Из-за чего русский поэт Афанасий Фет в 14 лет лишился фамилии и дворянского титула

Тайна рождения выдающегося русского поэта 19 века Афанасия Фета не идет ни в какие сравнения с таинством происхождения на свет других знаменитых личностей, родившихся при загадочных обстоятельствах. Как ни странно звучит, в биографии Фета существует четыре версии его фактического происхождения, как таковых. Мало того, никто из его биографов так и не смог конкретно сказать, каковым является месяц его рождения: начало или конец 1820 года. Да и тот факт, что почти на протяжении всей своей жизни великий поэт боролся за право носить другую фамилию – Шеншин, фамилию своего отца, также добавляет количество вопросительных знаков в его биографию. А вот был ли на самом деле Афанасий Шеншин его родным отцом, - далее в обзоре.

В жизни этого незаурядного человека буквально переплелось столько всего невероятного и трагического, что вполне хватило бы на несколько человеческих судеб. Однако идеологи советской словесности считали неуместным посвящать читателей, в особенности молодежь, в некоторые "неудобные" факты биографии, намеренно обходя стороной крутые виражи его судьбы. Но пришли другие времена, таинственная завеса приоткрылась, и мы можем узнать об обстоятельствах, наложивших трагический отпечаток на весь жизненный путь поэта.




Афанасий Фет - знаменитый русский лирик, автор известных романсов.

Достоверно можно утверждать лишь одно: Афанасий Фет был сыном Шарлотты-Елизаветы Фёт (Foeth), жены дармштадского чиновника Иоганна-Петера-Карла-Вильгельма Фёта, и что при рождении младенец был крещен по обычаям православной веры, назван Афанасием и записях метрической книги был указан законнорожденным сыном холостого на то время А.Н. Шеншина. И, что родился будущий поэт вовсе не в Германии, а на российской земле, а именно в Орловской губернии, в деревне Новоселки, принадлежащей зажиточному помещику Афанасию Неофитовичу Шеншину.

Однако всему этому предшествовали весьма странное обстоятельство и невероятные события, которые далее изложены в четырех версиях.


Версия №1
В начале 1820 года в Германии, в Дармштадте, проходил курс лечения 44-летний русский офицер, ротмистр в отставке орловский помещик Афанасий Неофитович Шеншин. По стечению обстоятельств, в гостинице не оказалось свободных мест, и ему пришлось поселиться в доме обер кригс-комиссара Карла Беккера. Вдовец Беккер жил с 22-летней дочерью Шарлоттой, зятем Иоганном Фётом и внучкой. До появления Шеншина в их доме молодые супруги прожили полтора года, Шарлотта успела родить дочь Каролину и уже ждала второго ребенка.




Афанасий Фет в детстве.

Не просто понять было окружающим поступок Шарлотты, когда она бросила мужа, отца, годовалую дочь, свою страну и буквально бежала с пожилым, вдвое за нее старшим, некрасивым и угрюмым иностранцем в далекую Россию. Чем так обаял молодую женщину русский офицер, что она, даже не взяв развод, кинулась за ним как в омут с головой?.. Этот необдуманный шаг Шарлотты можно было бы понять, если бы ребенок, которого она ждала, был от Афанасия Шеншина. Но вероятность этого абсолютно исключалась, что доподлинно подтверждают письма из переписки беглянки с братом, сыном Беккера.

Убитый горем отец позже писал Шеншину: «Употреблением ужаснейших и непонятнейших средств прельщения лишена она рассудка и до того доведена, что без предварительного развода оставила своего обожаемого мужа Фёта и горячо любимое дитя...»


Версия № 2

Противоречивое и запутанное обстоятельство происхождения на свет будущего поэта способствовало постепенному распространению второй версии его рождении, согласно которой, Афанасий Фет не был сыном ни ротмистра Шеншина, ни асессора Фёта. Его отцом был корчмарь-еврей, который продал ротмистру Шеншину свою красавицу-жену, которая была в положении. В доказательство этой версии художник И.Э. Грабарь написал: «Давно было известно, что отец Фета, офицер русской армии, Шеншин, возвращаясь из Парижа через Кенигсберг, увидел у одной корчмы красавицу еврейку, в которую влюбился. Он купил ее у мужа, привез к себе в орловское имение и женился на ней. Не прошло несколько месяцев, как она родила сына, явно не от Шеншина. Официально считалось, что Фет – законный сын Афанасия Неофитовича. А то, что он был сыном кенигсбергского корчмаря, было большим секретом, но сам поэт это категорически отрицал, однако объективных доказательств противного не существовало». Но тут сразу же возникает вопрос: откуда тогда взялась фамилия Фет?




Афанасий Фет - русский лирик.

Однако эта версия подтверждает, то что является всем очевидным - семитский тип наружности Фета. Об этом говорили очень многие: и современники поэта, и исследователи его творчества. Так, сын Льва Толстого, в своих мемуарах указывал: «Наружность Афанасия Афанасьевича была характерна… Его еврейское происхождение было ярко выражено». Об этом же свидетельствуют не только многочисленные дневниковые записи лиц, знавших Фета при жизни, но и живописные его портреты, а также фотографии.

Буквально все окружение считало Фета евреем или полуевреем, и как этот неоспоримый факт терзал с детства его раненное самолюбие, было известно только одному богу. «Он всю жизнь страдал, – пишет свояченица Льва Толстого Т. А. Кузминская, – что он не Шеншин…, а незаконный сын еврейки Фёт».


Версия №3
По этой версии один известный литературовед того времени, излагал в своих трудах: «Знакомые и дворовые А.Н. Шеншина говорили мне, что жену свою Елисавету Петровну он купил за сорок тысяч рублей у ее мужа И. Фёта». И это обстоятельство проливает свет на то, по какой причине настоящий отец, И. Фёт впоследствии неоднократно вымогал денег от Шеншиных. По-видимому, за молчание... Так как по тем временам "двоемужие" преследовалось законом. А как помним, наша беглянка, не разведясь с мужем-католиком, вышла замуж за православного.


Версия №4. Самая достоверная
Именно эта версия, объединившая в себе некоторые вышеизложенные факты, является наиболее вероятной. Мать Афанасия, малолетней девочкой была куплена у еврея-корчмаря и удочерена обер кригс-комиссаром Карлом Беккером, вдовцом, который всю жизнь мечтал о дочке. В Шарлотте он души не чаял, поэтому, когда пришло время отдавать ее замуж за ассесора Фёта, выдвинул молодым условие: жить будут с ним в одном доме. Вскоре у молодой семьи появился первенец, а немногим позже Шарлотта вновь носила под сердцем ребенка. Именно в это время в доме ее опекуна и появился ротмистр Шеншин, который «положил глаз» на красавицу Шарлотту и, толи выкупил ее, у И. Фёта, толи на самом деле подбил на побег, теперь только остается догадываться.




Афанасий Фет - русский лирик.

Но, что любопытно, характер у молодой женщины был неординарный, она была склонна к импульсивному поведению и молниеносно могла принять любое, даже судьбоносное решение. И нужно сказать, взрывная натура Шарлотты, безусловно, производила необычайное впечатление на мужчин, ее окружавших. Разумеется, не стал исключением и ротмистр Афанасий Шеншин. К тому же его рассказы о далекой заснеженной России до глубины души поразившие Шарлотту, и заставили по всей вероятности ее однажды решиться на побег.

Вначале импульсивность, списываемая на характер Шарлотты и, так умилявшая мужчин, с течением времени переросла в начало психической болезни, приведшей к многочисленным трагедиям, но об этом позже...

И как бы там ни было, сам Афанасий Фет всю свою сознательную жизнь считал своим отцом Шеншина, по крайней мере, стремился заверить в этом окружающих. И в написанных им в конце жизни мемуарах, где многое утаил и исказил, он даже не оставил сомнений в этом темном вопросе.

Детство, отрочество, юность поэта

Итак, в родовое имение в Новоселки Шеншин привез чужую беременную жену в конце сентября 1820 года, а уже в ноябре она родила мальчика, который и станет знаменитым поэтом. Сыном орловского помещика записал Афанасия местный священник, бывший беспросветным пьяницей, который за этот подлог получил от Шеншина немалую взятку. В чем был подлог, спросите вы, да в том, что незаконнорожденный мальчик не мог получить ни фамилию, ни титул отца. А Шеншин же обвенчался по православному обряду с Шарлоттой, крещенной в православии Елизаветой Петровной, только через два года после рождения сына. В дальнейшем, появившиеся на свет братья и сестры Фета, звались Шеншиными уже законно. Но мальчик, живя в имении отчима, до поры до времени, ни о чем даже не догадывался, считая себя старшим сыном помещика.

