Ученые давно доказали, что искусство благотворно влияет на здоровье человека, уменьшая уровень тревоги и стресса в его организме. Особенно это касается изобразительного искусство и созерцания прекрасного. Поэтому, чтобы 2020 год был исполнен благоприятным состоянием тела и духа, стоит посетить Эрмитаж и увидеть самые знаменитые экспозиции музея.
«Апостолы Петр и Павел» кисти Эль Греко
Эль Греко - один из самых ярких и оригинальных художников. Грек по происхождению, он изучал живопись в Италии в мастерской великого Тициана. От своего кумира он научился масляной технике, также был вдохновлен художественными приемами итальянского маньеризма. Эль Греко выделялся среди своих коллег оригинальностью драматически выразительного стиля. В своих портретах он уделял большое внимание психологической характеристике. В этой картине из Эрмитажа художник представляет два разных типа людей. Слева - апостол Петр, трижды отрицавший существование Христа. Его лицо передает печаль и неуверенность, в то время как его жесты имеют оттенок покаяния и мольбы. Апостол Павел, который, как известно, изначально был ревностным гонителем христиан, на картине проявляет духовный пыл в утверждении истины. Жесты рук, образующие композиционный центр произведения, выражают диалог, который объединяет двух апостолов.
Седовласый Петр, завернутый в мантию золотого цвета, наклонил голову в сторону. В левой руке он держит свой символ - ключ к Царству Небесному. Павел крепко прижимает левую руку к открытому тому на столе, правая рука поднимается в жесте разъяснения при взгляде прямо на зрителя. Св. Петр и Св. Павел появляются в творчестве Эль Греко множество раз, и они изображены с поразительной последовательностью. Петра художник всегда показывает с седыми волосами и бородой, и он часто носит желтое одеяние поверх синей туники. Павел всегда слегка лысеющий, с темными волосами и бородой, в красной мантии, надетой на синюю или зеленую одежду.
«Кающаяся Мария Магдалина» Тициана
«Кающаяся Мария Магдалина» - это портрет святой Марии Магдалины Тициана, датируемый приблизительно 1531 годом, с подписью 'TITIANUS' на сосуде слева. По сюжету это женщина с распутным прошлым, которая, согласно Евангелию (Луки 7, 36-50), пришла в дом Симона Фарисея, чтобы просить Иисуса о прощении. Это фигура, наполненная женственностью, изображаемая Тицианом с использованием густых, концентрированных мазков и теплых тонов. Палитра подчеркивает невероятные глаза, пропитанные кристаллическими слезами. Изумительно написаны медные светлые волосы, которые покрывают фигуру. Тема кающейся Марии Магдалины, поднимающей глаза к небу, приобрела большую популярность в Италии XVI века среди аристократов, религиозных деятелей и богатого среднего класса. Отсутствие одежды символизирует отказ Магдалины от драгоценностей, золота и мирских увлечений ради веры во Христа. Кроме того, золотые волосы и в целом фигура Магдалины соответствуют стандартам красоты эпохи Возрождения.
«Мадонна Литта» Леонардо да Винчи
Картина получила свое название от миланской дворянской семьи, в коллекции которой она находилась на протяжении большей части XIX века. В 1865 году русский царь Александр II приобрел полотно для Эрмитажа, где оно выставлено по сей день. Эта работа изображает Мадонну, кормящую грудью Младенца Христа. Обратите внимание на отсутствие ореолов в этой картине. Ряд полотен Леонардо демонстрируют эту же черту. Фигуры расположены в темном интерьере с двумя арочными отверстиями, показывающими вид горного ландшафта. Интересная деталь: в центре картины, в левой руке Христа, находится щегол, который является символом страстей христовых.
Чувство радости материнства на картине «Мадонна Литта» особенно восхитительно изображено благодаря богатству самого образа Марии - здесь оно нашло свое зрелое выражение женской красоты Леонардо. Нежное, красивое лицо Мадонны придает особую духовность полузакрытым глазам и легкой улыбке. Композиция картины поражает своей поразительной четкостью и совершенством. Мадонна с Младенцем была распространенным мотивом в христианском искусстве в средние века и продолжала существовать в эпоху Возрождения.
