эскизам Виктора Васнецова.




Фриз на здании Третьяковки. /Фото:prokhozhyj.livejournal.com

Знаменитую абрамцевскую майолику можно разглядеть и на здании дипмиссии Швейцарии в Хлебном переулке – когда-то этот особняк построил для себя известнейший архитектор и реставратор Сергей Соловьев. Свой дом он щедро украсил разнообразным декором – в том числе 14 майоликовыми панно «Рим. Форум ночью», которые можно разглядеть на фасаде здания со стороны Хлебного переулка. Авторство этих панно точно не определено – среди наиболее вероятных кандидатур искусствоведы называют Врубеля и Васнецова.




Фрагмент особняка Соловьева. /Фото:bykovvg-1952.livejournal.com




Майоликовый медальон на доме Соловьева. /Фото:bykovvg-1952.livejournal.com

Майолику великих художников, выполненную на заводе Мамонтова, до сих пор можно встретить на зданиях по всей России, и это здорово.

Считается что майолика Абрамцевского завода не уступает ни работам современных европейских мастеров, ни древним художникам-керамистам. Многие искусствоведы даже утверждают, что она превосходит своих «конкурентов» из любых эпох и ей просто нет аналогов.




Абрамцевская майолика на здании в Таганроге. Особняк Шаронова. /Фото:artchive.ru

Изделия, изготовленные на гончарном заводе «Абрамцево», можно увидеть не только на зданиях, но и в экспозициях крупнейших национальных музеев нашей страны – например, в Третьяковке, музее керамики Кусково и Русском музее.


Майолика до мастерской МамонтоваИсторию русской майолики принято вести от керамической фабрики, которую открыл в Стрельне князь Меньшиков, а также московского завода Гребенщикова. В Стрельне производили богато декорированные изразцы для дворцов и храмов (производство было развернуто по образцу голландских мануфактур). Московское предприятие с 1724 года выпускало в основном крупную плитку с монохромной росписью и глиняную посуду.

Затем майолика появилась в знаменитом Подмосковном поселке Гжель и в Ярославле. На первых порах русские мастера перенимали приемы керамической росписи у западноевропейских и китайских предшественников, но со временем майолика, производимая в России, приобрела национальный колорит.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/260619/43503/

Кем был реальный прототип Доктора Фауста, и почему в XVI веке считали, что он продал душу дьяволу

История алхимика и ученого, продавшего душу дьяволу, известна во всем мире. Несмотря на явно мистические мотивы, у доктора Фауста есть реальный прототип, живший в XVI веке. Неизвестно, были ли у него отношения с потусторонними силами, однако славу чернокнижника и некроманта он получил еще при жизни. На самом деле, в момент написания знаменитой трагедии Гёте, этот персонаж уже был популярен по всей Европе.

Жизнь реального доктора Фауста описана во многих литературных произведениях, она явилась основой для народных легенд, поэтому выделить из этих материалов рациональное зерно сегодня очень трудно. Сохранились всего несколько документов, в которых упоминается это имя, поэтому есть версии, что данный персонаж – сборный, возможно, что реальному алхимику после смерти приписали «подвиги» других исторических личностей. В списке возможных прототипов – многие мыслители и ученые: папа Сильвестр II, Роджер Бэкон, аббат Иоганн Тритемия и Генрих Корнелиус Агриппа.




Иоганн Георг Фауст, портрет кисти неизвестного художник XVII века

Однако есть достоверные источники, которые сообщают, что Иоганн Георг Фауст действительно родился около 1480 года в Германии. За право называться его родиной некоторое время боролись четыре города: Книтлинген, Гельмштедт, Зиммерн и Зальцведель. Победил первый, и теперь именно там открыт музей Фауста. Юный доктор, судя по всему, рано начал свой путь в науке и одновременно блуждания по свету – вероятнее, всего, сначала он был странствующим магом-фокусником. По одним сведениям, он учился некоторое время в Кракове, по другим – около 25 лет от роду он просто приписал себе пышное звание: «Магистр Георгий Сабелликус Фауст-младший, кладезь некромантии, астролог, преуспевающий маг, хиромант, аэромант, пиромант и выдающийся гидромант». С такой рекламой он начал выступления. В городских записях Гельнхаузена, например, 1506 году Фауст упоминается в связи с «магическими» фокусами. Занимался он также, вероятно, и алхимией, гаданиями, и лечением по знахарским рецептам.