А согласно законов Российской империи только старший сын имел право наследования поместья отца и его крепостных. Последующие дети могли получали лишь денежное наследство.




Афанасий Фет - русский лирик.

Фамилию Шеншин Фет носил только до четырнадцати лет, а затем всплыл подлог, и его лишили фамилии, статуса старшего сына и дворянского титула. А произошло это по причине расследования Орловским губернским правлением подробностей появления на свет сына ротмистра А.Н. Шеншина. Когда все выяснилось Афанасий неожиданно стал носить фамилию Фет и перешел в статус незаконнорожденного...

И это было только началом драмы, которую разыграет злодейка-судьба в его жизни...
В следующем обзоре вы узнаете о трагической любви поэта, его стремлении заслужить отобранный дворянский титул и многое другое...




Афанасий Фет - известный русский поэт.

Забегая наперед, хотелось бы сказать, что все же после 40 лет душевных терзаний и настойчивого стремления обрести положенное ему по рождению дворянское звание, Фет достиг своей цели. В декабря 1873 года указом императора вышел документ, в котором было написано «о присоединении отставного гвардии штабс-ротмистра Афанасия Афанасиевича Фета к роду отца его Шеншина со всеми правами, званию и роду его принадлежащими».
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/231019/44474/

«Рождение Венеры» Ботичелли: скрытые символы на картине

Картина «Рождение Венеры» — одно из самых известных и признанных произведений искусства в мире, шедевр итальянского ренессанса. Героиня - обворожительная модель и муза Симонетта Веспуччи, которую на картине окружают многие символические и мифологические элементы. Что означают цветы и другие символы на картине?


История написания
Боттичелли написал «Рождение Венеры» между 1484—85 годами и эта работа стала достопримечательностью живописи XV века, богатой своими аллегорическими ссылками. Картина была заказана членом флорентийской семьи Медичи, Лоренцо ди Пьерфранческо, который был дальним родственником Лоренцо Великолепного. Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи также поручил художнику проиллюстрировать «Божественную комедию» Данте и «Аллегорию весны». Картина «Рождение Венеры» украшала спальню своего заказчика на вилле в Кастелло, недалеко от Флоренции.

Симонетта Веспуччи
Обворожительная модель и муза, вдохновившая многих мастеров и в том числе Боттичелли, была известной молодой блондинкой из Флоренции . Симонетта Веспуччи — жена Марко Веспуччи, двоюродного брата знаменитого Америго Веспуччи, чье имя было дано новому континенту Америки. Симонетта была легендарной красавицей, и Медичи были одержимы ею, открыто демонстрируя свое восхищение несмотря на ее замужний статус. Симонетта умерла очень молодой, в возрасте 23 лет, и похоронена в церкви Огниссанти во Флоренции.



Портреты Симонетты

Сюжет картины
На картине в мифологизированной форме Боттичелли воспевает союз духовного и материального, небесного и земного. Представление мифологических мотивов было основной тенденцией в эпоху Возрождения. Аллегории, взятые из классической культуры, богов Олимпа и мифологии, использовались для выражения гуманистических ценностей. А Флоренция как раз была центром гуманистических исследований.
Venus Humanitas — Венера Человеческая — появляется на свет среди природных стихий. Торжествующая богиня любви и красоты, римляне знали ее как Венеру, а для греков она была Афродитой. Венера, согласно греческому поэту Гесиоду, написавшему Теогонию, родилась из морской пены. Венера чарующе соблазнительна своими женственными покатыми плечами, нежными формами, выразительными руками и пышными волосами. , пленительные портреты которой оставили многие художники (в том числе Пьеро ди Козимо и сам Боттичелли).
Несмотря на необычные размеры ее тела — удлиненную шею и длинную левую руку — Венера Боттичелли — невероятно красивая женщина с гладкой, нежной кожей и золотыми кудрями. Она поднимает ногу, чтобы сойти со своей позолоченной ракушки, и в это время ветер заливает ее цветами. Она рождена для мира как богиня красоты, и зритель является свидетелем этого акта творения.

Другие герои картины
После рождения Венера сошла на берег в раковине, отталкиваемая дыханием Зефира, бога ветра. На картине мы видим Зефира, обнимающего нимфу Флору. Считалось, что дыхание Зефира обладает способностью оплодотворять и создавать новую жизнь. Его объятие с нимфой символизирует акт любви. Справа — служанка (Ора), готовая обернуть плащ, украшенный весенними цветами, вокруг Венеры, чтобы покрыть ее наготу. Она является воплощением одной из греческих богинь времен года (цветочное убранство ее платья говорит о том, что она — богиня Весны).




Техника написания
Стоит упомянуть исключительную технику и прекрасные материалы, используемые для выполнения работы. Долгое время деревянные панели были самыми популярными для написания картин и будут оставаться популярными до конца XVI века. Дополнительную популярность постепенно набирал и холст. Он стоил дешевле, чем дерево, и считался менее формальным, и более подходящим для частных заказчиков.
Ботичелли использовал в процессе написания дорогой алебастр, который сделал цвета еще ярче и качественнее. Кроме того, картина имеет и собственные уникальные разработки художника: Боттичелли приготовил свои пигменты с очень небольшим содержанием жира и покрыл их слоем чистого яичного белка, что было необычной для его времени техникой. Благодаря такое технике картины Ботичелли своей свежестью и яркостью скорее напоминает фреску. Таким образом, она является первой работой, выполненной на холсте, в Тоскане и «первым масштабным полотном, созданным в эпоху Возрождения во Флоренции».

Символика
1. Раковина — отражает океаническое происхождение Венеры, символически соединяясь с рождением человека. Морская красавица-раковина, равно как и ее меньшая сестра, речная ракушка — водный и лунный знак, а также женский символ. Также это эмблема любви, брака и процветания.
2. Зефир — бога ветра.
3. Флора — супруга бога западного ветра Зефира и мать всех растений. Она - та, которая питает и дает жизнь. Союз Зефира и Флоры часто рассматривают как аллегорию единства плотской (Флора) и духовной (Зефир) любви.
4. Камыш — символ скромности Венеры, которая как бы стыдится своей красоты.
5. Ора Талло — в греческой мифологии одна из Ор (весенняя), богиня цветения растений
6. Фиалки — луг засыпан фиалками, символом скромности, но часто используется для любовных зелий.
7. Роза — белая роза — это «цветок света», символ невинности, девственности, целомудрия и чистоты, духовного раскрытия, очарования.
8. Остров, к которому Венера прибывает — это Кипр или Ситхерея.
9. Апельсиновое дерево — одно из самых плодовитых деревьев и древний символ плодородия. Апельсин ассоциируется с великолепием и любовью.
10. Маргаритка — символа любви, весны и плодородия.






Источник: https://kulturologia.ru/blogs/221019/44327/

Главная загадка любимой картины Караваджо: Лютнист или лютнистка?

Картина Караваджо «Лютнист» – любимая работа художника и настоящая жемчужина Эрмитажа. Мастерски написанный натюрморт, изобретательная техника с новшествами и тайна главного героя картины. Кто же изображен на полотне – лютнист или лютнистка?

«Лютнист» - ранняя работа Караваджо, через которую мастер стремился передать реальность окружающего мира. Картина была предназначена для частной коллекции живописи Винченцо Джустиниани (одного из самых богатых коллекционеров в Западной Европе ), который купил ее в в 1628 году. Впоследствии она была перепродана барону Денону для коллекции в Эрмитаж в 1808 году. На сегодняшний день эта картина считается одной из жемчужин коллекции Эрмитажа и является единственной работой известного итальянского мастера в России.

Биография мастера
Творчество Караваджо вобрало в себя традиции северо–итальянского ренессанса, пронизанное глубоким гуманизмом. Оно в значительной степели определило ход развития искусства в последующие годы. Результаты художественного ремесла Караваджо оказали сильное влияние на художников во всех регионах Италии и в Западной Европе, что в итоге определило его как отца–основателя реалистического стиля итальянского барокко. Эмоциональное, полное драматического эффекта, его искусство отражало страстный, необузданный характер самого художника.