«Лютнист» Караваджо
Картина была написана по заказу кардинала Франческо дель Монте, который покровительствовал художнику. Караваджо изобразил молодого человека, увлеченного музыкой: его взгляд полон вдохновения, пальцы цепляются за струны. Фигура юноши в белой рубашке отчетливо выделяется на темном фоне. Резкое боковое освещение и падающие тени придают объектам практически ощутимый объем и вес. Объекты, размещенные на картине, свидетельствуют о большой любви художника к окружающему миру, его стремлении правдиво воспроизвести природу, передать материальное качество каждой детали. На записной книжке, лежащей перед героем с лютней, написаны начальные ноты популярного в XVI веке мадригала «Ты знаешь, что я люблю тебя».
Любовь как тема этой работы также обозначена другими объектами. Например, потрескавшаяся лютня была метафорой любви, которая терпит неудачу. На заре творчества Караваджо часто придавал молодым людям женские черты, что, впрочем, было характерно для итальянского искусства конца XVI века. Интересно, что музыканта с картины из Эрмитажа зачастую принимали за девушку, а композицию называли «Лютнистка».
«Дама в голубом» Томас Гейнсборо
Одна из лучших работ художника - «Дама в голубом» - создана Гейнсборо в расцвете творческих сил. Фигура молодой женщины в открытом платье из прозрачной белой ткани нежно выделяется на темном фоне. Ее пудровые волосы уложены в причудливую причёску. Крупные кудри опускаются на покатые плечи. Свежесть молодого лица подчеркнута полуоткрытыми губами и миндалевидными темными глазами. Легким движением правой руки она придерживает синий шелковый шарф. Сероватые, голубоватые, розоватые и белые тона здесь и там усилены яркими штрихами, и помогают передать элегантность и красоту модели.
Смелость живописных приемов Гейнсборо поразила современников. Так, Рейнольдс отметил «странные пятна и черты» на картинах Гейнсборо, «которые кажутся скорее результатом случайности, чем сознательным намерением». Именно эта неакадемическая традиция является одним из высших достижений Гейнсборо. «Дама в голубом» поступила в Эрмитаж в 1916 году из собрания А. 3. Хитрово по завещанию.
«Возвращение блудного сына» Рембрандт Харменс ван Рейн
Этот шедевр библейского искусства снова подтверждает статус Рембрандта как одного из лучших художников всех времен и величайшего из всех старых мастеров в изображении сцен Библии. Картина «Возвращение блудного сына», завершенная художником в последние годы жизни, изображает сцену из притчи Евангелия от Луки 15: 11–32. По словам выдающегося искусствоведа Кеннета Кларка, полотно входит в число величайших картин всех времен. По сюжету отец, подобно патриарху, возлагает руки на плечи выбритого кающегося и одетого в изношенные одежды сына. Его глаза почти закрыты. Акт прощения становится благословением почти сакраментального таинства.
Эта картина с предельной одухотворенности, свободной от всех анекдотических аспектов, в которой все движения и действия зашли в тупик. Сцена погружается в темноту, похожую на тонель, из которого бледно сияют лица отца и его старшего сына. Их красные мантии придают этой тьме свечение. Рембрандт неоднократно писал картины на темы о блудном сыне, но в этой монументальной масляной версии он пришел к своему наиболее волнующему и - благодаря контрастированию старшего и младшего (блудного) сына - психологически наиболее сложной формулировке.
«Танец» Анри Матисса
«Танец» - одна из самых известных работ Анри Матисса - ода жизни, радости, физическому отказу и символ современного искусства. Произведение было заказано влиятельным русским коллекционером Сергеем Щукиным в 1909 году для украшения его особняка. Характерная своей простотой и энергией, эта художественная вакханалия оставила неизгладимый след в искусстве XX века. Танец был написан в разгар эстетики фовизма и воплощает эмансипацию традиционных западных художественных традиций. Эстетический выбор Анри Матисса для этой картины вызвал настоящий скандал в художественных салонах 1910 года. Дерзкая обнаженная натура и грубые оттенки придали картине неординарный для того времени характер, который в глазах некоторых зрителей казался варварским.
Анри Матисс
Матисс использовал только три цвета для изображения этого танца: синий, зеленый и красный. В соответствии с традиционными цветовыми ассоциациями фовизма, эти три оттенка создают интенсивный контраст. Однако целью Матисса было не шокировать аудиторию. Напротив, он стремился объединить людей друг с другом и с природой. Как сказал художник: «То, о чем я мечтаю, - это сбалансированное, чистое и спокойное искусство, которое может избежать неприятностей или разочарований».
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/200120/45236/
Комментариев нет:
Отправить комментарий