Ян Матейко «Алхимик»

Ничего существенного маг и алхимик достичь не смог, но, через несколько лет, пользуясь покровительством знатных особ, получил место школьного учителя в городе Кройцнахе (ныне Бад-Кройцнах). Однако этот жизненный этап закончился быстро и бесславно, он был изгнан из города за педофилию и чернокнижие. В документах, хранящихся в архивах Нюрнберга, также нашлись упоминания о докторе Фаусте, которого называют при этом великим содомитом, некромантом и запрещают ему въезд в город. В этот же период Иоганн Тритемий, выдающийся ученый своего времени и аббат Шпонгеймского монастыря пишет возмущенное письмо знакомому, придворному астрологу и математику Иоганну Фирдунгу: «Человек, о котором ты мне пишешь... имеющий дерзость называть себя главой некромантов, — бродяга, пустослов и мошенник».

Несмотря на такое отношение собратьев по науке, судя по документам, Фауст все-таки заканчивает Гейдельбергский университет и получает ученую степень. В дальнейшем он продолжает путешествовать по городам. Так, например, сохранилось свидетельство, о том, что в 1520 году он за 10 гульденов составил подробный гороскоп по заказу епископа города Бамберга. Подобная плата была достаточно щедрой, так что можно сделать вывод о том, что репутация Фауста со временем все-таки достигла пристойного уровня. Известно, что он пытался преподавать в университетах, но каждый раз быстро покидал должности. Коллеги по-прежнему отзываются о нем противоречиво, хотя считают, судя по всему, крупным ученым. А под конец жизни, по некоторым свидетельствам, его известность была сравнима со славой Парацельса.



«Иоганн Фауст (ок. 1480 — ок. 1540), астролог, алхимик, жил здесь между 1525 и 1532 годами» (мемориальная доска на доме в Виттенберге)

Один из первых печатников Иоаганн Манлиус в письме упоминает о знакомстве с Фаустом из Книттлингера, однако называет он этого человека «выгребной ямой, полной чертей». Кстати, о чертях, судя по всему, дурную славу доктор приобрел еще при жизни и, возможно, в результате черного самопиара. Вероятно, такая известность помогала ему в работе. О нем ходили совершенно фантастические слухи – якобы доктор, обедая в таверне, проглотил нерасторопного мальчишку-прислужника, или скакал верхом на бочке с вином, которую было никак не выкатить из подвала, а помогал ему во всех делах верный спутник – черный пудель, который на самом деле был самим нечистым.

Но главным скандалом в жизни Фауста стала, как это ни парадоксально это звучит, его смерть. Предполагают, что он погиб в 1540 или 1541 году, взорвавшись во время алхимического эксперимента. Произошло это запоминающееся событие в гостинице "У львов" (Zum Löwen) городка Брайсгау. Труп был сильно обезображен, и, разумеется, молва приписала эту трагедию шашням доктора с потусторонними силами. Появляется легенда о договоре с Сатаной и о проданной душе, которую дьявол таким шумным способом вытряхнул из грешного тела чернокнижника.




Алхимик, создающий гомункула

После смерти доктора Фауста его популярность только возросла и дополнилась многочисленными легендами. Он стал героем народных сказаний и балаганных пьес. Основные моменты: договор с дьяволом, успехи у женщин и в богопротивных экспериментах, и, наконец, яркий финал – утаскивание души грешника в Ад, как раз сложились в этот период. Через несколько десятилетий безымянным автором был написан первый роман - «История о докторе Фаусте». Он стал настоящим бестселлером и продавался по всей Европе. На французском его пересказал историк и богослов Пьер Кайе, именно он, например, ввел в историю античную красавицу Елену.

Всего с тех пор о мятежном докторе написано больше 30 литературных произведений. Кроме Гёте, в числе многих, к этой теме обращались Генрих и Томас Манн, Пушкин, Гейне, Тургенев, Луначарский, фантасты Роджер Желязны и Роберт Шекли. В музыке - Берлиоз, Вагнер, Бетховен, Шуман, Лист, Прокофьев, Шнитке и другие. Снято больше 15 фильмов, в XXI веке доктор Фауст стал даже героем комиксов и компьютерных игр, так что популярность этого образа со временем не меркнет.