Сюжет картины
«Лютнист» был написан в 1595–96 годах по заказу одного из искушенных знатоков этого периода, маркиза Винченцо Джустиниани. Главная ее мысль – символ любви и гармонии, но ряд искусствоведов причисляют картину к жанру vanitas, символизирующему мимолетность человеческой жизни. Другие нашли в ней религиозно–назидательное содержание или представление пяти человеческих чувств. На картине изображена фигура молодого мальчика (или девушки – в этом главная загадка картины), играющего на лютне. Музыкальная композиция, которую воспроизводит герой – это четыре мадригала Жака Аркадельта 1539 года. Приоткрытый рот молодого человека может указывать на то, что герой подпевает своей музыке. Он одет в белую льняную рубашку с открытой шеей. Рубашка свисает с плеч широкими рукавами. Густые каштановые волосы удерживаются лентой. Особенно загадочно задумчивое выражение лица героя под резко очерченными широкими бровями.



Фрагменты

Лютнист или лютнистка?
Биограф итальянских художников XVII века Джованни Беллори принял героя за девушку. Лента, вплетенная в волосы героя, очень мягкие и даже нежные черты лица, персиковая бархатная кожа, утонченные тонкие пальцы подчеркивают скорее женственные черты, нежели мужественные. Именно поэтому Беллори видел на картине лютнистку.
Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все–таки юноша (позировал художнику, предположительно, его друг и коллега Марио Миннити). Эту версию доказывают ноты мужского композитора, созданные под мужской голос. Кроме того, на картине изображены музыкальные инструменты (лютня и скрипка), которые в эпоху Караваджо считались мужскими.
Уникальность и красоту окружающего мира Караваджо передал через лицо героя и объекты, составляющие натюрморт.

Натюрморт
Цветы в букете, помещенные в прозрачный стеклянный сосуд, образуют изысканную гамму цветов. Здесь есть ирисы, дамасская роза, гвоздика, жасмин, маргаритки, цветы тимьяна (букет указывает на сезоны с конца весны до начала лета). Персик, апельсин и виноград, груши, инжир, слива и огурец образуют изысканный фруктово–овощной натюрморт. Кусочки фруктов лежат на мраморной плите, они чрезвычайно яркие и блестяще окрашенные. В хрустальной вазе зритель видит букет цветов, который заставит ревновать даже Яна Дэвидса де Хема. В натюрморте Караваджо проскальзывает символика картины.

Символизм
Любовь как тема этой работы обозначена главным инструментом, лютней, и другими дополняющими тематику элементами.
Роза – это цветок Венеры, символ любви.
Персики символизируют крепкое здоровье, а также истину и спасение и используется в качестве замены греховному яблоку.
Гнилые плоды – это символ старения. Зрелые плоды символизируют плодородие и изобилие (дополняют тему vanitas).
Ирис – это атрибут мужества, доблести, достоинства (еще один плюс к версии о мужском поле героя).
Инжир, плод которого имеет очень много семян — символ изобилия. Натюрморты XVI-XVIII веков пользовались такой популярностью у частных заказчиков именно по причине демонстрации изобилия и роскоши владельца. Показать свой статус и свое положение в обществе - очень популярный тренд в эти годы.
Лютня – это архаичный инструмент, прославленный в начале XVI века. Потрескавшаяся лютня была метафорой любви, которая терпит неудачу (отсылка на поэму «Королевские идиллии» Теннисона: «Это маленькая трещина в лютне вскоре остановит музыку»).
Скрипка Кремона играет две важные роли на картине: во–первых, она помогает удерживать музыкальные ноты открытыми и удобными для игры лютниста. Во–вторых, расположение скрипки словно приглашает зрителя принять участие в музыкальной сцене и насладиться талантом героя. Композиционная и смысловая роль.

Композиция картины
Резкий падающий слева свет освещает юношу, делая его фигуру объемной и трехмерной, остальные элементы картины находятся в намеренной полутени. Ракурсная лютня с изогнутой клавиатурой демонстрирует виртуозное владение Караваджо перспективой. А четкий контраст света и тени уже намечает начальный интерес художника к технике кьяроскуро.






Караваджо удалось в уже ранние годы создать настоящий шедевр. Отличительные черты картины – поворот к реальности, монументальность, техника, которая производила удивительные эффекты света и цвета, метод живописи alla prima (исключающий предварительные наброски) – вызвали большой ажиотаж в художественном мире. Все эти черты находят свое отражение в любимой работе самого Караваджо – «Лютнист».
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/241019/44454/

Истоки «Мастера и Маргариты»: Почему Булгакова обвиняют в заимствованиях, и в каких романах есть похожие персонажи

Некоторые критики и исследователи творчества Булгакова считают, что роман «Мастер и Маргарита» построен на идеях зарубежных классиков и философов. При детальном изучении сюжета действительно можно заметить многочисленные аллюзии и отсылки к Гете и Гофману, наблюдать слегка уловимые интонации Дюма, Данте и Майринка. Мировая классика, безусловно, могла вдохновить Михаила Афанасьевича и в некоторой степени повлиять на «прорисовку» персонажей и диалогов. Но невозможно отрицать, что сам сюжет «Мастера и Маргариты» уникален и неповторим. Это позволило ему получить звание шедевра литературного искусства и найти своих почитателей во всем мире.


Отголоски философской драмы Гете «Фауст»


Иллюстрация к драме Гете «Фауст». Мефистофель является Фаусту./Фото: rodoni.ch

Роман Булгакова обладает большим количеством пластов. «Фаустовский» пласт, пожалуй, один из самых узнаваемых. Аллюзии к «Фаусту» сопровождают весь сюжет — эпиграф, задающий философский вопрос о добре и зле, описания героев, прямые цитирования и т.д. В библиотеке Михаила Афанасьевича было издание 1902 года, опубликованное в Петербурге в прозаическом переводе А.Л. Соколовского. Но больше всего Булгакова вдохновляла не сама драма Гете, а опера французского композитора Шарля Гуно, написанная по мотивам произведения. Сестра писателя Надежда Земская рассказывала, что в Киеве Михаил Афанасьевич видел оперу 41 раз. А его первая жена Т.Н.Лаппа вспоминала, как автор любил напевать куплеты Мефистофеля и другие отрывки из оперы.

Выбирая имя одному из своих главных героев, Булгаков рассматривал несколько вариантов, но в итоге взял его из «Фауста», а именно из сцены «Вальпургиевой ночи», где Мефистофель требует у представителей нечистой силы освободить дорогу юнкеру Воланду.

Еще одна аналогия романа Булгакова с драмой Гете — неожиданное появление дьявола в сценах беседы ученика и учителя. Мефистофель приходит в лице черного пуделя во время прогулки Фауста с Вагнером, а Воланд подсаживается на скамейку к Берлиозу и Бездомному.

Бросается в глаза и сходство героев. Описание булгаковского Воланда: серый берет, трость с ручкой в виде головы пуделя, глаза разных цветов, одна бровь выше другой. То же самое и у Гете — берет, трость, разные брови и глаза.

Есть еще один «фаустовский» персонаж, который мог впечатлить писателя, — это несчастная Гретхен (одна из вариаций имени Маргарита). Гретхен, покинутая Фаустом, утопила младенца после своего изгнания из города. За это ей назначили казнь и заключили в темницу на страшные мучения.
Некоторые критики считают, что именно эту сюжетную линию Булгаков взял для создания образа второстепенной героини Фриды, убившей своего ребенка. Маргарита проявила сочувствие к несчастной женщине, и попросила Воланда пощадить ее.

Так осужденная на вечные страдания в «Фаусте» детоубийца получила «вторую жизнь» у Булгакова.


Творчество Густава Майринка


Фотография Густава Майринка./Фото: pbs.twimg.com

Советский и российский культуролог С.Т. Махлина считает, что Булгаков, как и другие почитатели мистического реализма XX века, мог искать вдохновение в творчестве австрийского экспрессиониста и драматурга Густава Майринка. По ее мнению, прообразами булгаковских героев могли стать реставратор Анастасиус Пернат и его возлюбленная Мириам из романа «Голем», которые тоже не смогли найти счастье в настоящем мире.

В России «Голем» был опубликован в 1922 году в переводе Давида Выгодского. Позже его признают одним из выдающихся памятников литературы экспрессионизма. В романе главный герой воссоединяется со своей возлюбленной на границе между миром реальным и потусторонним. В книге «Ангел Западного окна» прослеживается похожая структура — действие разворачивается в двух временных пластах. По мнению российского публициста Б.В. Соколова, это произведение наложило глубокий отпечаток на «Мастера и Маргариту». Прообразом Воланда мог стать герой Иль — демон пустыни Азазила. А в ранних версиях романа Булгакова князя тьмы звали не Воланд, а Азазелло. Впрочем, последний все равно занял свое место в сюжете, став одним из основных членов свиты.

В бароне Мюллюре Соловьев видит прототип Мастера. Причем у обоих героев в огне сгорают рукописи и в обоих случаях — чудесным образом восстают из пепла.

Роман не получил высоких оценок у критиков конца 20-х годов из-за слишком сложной для восприятия символики. Но некоторые литературоведы утверждают, что после знакомства с работами Майринка смыслы «Мастера и Маргариты» станут для читателей более прозрачными.


Параллели с «Золотым горшком» Гофмана


Иллюстрация к сказке «Золотой горшок» художницы Ники Гольц./Фото: etagofman.narod.ru

Советский культуролог Ирина Галинская нашла в романе отголоски сказки-повести «Золотой горшок», опубликованной в России в 1839 году в переводе В.Соловьева.

Немецкий писатель-романтик Э.Т.А. Гофман повествует о мечтательном студенте Ансельме, который в силу обстоятельств получает наказание от архивариуса Линдхорста (он же князь духов Саламандр) и оказывается заточенным в хрустальной склянке. Как и в большинстве произведений эпохи романтизма, в «Золотом горошке» особое место занимает тема любви. В конце повести главный персонаж все же обретает свободу и счастье с возлюбленной Серпентиной в романтическом царстве поэзии.

При детальном сравнении романа Булгакова и повести Гофмана можно отследить целый ряд очевидных и неочевидных параллелей. У Воланда в обычной московской квартире умещаются целые залы для балов, а в садах перекликаются зеленохвостые попугаи. В маленьком домике Линдхорста тоже оказываются огромные залы и зимние сады с птицами.

Некоторые аналогии можно заметить и в построении диалогов. «Ну так сиди тут и пропадай!» — кричит Ансельму ведунья, когда тот сопротивляется ее колдовскому воздействию. «Так пропадите же вы пропадом. Сидите здесь на скамейке одна» — в сердцах говорит Азазелло, когда Маргарита не принимает приглашение на бал.

Одна из героинь Гофмана Вероника, пытавшаяся приворожить к себе Ансельма с помощью ведуньи, считает, что кот старухи — на самом деле заколдованный юноша. Булгаковский кот Бегемот в итоге оказывается молодым пажом.

Наконец, главный смысл повести Гофмана состоит в том, что «каждому воздастся по вере его». Эту фразу Воланд произносит в разговоре с Бездомным.


Пьер Мак-Орлан и его «Ночная Маргарита»


Кадр из фильма «Ночная Маргарита», снятого в 1955 году по мотивам романа Пьера Мак-Орлана./Фото: f.kinozon.tv

Мистическое произведение французского писателя было издано в Москве в 1927 году. Главный герой 80-летний Профессор Фауст (потомок того самого Фауста) давно безразличен к жизни. Одинокий и больной старик теряет силы, но отчаянно завидует молодым, у которых впереди целая жизнь.

Все меняется после встречи с Мефистофелем, который предстает читателю в обличье наркоторговца Леона, заметно прихрамывающего на одну ногу (как и булгаковский Воланд). Он знакомит Профессора с юной певицей кабаре Маргаритой. Старик безнадежно влюбляется в прекрасную девушку и снова хочет быть молодым. Плата за молодость стандартная — отдать свою душу и закрепить сделку кровью. Главный герой снова становится 20-летним юношей, но сделка с Мефистофелем не проходит бесследно — дьявольские соблазны меняют характер и разъедают невинную душу Фауста. Жизнь влюбленных превращается в кошмар, и чтобы прекратить его, Маргарита предлагает Мефистофелю новую сделку — отдать свою душу за спасение Фауста.

Украинский критик Ю.П. Винничук заявлял о грубом заимствовании Булгаковым идей из «Ночной Маргариты» Мак-Орлана. Но единственная очевидная аналогия состоит в имени главных героинь и в том, что обе они решили продать душу дьяволу ради любви. В остальном сюжеты двух «Маргарит» кардинально различаются между собой.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/251019/44496/

«Спальня в Арле» - картина, написанная перед сумасшедшим домом, как зеркало душевного состояния Ван Гога

"Спальня в Арле" Винсента Ван Гога - одна из самых известных и любимых серий картин художника, которые признаны и самыми специфическими. Ван Гог написал эту серию незадолго до того, как попал в психиатрическую больницу. Но самое интересное: как художнику удалось через мебель, цвет и контрасты передать «великое состояние покоя»?

Первая картина из этой серии (1888 года) находится сейчас в коллекции Музея Ван Гога в Амстердаме и была первой из трех произведенных Ван Гогом масляных полотен и, по утверждению искусствоведов, наиболее качественной. Поскольку «Спальня Винсента в Арле» принадлежит к числу любимых и наиболее популярных, художник подробно описывал ее в личных письмах своим родным (на сегодняшний день насчитывается более 30 писем, содержащих слова об этой картине).



Чикагский институт искусств воссоздал комнату Ван Гога


История написания

Зимой 1888 года Ван Гог отправился в город-коммуну на юге Франции под названием Арль. По приезде в город Ван Гог понял, что местные отели слишком дорого обходятся, поэтому решил арендовать дом, где он может свободно и комфортно жить в удобных для него условиях. Кроме того, он надеялся создать мастерскую для вдохновения, где художники могли бы жить и работать вместе, создавая произведения искусства в регионе с прекрасными погодными и живописными условиями (в Арле невероятно прямые солнечные лучи). В конце концов он нашел то, что стало известно как «Желтый дом». Это было скромное двухэтажное здание с фронтальной студией, задней кухней и несколькими комнатами наверху. Угловое расположение дома дало ему изогнутую планировку. Впервые у Ван Гога появился собственный дом, после чего он немедленно и с энтузиазмом принялся его украшать и наполнять своими полотнами. После завершения своих задач художник был вдохновлен на создание картины своей спальни.




Тот самый желтый дом (г. Арль, площадь Ламартин, дом 2)


Цветовая задумка художника

Главный смысл картины - передача покоя. Для Ван Гога эта картина была выражением «идеального отдыха» или «сна». Как он писал своему брату Тео: «Стены бледно-лиловые, пол в битом и выцветшем красном, стулья и кровать хром-желтые, подушки и простыня бледно-лимонно-зеленые, покрывало кроваво-красное, туалетный столик оранжевый, умывальник синий, окно зеленое. Я хотел выразить полный покой всеми этими очень разными тонами». Есть мнение, что столь контрастные цвета и оттенки стали результатом многолетнего обесцвечивания и износа. Например, стены и двери изначально были фиолетовые, а не синие. А с другой стороны, есть психологический аспект: чувство покоя в картинах, полных движения, является результатом своего рода катарсического процесса. Проецируя движение на природу, художник сам освобождается от напряженности и обретает покой.

В цвете Ван Гог играл с конкурирующими центрами резкого контраста:
- смешение светло-желтого с ярко-красным - это самая сильная цветовая нота на картине,
- зеркало в черной рамке с интенсивным светом - самый яркий тон во всей работе.
Внутри этой системы есть интересные чередования тонов - желтый и оранжевый цвета мебели, зеленый и желтый цвета окон.

Через эти различные цвета Ван Гог обращается к своей любимой стране Японии, к ее креповой бумаге и ее печатным изданиям. Он объяснил: «Японцы жили в очень простых интерьерах, великие художники жили в этой стране». И хотя, по мнению японцев, спальня, украшенная картинами и мебелью, на самом деле уже не так проста, для Винсента это была «Пустая спальня с деревянной кроватью и двумя стульями». Композиция практически полностью состоит из прямых линий.