Фауст и Мефистофель – вечный сюжет о поиске человеком истины и познании самого себя
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/250619/43498/

Купидон, спрятанный в картине Вермеера 200 лет назад, предстанет перед зрителями

Казалось бы, классическая живопись – это область, в которой все шедевры уже столетиями известны, и обнаружить на старинных картинах что-то новое не представляется возможным. Однако один из корифеев-фламандцев недавно удивил искусствоведов. На картине «Девушка с письмом» кисти Яна Вермеера было обнаружено авторское изображение Амура, закрашенное позднее. Начата работа по возвращению картины к авторскому замыслу. Дрезденская галерея старых мастеров представила широкой публике предварительные результаты.

Изображение картины с Амуром на стене позади девушки под слоем краски было обнаружено исследователями еще 40 лет назад. Однако все эти годы специалисты были уверены, что закрасил его сам Вермеер. В 2017 году началась серьезная реставрация «Девушки с письмом у открытого окна». Несмотря на хорошее состояние картины, ее начали для того, чтобы удалить с полотна пожелтевший лак - со временем он серьезно изменил цветовую гамму шедевра. В процессе работы реставраторы исследовали более глубокие слои краски и смогли доказать, что Амур на стене был закрашен значительно позднее. На нем даже есть частицы обычной грязи, то есть картина в изначальном варианте висела на стене несколько десятков лет, после чего, по неизвестным причинам, изображение было скрыто.




Ян Вермеер «Девушка, читающая письмо у открытого окна» (1657 год), Галерея старых мастеров, Дрезден

Интересно, что на картине были еще несколько деталей, измененных художником в процессе работы над полотном. Например, голова девушки была изначально сильнее повернута от зрителя (отражение в стекле, кстати, больше соответствует этому), а на столе, накрытом вместо скатерти персидским ковром, стоял большой бокал «ромер» на высокой ножке. Вермеер затем закрыл его зеленым занавесом. Эти небольшие тайны, скрытые под слоями краски, лишний раз убеждали специалистов в том, что и Амур на стене был закрашен самим художником. После того как было доказано, что это не так, картину решили вернуть к авторскому замыслу.



Ян Вермеер, «Девушка с письмом у окна» в процессе реставрации

Искусствоведы считают, что «картина в картине» существенно изменит эмоциональный характер полотна. Его главной особенностью всегда считалась некоторая недосказанность. Девушка, стоящая у окна, полностью поглощена своими мыслями. Мы можем лишь догадываться о них, благодаря некоторым символам, обычным для живописи той эпохи. Открытое окно говорит о желании вырваться из тесного пространства, а фрукты на столе, считается, несут четкий эротический подтекст (грехопадение Евы). Изображение бога любви, конечно, сделает этот символизм гораздо более ярким и однозначным. Правда, как предупреждают специалисты, картина станет менее «молчаливой».

Этот же Купидон присутствует и на других картинах Вермеера. Известно, что некоторые вещи, видимо, бывшие в распоряжении художника, частенько «путешествовали» по его полотнам. Так, например, богатую желтую накидку с горностаем мы можем видеть сразу на нескольких женских портретах. Картина с Амуром же висит на стене позади «Дамы, стоящей у вирджиналя». Ученые уверены, что такое полотно действительно принадлежало Вермееру и иногда становилось героем композиции. В реестре имущества его вдовы, составленном в 1676 году, есть упоминание о «Купидоне». Кстати, одним из возможных объяснений исчезновения его с картины считается неприкрытая нагота пухленького младенца. Возможно, что какому-то из владельцев картины уже после смерти художника она показалась нескромной.




Ян Вермеер, «Дама, стоящая у вирджиналя» (1670-е), Национальная галерея, Лондон

Известно, что как минимум еще на одном своем полотне Вермеер в процессе работы действительно закрасил картину на стене. Речь идет о «Молочнице». Рентгеновские исследования показали, что за женщиной висел какой-то предмет, возможно, карта. Считается, что художник остановился в результате на более лаконичной композиции, чтобы не перегружать картину деталями. Подобные исследования всегда очень интересны, так как позволяют проследить процесс работы мастера, возможно, даже лучше понять его замысел.