Намеренная перспектива и японские мотивы
Правила перспективы не были точно применены на всем полотне, но это был его осознанный выбор. Необычный угол задней стены не является ошибкой в изображении Ван Гога - угол действительно был перекошен. В письме Винсент сказал своему брату Тео, что он намеренно «сплющил» внутреннюю часть и не учел тени, чтобы его изображение напоминало японский рисунок (художник испытывал огромную любовь к японскому искусству). Отсутствие теней наряду с искаженной перспективой делает некоторые объекты падающими или не устойчивыми. При входе в комнату справа есть кровать. У стены справа стул, стол с кувшином на нем и окно с видом на улицу. На стене слева есть еще один стул и дверь во вторую спальню. Перспективное видение стен и кровати столь же захватывающе, как и один из его глубоких пейзажей с горизонтом. Как ни странно, именно в таком нестандартном представлении Ван Гог нашел свое «великий покой». Ван Гог был очень доволен картиной: «Когда я снова увидел свои полотна после болезни, мне показалось, что лучшее из них - «Спалья в Арле».


Картина в картине
Спальня в Арле - единственное полотно в формате «картина в картине» (когда художник включает в картину миниатюры других своих работ). В результате он повесил на стены спальни многие из своих недавно нарисованных работ на стенах «Желтого дома» (например, в соседней спальне Поля Гогена выставлено несколько знаменитых картин Ван Гога с подсолнухами).


Разные версии картины
К сожалению, печальные обстоятельства, связанные со здоровьем художника, привели к тому, что в процессе написания "Спальни" Ван Гог попал психиатрическую больницу (8 мая 1889 года он был помещен в больницу в Сен-Реми). Ван Гог оставался там чуть более года до 16 мая 1890 года. В течение этого времени он занимался созданием многочисленных рисунков и картин, в том числе еще двух версий «Спальни в Арле»: первая находится в коллекции музея Ван Гога в Амстердаме, вторая принадлежит Художественному институту Чикаго (написана год спустя), и третий холст ныне принадлежит коллекции Музея Орсе в Париже (его он написал в подарок своей матери и сестре). Во всех трех картинах композиция идентична с небольшими изменениями в деталях и цвете.









Заключение
Творчество Ван Гога - это абсолютное олицетворение его жизни и душевного состояния. Настрой художника зрители могут проследить через цвет и способы нанесения красок. Вот и в «Спальне в Арле» является зеркалом авторского состояния в конце 1888 года: главным предметом, изображенным на картине, является кровать Ван Гога - прочная, простая, создающая ощущение уюта и защищенности. Парные предметы - стулья, картины, подушки - усиливают чувство покоя, тишины и уединенности. Четкие контуры вызывают ощущение стабильности. Хотя работа не была признана при жизни художника, она оказала большое влияние на следующее поколение художников.

Источник: https://kulturologia.ru/blogs/261019/44492/

Была ли на самом деле любовная связь у Пушкина и императрицы Елизаветы Алексеевны: Тайна великого классика

Всем известно увлечение великого поэта Екатериной Бакуниной, которую сам Пушкин называл своей первой любовью. Но действительно ли первое глубокое чувство было вызвано юной девушкой, тогда как до встречи с ней впечатлительный Александр воочию наблюдал пленительную красоту и изящество императрицы Елизаветы Алексеевны? Вряд ли прекрасный образ молодой женщины, да ещё царских кровей, не оставил следа в сердце начинающего поэта. Однако о том, что творилось в душе подростка, повзрослевший Пушкин предпочитал молчать, оставляя потомкам лишь намёки на свою тайну, за которой возможно скрывалась любовь, ставшая для него по-настоящему первой.


Когда впервые Пушкин увидел Елизавету Алексеевну и чем поразила его императрица


Александр I и Елизавета Алексеевна./Фото: persons-info.com

Будущая императрица прибыла в Россию в 1792 году, когда Екатерина II возжелала женить любимого внука Александра и остановила свой выбор на дочерях маркграфа Карла Людвига Баденского – Луизе Марии Августе и Фредерике Доротее. После состоявшихся смотрин избранницей 15-летнего Александра стала 13-летняя Луиза, которая 10 мая 1793 г. и обручилась с сыном Павла I, приняв вместе с православием имя Елизавета Алексеевна.

Первый раз юный Пушкин увидел императрицу 19 октября 1811 года. В этот день состоялось торжественное открытие Царскосельского лицея. Александр I с супругой почтили мероприятие своим присутствием. Несмотря на высокое положение, в поведении царицы отсутствовала формальность, диктуемая этикетом – со всеми она общалась приветливо и непринуждённо, пленяя этим и профессоров, и лицеистов.

Не стал исключением и 12-летний Александр – очарованный, практически с первого взгляда, природный красотой, врождённой грациозностью и искренней доброжелательностью Елизаветы Алексеевны, чувственный поэт сохранил детские впечатления на всю жизнь. Позже, а именно в 1818 году, эти впечатления он отразил в стихотворении «К Н. Я. Плюсковой» («На лире скромной, благородной…»). Но до этого, а именно в 1816 году подростку ещё не раз удавалось лицезреть императрицу, когда та в окружении фрейлин посещала Царское село, чтобы провести лето.


Как Елизавета Алексеевна спасла Пушкина от ссылки в Сибирь


Императрица Елизавета Алексеевна. Неизвестный художник, после 1806-1808 гг./Фото: avatars.mds.yandex.net

Елизавета Алексеевна не пользовалась расположением ни вдовствующей императрицы Марии Фёдоровны, ни царственного супруга, который длительное время, не скрываясь, сожительствовал с фрейлиной Марией Нарышкиной. Зато, тяготившаяся светским обществом «государева жена» была необычайно популярна среди просвещённых аристократов, ценивших её за благотворительную деятельность, проявленную во время войны с Наполеоном, а также мужество, которое она проявляла в непростых обстоятельствах личной жизни.

Александр I, напротив, несмотря на недавнюю победу в войне, не вызывал симпатий своим правлением у дворянской молодёжи, которая жаждала либеральных перемен и реальных реформ, способных ограничить самодержавие и уничтожить явный пережиток феодализма – крепостничество. Пушкин, состоявший в «Зелёной лампе» – вольном литературном обществе – и впитавший из бесед «дух свободы», позволял себе сочинять эпиграммы и стихи, выставлявшие императора с его окружением в весьма нелицеприятном свете.

Стихотворные вольности власти заметили довольно быстро, и расплата за них ожидалась серьёзная – отправка в Соловецкий монастырь. Но благодаря заступничеству Елизаветы Алексеевны, высоко ценившей талант молодого Пушкина и уважавшей Карамзина с Чаадаевым, которые просили её о помощи, суровое наказание не состоялось: монастырь заменила высылка из Петербурга. В мае 1820 года поэта отправили в ссылку на юг Империи в Бессарабию, запретив проживание в столице и Москве до особого распоряжения.


Кто такая NN, или о чём «говорят» шифрограммы Пушкина


Пока Елизавета была за границей, Пушкин посылал ей через журнал «Вестник Европы» стихотворные подношения ко дню рождения и именин с загадочной нерасшифрованной до сих пор подписью в цифрах./Фото: avatars.mds.yandex.net

Александр Сергеевич славился пылкой и влюбчивой натурой, что становилось причиной его многочисленных романов, в том числе и с замужними дамами. При этом он не скрывал своих влюблённостей и связей, рассказывая о них друзьям в устной и письменной форме. В 1829 году он собственноручно составил список женщин, которыми увлекался в разные периоды жизни, и записал его в альбом Елизаветы Ушаковой – будущей жены своего друга С. Д. Киселёва.
В этом перечне, среди легко идентифицируемых имён бывших «муз», имеются две буквы NN. Кто скрывается за этим анонимным обозначением, не смогли отгадать ни современники Александра Сергеевича, ни нынешние пушкинисты. Существует только множество версий, кто мог бы быть «утаённой любовью» поэта: как вариант называлась и Мария Раевская, ставшая позже женой декабриста Волконского, и Екатерина Карамзина, и татарка Анна Ивановна, являвшейся компаньонкой Раевских.

Однако существующие догадки вряд ли близки к истине: ничто не мешало Пушкину открыто написать имя одной из упомянутых особ точно так же, как он, не утаивал имена 36 других женщин из списка. А ведь среди них имелись и замужние, и титулованные, и красавицы старше поэта на 20 лет. Но если предположить, что за безымянным NN скрывалась не простая смертная, то такая секретность легко объясняется: Александр Пушкин, при всей своей легкомысленности не хотел даже упоминанием порочь имя той, кто в далёком октябре 1811 года вызвал у него первую подростковую влюблённость. Так он постарался уберечь свой идеал от досужих предположений и сплетен, постоянно сопровождавших романы «светоча русской поэзии», – и ему это удалось.


Существовал ли любовный треугольник «Пушкин-Елизавета Алексеевна-Александр I»?


Памятник Елизавете Алексеевне в Белеве./Фото: ic.pics.livejournal.com

В период, когда Пушкин впервые увидел императрицу, она была 32-летней женщиной, пережившей смерть двух малолетних дочерей и потерю возлюбленного – кавалергарда Алексея Охотникова, ставшего отцом её второго ребёнка. И если об этой связи сохранились исторические документы и записи свидетелей событий, то о существовании близких отношений Елизаветы Алексеевны с молодым Пушкиным – нет никаких данных.

Даже тайная платоническая любовь поэта к супруге Александра I является только предположением, в пользу которого говорит лишь эпизодическое упоминание императрицы в стихах поэта, загадочное NN в журнале Ушаковой и нарисованный профиль похожей на Елизавету женщины.

Впрочем, существует ещё одна деталь, которую трудно отнести к простому совпадению. Отправляясь в 1829 году из Москвы на Кавказ, Александр Сергеевич сделал большой крюк, чтобы специально заехать в Белев. Там он посетил склеп, в котором покоилась часть останков умершей в 1826 году царицы. Случилось это как раз в мае – месяце, когда душа Елизаветы Алексеевны покинула бренный мир, не принёсшего ей ничего, кроме страданий, утрат и высокого происхождения.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/271019/44509/

Роковая любовь Богдана Хмельницкого, изменившая ход истории Европы

Не все войны в истории человечества развязывались ради чистых и светлых идей: типа народно-освободительных, захватнических или же религиозных. Иногда причиной военного конфликта становилась женщина. Ибо там, где схлестнулись два властных любящих мужчины, зачастую пересекались и две армии. И как бы потом не оправдывались, и каких не придумывали причин триумфаторы, как бы не перевирали историки факты, им все равно не спрятать истину: войны из-за женщин происходили на нашей планете с древних времен и весьма регулярно. Так и личная жизнь прославленного гетмана Украины Богдана Хмельницкого является именно той стороной медали, которая во многом отразилась на его политике и сыграла знаковую роль в ходе истории Украины, и не только.




Богдан Хмельницкий - украинский гетман, предводитель казацкого восстания.

Политический и государственный деятель, предводитель казацкого восстания, опытный воин и дипломат, один из образованнейших людей своего времени, гетман Богдан Хмельницкий занимает особое место в перечне выдающихся личностей всех времен и народов. Как-то известный политический деятель Англии Оливер Кромвель в своем послании украинскому гетману так обращался к нему: "Богдан Хмельницкий, Божиею милостью генералиссимус греко-восточной церкви, вождь всех казаков запорожских, устрашитель и искоренитель польского дворянства, покоритель крепостей, истребитель римского священства, гонитель язычников и антихристов..." И это была сущая правда.




Богдан Хмельницкий - украинский гетман.

Родился Богдан (Зиновий) Хмельницкий в конце декабря 1795 года в Чигирине. Его отец Михаил служил осадчим, а затем - подстаростой и чигиринским сотником. Именно под Чигирином (ныне Черкасская область) старший Хмельницкий заложил свой хутор Суботов (по названию реки Суба). Именно этот хутор, вернее его судьба, как показали дальнейшие события, станет камнем преткновения и во многом решит долю Украины на несколько веков вперед.


Турецкий плен
Первый раз Богдан Хмельницкий пошел под венец уже в зрелом возрасте, вернувшись из Турции, где был в плену, когда ему было далеко за тридцать. Вместе со своим отцом они принимали участие польско-турецкой войне. В результате военных действий польские войска были разбиты турками. Отец Богдана нашел свою смерть на поле брани, а будущий гетман попал в турецкий плен, где и провел два долгих года, ставшие самыми тяжкими в его жизни.

Будучи в заточении, Хмельницкий вдоль и поперек изучил Коран, в котором чепрал житейскую мудрость, и даж умудрился завести знакомство с некоторыми представителями турецкой государственной элиты. Нужно отметить, что Хмельницкий был высокообразованным человеком, получившим очень приличное образование в латинской школе города Львова, и свободно владел несколькими языками - польским, татарским, турецким, латинским.


Первый брак гетмана




Анна Сомко. / Богдан Хмельницкий.

Своим освобождением из неволи Богдан был обязан, прежде всего своей матери, выкупившей его за большие деньги у турков. По возвращении на хутор Суботов, принадлежавший его погибшему отцу, Хмельницкий вскоре повел к венцу Анну Сомко, дочь богатого переяславского мещанина. За два десятка лет совместной жизни Анна родила Богдану 8-х детей, сведений о судьбе которых, к сожалению, до наших дней практически не сохранились. Исключением были Тимофей, правая рука Богдана и Юрий. Как свидетельствовали очевидцы, Анна была гетману верной женой, хорошей и заботливой матерью его детям, а также помощницей в хозяйских делах. Одно было плохо - имела слабое здоровье.


Пассия Хмельницкого
К концу 1647 года Анна и вовсе слегла. Именно тогда в господском доме и появилась молодая девушка - Гелена (Елена). Согласно документальным свидетельствам, была она особой знатного происхождения. По одной из версий, девушка происходила из брацлавской православной шляхты. Сейчас сложно утверждать в качестве кого она изначально появилась в доме у казацкого полковника Хмельницкого. Однако доподлинно известно, что по времени это совпало с болезнью Анны, когда нужен был уход за домом, детьми, да и самой хозяйкой дома.




Гелена - вторая жена Богдана Хмельницкого.

Гелена была весьма привлекательной, и 52-летний Хмельницкий начал довольно открыто оказывать ей знаки внимания. Анна конечно же, сразу поняла, что пригрела в доме соперницу, но протестовать было бесполезно, зная суровый характер мужа.

Историки не берутся утверждать, стала Гелена любовницей Хмельницкого еще при жизни Анны, или же после ее смерти, очевидным было одно: казацкий полковник намеревался связать с ней свою жизнь, прекрасно осознавая то, что дни супруги сочтены.
Забегая наперед, хотелось бы отметить, что путь к ее сердцу и завоевание руки "степной Елены" (так называли ее некоторые украинские и польские историки) был достаточно не прост...


"Степная Елена", предвестница беды.
Практически со времени появления Гелены в доме Хмельницких и начались все их беды. Успехи в делах Богдана Михайловича, его карьерном росте и в ведении хозяйства в Суботове уже давно не давали покоя завистникам. Многие шляхтичи не против были урвать такой лакомый кусок. Один среди таких и был тщеславный и гордый шляхтич Чаплинский, выходец из Литвы, а на тот момент чигиринский подстароста.




Богдан Хмельницкий.

Еще при жизни Анны, увидев однажды красавицу-Гелену в доме Хмельницких, он задумал коварный план. Чаплинский уже давно не мог простить Хмельницкому то, что тот, будучи человеком незнатного происхождения, сумел подняться по карьерной лестнице так высоко - стать крупным помещиком, дослужиться до престижного полковничьего чина, получить признание у польского короля и других европейских монархов, а также знатных вельмож. А теперь еще и прекрасная молодая женщина в его доме...
По-видимому, именно тогда, когда впервые увидел Гелену в доме своего заклятого врага, Чаплинский твердо решил, что отберет у Хмельницкого не только Суботов, но и эту женщину.

Просчитав время, когда хозяина Суботова не будет дома, слуги Чаплинского захватили хутор, сожгли мельницы, выгнали скот на поля, который почти мгновенно вытоптал все посевы. А Гелену увезли в имение Чаплинского, с которым она впоследствии и обвенчалась.

Хмельницкий, узнав о беспределе на своем хуторе, в ярости кинулся к обидчику с требованием вернуть и хутор, и женщину. Но вместо этого оказался в тюрьме. Вскоре был освобожден и на этот раз, уже едва не лишившись головы, был жестоко избит слугами подстаросты.