Ян Вермеер, «Молочница» (1658—1660 гг), Государственный музей, Амстердам

Что же касается «Девушки с письмом у открытого окна», то возвращение ее к авторскому замыслу теперь только вопрос времени. С помощью скальпеля и микроскопа специалист Кристоф Шёльцель из Дрездена проводит тщательную очистку живописного слоя, удаляя более поздние изменения. Начался этот процесс в 2018 году, а закончится в 2020-м. В мае-июне этого года посетители Галереи Земпера в Дрездене имели уникальную возможность увидеть наполовину восстановленную картину. Сейчас полотно уже вернулось в лабораторию и процесс «освобождения» бога любви продолжается.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/240619/43489/

Почему имя художника Константина Савицкого было стерто с полотна «Утро в сосновом лесу»

Жанровая живопись во все эпохи считалась самым ярким отображением жизни людей и окружающей их действительности. Поэтому всегда был так чрезмерно велик интерес зрителей к этому виду изобразительного искусства. И сегодня хотелось бы показать читателям великолепную галерею сюжетных картин известного русского художника-передвижника Константина Савицкого, подарившего потомкам частичку истории России 19 века. А еще рассказать об легендарной истории соавторства с Иваном Шишкиным, которое собственноручно аннулировал Павел Третьяков.




«Портрет художника К.А.Савицкого»(1871 год). Автор: Иван Крамской.

К большому сожалению, имя художника Савицкого ныне пребывает в забвении, хотя его работы заслуживают большего внимания. Он был одним из выдающихся представителей передвижников, определивших историю искусства России во второй половине XIX века. Поэтому множество его полотен хранится в запасниках Третьяковской галереи и других известнейших отечественных музеях.


Легендарная история о создании полотна «Утро в сосновом лесу»




«Утро в сосновом лесу». Совместная работа Ивана Шишкина и Константина Савицкого. Третьяковская галерея.

И, вспоминая об этом талантливом мастере, нельзя не упомянуть об одной щекотливой истории из его жизни. Многие знают, что именно Савицкий является автором знаменитых мишек, изображенных на полотне Шишкина «Утро в сосновом лесу». Изначально даже в углу холста стояло два автографа - Шишкина и Савицкого. Однако фамилию второго автора собственноручно стер Павел Третьяков, купивший «Утро» для своей галереи.




Портрет художника И. И. Шишкина. (1880 год). Автор: Иван Крамской. / Портрет художника К.А.Савицкого.

А началась эта история так: как-то, встретившись с Савицким, Шишкин поведал другу о своей грандиозной задумке, а именно написании полотна на котором на фоне затуманенного леса изображались бы медведи. И уже спустя несколько месяцев известный пейзажист пригласил коллегу в свою мастерскую, отправив письмо, в котором говорилось: «Приходи, посмотри, какую я отмахал штуковину». И, как вы понимаете, этой «штуковиной» и было «Утро в сосновом лесу», только без медведей. Константин Аполлонович незамедлительно явился и сразу же получил от друга предложение вписать в пейзаж семейку диких зверей.

Историкам до сих пор не понятен этот поступок живописца, ибо и до того, и после Шишкин всегда на своих полотнах весьма профессионально изображал и птиц, и животных самостоятельно. Кстати, сохранились даже эскизы медвежьей семьи кисти мастера. Но, так или иначе, медведи были уступлены Савицкому, и под оконченным произведением появилось два автографа, вместо одного.




Охотник. Автор: К.А.Савицкий.

А казус с удалением второго автографа произошел скорее всего по причине того, что при покупке картины Третьяков видел лишь подпись Шишкина, Савицкий же расписался чуть позже. Поэтому, когда картина была доставлена в галерею, возмущенный меценат приказал принести скипидару и собственноручно стёр вторую подпись. Этот поступок Третьякова никак не отразился на дружбе двух художников. Иван Шишкин тогда отдал четвертую часть гонорара, то есть сумму в тысячу рублей Савицкому за соавторство.




Охотники. Автор: К.А.Савицкий.

Эти два живописца всю жизнь оставались не только коллегами и добрыми друзьями, их связывали даже семейные узы. Савицкий крестил младшего сына Ивана Ивановича, названного в честь него - Константином. А позже он поддерживал друга, когда умерла его первая жена, а Шишкин, в свою очередь, помог Савицкому пережить самоубийство его супруги.