Осознав, наконец, что враг значительно сильнее, Богдан временно отказался от открытого противоборства. Сам же Чаплинский не мог чувствовать себя вполне спокойно, пока его противник был жив и находился на свободе. Несколько раз подсылал своих людей подстароста к Хмельницкому, однако тому всегда удавалось остаться живым. Потом Хмельницкий начал было искать справедливости в суде, но там ему ответили только насмешкой, возместив лишь 100 золотых (по оценкам историков, сумма ущерба составляла больше 2 тысяч золотых).




Богдан Хмельницкий - украинский гетман.

В конце концов, потеряв хутор, первую жену, которая не вынесла свалившихся на ее семью бед и умерла, а так же любимую женщину, Хмельницкий вместе с 15-летним сыном Тимошем и близкими соратниками в декабре 1647 отправляется на Запорожскую Сечь. И там начал организовывать восстание. Здесь 19 апреля 1648 года он был избран гетманом. После чего, возглавив казацкое войско, вступает в союз с крымским ханом. К слову, тех пор в течение всей Освободительной войны татары будут союзниками украинского гетмана, - продажными, ненадежными, но все же союзниками, без которых обойтись было невозможно. Так, уже в конце весны 1648 года войско Хмельницкого под Желтыми Водами и Корсунем разгромило коронную армию, предводимую гетманами Потоцким и Калиновским, - основную силу польского войска в Украине.

Одержав блистательные победы, гетман Богдан Хмельницкий повернул свои войска на Черкассы, и 18 июня 1648 года отправил русскому царю Алексею Михайловичу послание с просьбой о принятии Гетманщины в российское подданство. Именно в тот момент ход истории Украины был кардинально изменен.




Въезд Богдана Хмельницкого в Киев. Автор: Картина Николай Ивасюк. (Конец XIX века).

Так, покинув родные края лишенным собственности казацким полковником, Хмельницкий вернулся в Чигирин уже гетманом и главнокомандующим многотысячной казацко-крестьянской армии. Известно, что передовой отряд казаков, войдя в Чигирин, первым делом должен был арестовать Чаплинского, но тот бежал, оставив молодую жену. Гелену доставили "батьке Хмелю", и вскоре он венчается с ней. Разрешение на брак с неразведенной католичкой при живом ее первом муже Хмельницкий получает в Киеве у патриарха Паисия. А в качестве презента за отпущение грехов преподносит тому в дар шестерых коней и 1000 золотых монет.




Богдан Хмельницкий - украинский гетман.

Став женой известнейшего в Украине человека, Гелена, была далекой от политических дел мужа. Ее куда больше интересовали наряды, драгоценности и балы в высшем обществе. Она предавалась веселью и удовольствиям, пила наравне с мужчинами. За спиной у мужа завела роман с Иваном Выговским, соратником Хмельницкого. Да и вообще, не особо волновалась гетманша за свой моральный облик.

Некоторые факты дают возможность предположить, что в выборе партнеров Гелена придерживалась определенных критериев. В большинстве случаев Чаплинская связывала свою жизнь с мужчиной-победителем или же с тем, кто имел возможность стать таковым в будущем. Пока в поединке Чаплинского и Хмельницкого брал верх подстароста, Елена была с ним. Когда же фортуна улыбнулась Богдану, Чаплинская без особых раздумий вышла замуж за него. А когда заметно пошел в гору Иван Выговский, начала отдавать предпочтение тому, предвидя, что именно он будет новым гетманом... Понятно, что такая супруга не могла быть надежной опорой гетману Хмельницкому.


Смертная казнь без суда и следствия

Как-то готовясь к новому походу, "батька Хмель" обнаружил, что в казне не хватает большой суммы. Вначале он подумал, что деньги взял Тимош. Расследование показало непричастность наследника к краже. Хмельницкий ушел на войну, поручив сыну найти виновных.




Портрет Розанды Лупул-Хмельницкой./ Портрет Тимоша Хмельницкого. / Невестка и сын гетмана./

19-летний Тимош, разобравшись, что к чему, вскоре сообщает отцу, что Гелена завела роман с казначеем и украла деньги. Разумеется, что шикарную жизнь, к которой быстро пристрастилась Гелена, нужно было оплачивать. А затем, не дождавшись ответа, Тимош казнит мачеху — в мае 1651 года вешает голой на въезде в семейный хутор Суботов. Подробность о раздевании женщины перед смертью свидетельствует, что причиной ненависти Тимоша к ней вполне могла быть затаенная или неразделенная страсть. По одной из версий, обвинения против Гелены сфабриковала старшинская оппозиция, или же лично сын гетмана.

Хмельницкий был настолько подавлен известием об измене и казни жены, что это считают одной из причин его поражения в битве под Берестечком. А по иной версии он сам распорядился казнить неблаговерную жену. Какова же на самом деле была правда мы уже, безусловно, не узнаем никогда.


Третья супруга великого гетмана.



Жены Богдана Хмельницкого.

Последней женой Хмельницкого стала Анна Золотаренко, сестра известного казацкого командира Ивана Золотаренко. Эта мудрая женщина в корне отличалась от предыдущих жен "батьки Хмеля" прежде всего тем, что принимала участие в государственных делах своего мужа. Именно благодаря ей Чигиринский двор Хмельницкого стал намного солиднее и представительнее, нежели ранее. Попойки, оргии, пьяные потасовки были пресечены, а вместо традиционной водки Анна велела подавать заграничным гостям венгерское вино, разлитое в красивые серебряные сосуды. Приемы иностранных дипломатов проводились на самом высоком уровне.




Анна Золотаренко.

Сама же гетманша была образцом благочестия и отличалась большой тактичностью. Она задавала гостям вполне уместные и важные вопросы, радуя мужа своей мудростью. Да и гетман стал менее вспыльчивым и более обходительным, он безгранично доверял своей супруге. История помнит случаи, когда Анна самостоятельно составляла и обнародовала "Универсалы".

Она прожила с Богданом шесть лет, узнав не только радость счастливой семейной жизни, но и немало горя. На полях сражений сложил свою голову ее брат Иван, а немногим позже погиб сын Богдана Тимофей. Летом 1657 года от кровоизлияния в мозг умер на ее руках и сам великий гетман Богдан Хмельницкий. Спустя 14 лет, вдова "батьки Хмеля" ушла в монастырь, приняв имя Анастасия.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/271019/44513/

Секрет популярности картины Пикассо «Девочка на шаре»: История картины и игра контрастов

Одна из самых известных картин Пикассо наряду с «Герникой» - «Девочка на шаре» - была написана в 1905 году. «Девочка на шаре» знаменует собой завершение «голубого» периода в творчестве Пабло Пикассо и начало нового , который исследователи назвали «розовым» .

Шедевр "розового" периода
Болезненный «голубой» период уступил свое место позитивному, живому и лирическому «розовому». Такая поразительная метаморфоза в характере творчества Пикассо была вызвана ее знакомством с зеленоглазой красавицей Фернандой, с которой художника связывали сильные чувства. Пикассо познакомился с ней в Париже в 1904 году. Фернанда Оливье - художник-модельер, женщина, с которой Пикассо связывали самые долгосрочные отношения (7 лет).



Фернанда Оливье

В это время полотна Пикассо становятся все оптимистичнее и светлее. Если «голубой» период был ознаменован голодом, холодом, бедностью и нищетой, скорбью и печалью, то в новом периоде появляются улыбки и признаки веселья. В это время художник был частым гостем в цирке Медрано. Персонажами его картин становятся арлекины, бродячие актеры и акробаты. Стоит отметить, что Пикассо был не одинок в выборе сюжета своих картин: в начале века многие художники использовали мотив цирковых артистов, чувствуя своеобразную духовную близость с ними. Пикассо пленяет жизнь цирковых артистов: с одной стороны, романтичных и свободных, с другой - бедных и голодных (отголоски «голубого» периода).



"Семья комедиантов

Сюжет
На холсте «Девочка на шаре» Пикассо изобразил странствующую труппу акробатов. В центре композиции художника - девушка-гимнастка и атлет. Фигура девушки изящно изогнута. Она подняла руки, чтобы сохранить держать баланс. Атлет сидит неподвижно, его мощное тело полно спокойствия. На заднем плане есть фигуры женщины с ребенком, собаки и белоснежной лошади. В качестве фона выбрано изображение голой пустыни или степи (абсолютно не соответствует цирковой теме). Таким образом, художник подчеркивает, что жизнь этих людей состоит не только из веселья, ликования и аплодисментов зрителей. В их жизни есть и бедность, и болезнь, и нехватка средств.



Фрагменты картины

Игра контрастов
Что зрители видят на картине? Игру контрастов: легкость и гибкость молодой девушки, балансирующей на шаре, противостоят массивности и устойчивости куба, на котором сидит гигантский атлет. Общепризнанно, что главный художественный инструмент Пикассо - форма, что проявляется и в этой работе (шар и куб). Гибкие, округлые движения девочки, повторяющие форму шара, находятся в явном противоречии с квадратной мускулистой формой человека, сидящего на кубе.

Композиция
Художника привлекает пластика, способствующая созданию гармонии в композиции картины, которая решена удивительным образом. Две фигуры балансируют картину, показывая невидимую, неразрывную связь. Хотя взгляды главных героев не пересекаются, кажется, что они могут существовать только вместе. Действительно, если зритель на мгновение представит себе балансирующую девушку без молчаливой поддержки циркового артиста, она может мгновенно потерять равновесие, соскользнув с мяча. А если исключить девушку гимнастку, тогда присутствие сильного мужчины будет бессмысленно. Согнутая под прямым углом нога мужчины образно воспринимается как опора для хрупкой фигуры девушки. Магия, пронизывающая работу великого мастера, основана на балансе, контрастах, освещении, гармонии цветов. Картина поражает приятной пастельной светлой палитрой- это розово-синий цвет с бежевыми тонами. Основным методом реализации сюжета является темная линия.

Предшественница кубизма
Вся «конструкция» картины пронизана антонимами - тяжелым сильным человеком и гибкой грациозной девушкой, кубом и мячом, детализированным близким передним планом и самым дальним задним краем. Эта знаменитая работа может являться предшественницей кубизма - картина отличается удивительным сочетанием геометрических форм объектов и человеческих фигур.



Пабло Пикассо
Нежные жемчужные, розовые и голубые тона, новое ощущение воздуха и пространства делают «Девочку на шаре» одним из шедевров «розового» периода Пабло Пикассо. Мягко освещенная девушка выглядит хрупкой, миниатюрной, эфемерной. Сурово освещенный мужчина выглядит мускулистым, величественным, заземленным. Она небо. Или вода. Он земля или камень. И они, действительно, не могут существовать друг без друга.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/281019/44524/

Как правильно ходили в театр в XIX веке: Наряды, нормы поведения, распределение мест и другие правила

В XIX веке театр в России был не только местом, где можно было насладиться великолепной игрой актёров, но и настоящим светским заведением. Здесь в антракте мужчины назначали встречи и обсуждали деловые вопросы, в театре велись разговоры о политике и заводились полезные знакомства. И вся эта светская жизнь подчинялась особым правилам этикета, нарушать которые было непозволительно.


Внешний вид


Михаил Александрович Зичи. «Спектакль в московском Большом театре по случаю коронования Александра II». / Фото: www.artchive.ru

Прийти в обычном платье на спектакль дама не имела никакого права. Наряд должен был быть вечерним, но ни в коем случае не бальным, а глубина декольте регулировалась тем местом в зрительном зале, которое занимала барышня. Самые глубокие вырезы были у дам, сидящих на нижних ярусах, а вот на верхних декольте были тем скромнее, чем был выше ярус.




Дана Шрайбер. «Театральный дамский набор». / Фото: www.artchive.ru

Женщинам старшего возраста позволялось прикрыть вырез накидкой, а молодые девушки носили платья, щедро украшенные лентами, цветами и кружевом. Впрочем, солидным барышням тоже не возбранялось выбирать яркие цвета и самые разнообразные отделки для своих нарядов. Любой дамский наряд обязательно дополнялся перчатками, веером и подходящими шляпками, непременными были и ювелирные украшения с драгоценными камнями. Высокие причёски и шляпки считались дурным тоном, а этикет предписывал вести себя сдержанно и воспитанно.




Михаил Александрович Зичи. «Парадный спектакль в честь германского императора Вильгельма I в Михайловском театре». / Фото: www.artchive.ru

Мужчины тоже выбирали для посещения театра приличествующие костюмы: тёмно-красные, чёрные или синие парадные фраки, белоснежные рубашки с накрахмаленными манжетами и воротничками, изысканные вышитые цветные жилеты. Непременным дополнением были галстуки или шейные платки, шляпы и перчатки обязательно белого цвета. Когда вошли в моду цилиндры, их стали считать приличным головным убором как раз для выхода в свет. Естественно, в театре мужчины головные уборы снимали.


Распределение мест в зрительном зале


Рамон Касас Карбо. «В оперном театре Лисео» / Фото: www.artchive.ru

Места в зале распределялись в соответствии с тем положением, которое занимал человек в обществе. В первом ряду партера могли сидеть только высшие гражданские и военные чиновники, а также послы со своими секретарями. Второй и третий ряд занимали сановники с дворянским происхождением, а уже за ними офицеры среднего звена, иностранные гости, известные артисты, меценаты, банкиры. На галёрке дозволялось выкупать билеты зрителям простым, происхождения незнатного: торговцам, ремесленникам, студентам.

Билеты в правой части зрительного зала покупали обычно люди, которые бывали в театре лишь время от времени, а вот слева сидели знатоки и любители искусства. У них, как правило, был свои места, которые они выкупали сразу на весь театральный сезон или, по крайней мере, на несколько спектаклей подряд.




Рамон Касас Карбо. «В театре. Новости» / Фото: www.artchive.ru

Дамам было позволено сидеть в партере только со второй половины XIX века, до этого они могли сидеть лишь на передних креслах балконов и лож. Если же дама теперь и могла занять место в партере, то наряд её в этом случае отличался скромностью: никаких декольте и ярких цветов, только чёрный цвет, закрытый воротничок и скромная шляпка без всякой отделки. Одинокая дама, заботящаяся о своей репутации, не имела права явиться в театр в одиночестве, её обязательно сопровождал супруг, а незамужних юных барышень – старшие родственницы или родители.


Поведение во время спектакля


Федерико Дзандоменеги. «В театре» / Фото: www.artchive.ru

Опоздание на спектакль считалось крайне неприличным, однако зрителям, занимавшим ложи, можно было приходить уже после начала сценического действия или даже посмотреть всего часть постановки. Объяснялось это тем, что в ложах с отдельным входом зрители никому не мешают, уходя со своего места или занимая его позже положенного.

Громкое обсуждение происходящего на сцене считалось неприличным, как и крики «браво» и «бис». Впрочем, касалось это только аристократов, публика попроще могла себе позволить выражать эмоции. А вот дамам нельзя было даже аплодировать – это была прерогатива мужчин. В партере и на балконах воспрещалось есть и пить, однако в ложи, которые занимала императорская семья или знатные аристократы, подавали прохладительные напитки, сладости и фрукты.




Борис Михайлович Кустодиев. «В ложе». / Фото: www.artchive.ru

Театральный бинокль можно было использовать только для того, чтобы лучше видеть происходящее на сцене, рассматривать публику запрещалось категорически. Впрочем, юным зрительницам и без бинокля нельзя было открыто рассматривать людей в зале, только в антракте они могли незаметно взглянуть на других зрителей.


Поведение во время антракта


Пьер Огюст Ренуар. «В театре». / Фото: www.artchive.ru

Знатные дамы, располагавшиеся в ложах, по этикету не могли её покинуть даже в антракте. Как правило, мужчина, её сопровождавший, спрашивал, чего бы хотела барышня, и приносил желаемое. При этом фрукты и сладости надлежало предложить всем, находящимся в ложе, даже если зрители друг друга не знали. Светские люди были обязаны предложить дамам афишу.




Пьер Огюст Ренуар. «Театральная ложа (на концерте)». / Фото: www.artchive.ru

Если в зале было жарко и душно, барышням дозволялось выйти в фойе со своими сопровождающими. Правда, иногда дамы пренебрегали сим правилом и прогуливались в одиночестве, там случались приятные знакомства, назначались свидания после спектакля и даже происходили кокетливые объяснения в любви.

Мужчины спокойно гуляли по фойе, общались со своими знакомыми, обсуждали любые вопросы, завязывали новые знакомства и даже занимались делами. Самое главное было вести разговор тихо, дабы не докучать остальным и не заставлять их слушать чужую беседу.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/291019/44494/