Тёмные люди. Автор: К.А.Савицкий.

В тот тяжелый период жизни друга Иван Иванович сделал запись в своем дневнике, отмечая, что провидение заставляет художника страдать, воспитывая в нём Божий дар. И это было действительно так. В жизни Константину Аполлоновичу не раз пришлось испытать горечь утрат, но его всегда спасало любимое дело.


Несколько страниц из биографии художника

Константин Аполлонович Савицкий (1844-1905) был человеком исключительного ума и таланта, гениальным русским жанровым живописцем-реалистом, академиком, членом Товарищества передвижных художественных выставок, первым директором Пензенской художественной школы. Ему довелось жить и творить в эпоху политических и социальных передряг, что напрямую отразилось в его произведениях.

Сильные, запоминающиеся образы простых людей из народа – крестьян, рабочих и солдат стали главными героями его произведений.




«Беглый» (1883 год). Автор: К.А.Савицкий.

Константин Аполлонович родился в городе Таганроге в семье военного врача. Мальчик был очень болезненным и за то длительное время, которое ему приходилось проводить в постели, пристрастился к рисованию. Косте исполнилось пятнадцать, когда он остался круглым сиротой. В его семье случилась страшная трагедия: один за другим, неожиданно, умерли отец с матерью, и подростка забрал к себе дядя, который жил в Латвии. Так Константин оказался в частном пансионе при Лифляндской дворянской гимназии.




«Панихида в 9-й день на кладбище». (1885 год). Автор: К.А.Савицкий.


К тому времени Константин уже определенно мечтал о петербургской Академии художеств, и через три года он покидает пансион и поступает вольнослушателем в класс исторической живописи. Однако был вынужден уйти практически сразу же после поступления. Сказалась недостаточная подготовка даровитого юноши, стремившегося стать настоящим живописцем.

Два года упорной самостоятельной подготовки и Савицкий снова студент Академии. Теперь уже талантливый молодой художник успешно осваивает академический курс и очень скоро становится одним из лучших учеников академии, получив за конкурсные работы шесть серебряных и одну золотую медаль.




«Ремонтные работы на железной дороге» (1874 год). Автор: К.А.Савицкий.

Выйдя со стен учебного заведения, молодой перспективный художник еще три года состоял стипендиатом императора Александра II, что позволяло ему совершенствоваться за границей, куда в 1871 году и отправился. Он много путешествовал вместе с молодой женой по Европе, и в итоге обосновался в Париже. А четыре года спустя, трагическая гибель супруги заставила вернуться художника в Россию. Он селится в Динабурге (Литва) и, чтобы пригасить свое горе, с головой уходит в работу. Именно там были созданы самые известные картины художника: «Встреча иконы», «На войну» и некоторые другие, которые позволили вступить ему в 1878 году в члены Товарищества передвижных художественных выставок.




«На войну». (1888 год). Автор: К.А.Савицкий.

Вернувшись в 1883 году в Петербург, Савицкий начинает преподавательскую деятельность в училище технического рисования в Петербурге, затем в Московском училище, и, наконец, перебирается в Пензу, где становится первым директором картиной галереи и городской художественной школы. И нужно отметить, что на этой должности живописец проявил себя весьма профессиональным управленцем. Константин Аполлонович лично разработал учебную программу для своих учеников, которые в результате обучения получали великолепную подготовку, позволявшую лучшим выпускникам школы быть зачисленными в Академию художеств без вступительных экзаменов.




«Встреча иконы» (1878 год). Автор: К.А.Савицкий.

Однако, ведя активную педагогическую и управленческую деятельность, Константин Савицкий не забывал и о своем творчестве - он оставил потомкам немалое художественное наследие. В 1897 году «за известность на художественном поприще» и за подготовку будущих молодых художников К. А. Савицкому было присвоено звание академика живописи. Умер художник в возрасте 60 лет, оставаясь до последнего «у руля» своего детища - пензенской художественной школы.




Больная лошадь. Автор: К.А.Савицкий.




Инок. Автор: К.А.Савицкий.




Крестьянка с корзинкой в лесу. Автор: К.А.Савицкий.




Отец. Автор: К.А.Савицкий.




Не сошлись характером. Автор: К.А.Савицкий.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/240619/43485/