Виктория учится в магистратуре на искусствоведа и ведет в телеграме увлекательный канал под названием «Поясни за Ренессанс». Здесь она в необычной манере рассказывает о живописных полотнах, принадлежащих перу не только мастеров эпохи Возрождения, но и современных художников.
«Ночной дозор», Рембрандт, 1642 год
© Rembrandt van Rijn / Public Domain / wikipedia
Динамичная штука, не правда ли: игра света и теней, все чем-то заняты, собакен в углу лает.
Тут помимо мушкетеров есть и девушка в светлом платье. Ее несложно заметить, она прямо в золотом сечении картины. Зачем она там нужна, до сих пор точно никто не знает. Возможно, девушка — талисман стрелков. Желтый цвет вроде как означает победу, ну и эта курица на поясе может быть отсылкой к символу мушкетеров — птичьему когтю.
На это гигантское полотно (3,63 на 4,37 м) можно посмотреть в Государственном музее Амстердама.
«Последний день Помпеи», Карл Брюллов, 1833 год
© Karl Brullov / Public Domain / wikipedia
Идея картины пришла к Брюллову после посещения раскопок. Он был так впечатлен, что зациклился на трагедии на 6 долгих лет.
А чтобы вы сами не загрустили, вот вам клевый факт. Короче, тот парень с ящиком красок на голове в левом углу картины — это сам Брюллов. Да, он нарисовал себя на своем полотне. Гениально.
Посмотреть вживую на этот мрачный замес можно в Русском музее.
«Композиция с красным, синим и желтым», Пит Мондриан, 1930 год
© Piet Mondriaan / Public Domain / wikipedia
Нездоровое желание Мондриана убрать все лишнее из картины привело к тому, что в какой-то момент осталось только 3 цвета и линии. Почему именно эти цвета, спросите вы? Тут все просто: это основные цвета в палитре. Смешав их в разных пропорциях, можно получить бесконечное количество оттенков. А славу этой картине принес показ Ива Сен-Лорана в 1965 году. Дизайнер создал 6 платьев, увидев в этой работе неподражаемый и вечный стиль.
Посмотреть можно в Москве на станции метро «Румянцево». Шутка. Нигде, это из частной коллекции.
«Поцелуй», Густав Климт, 1907–1908 годы
© Gustav Klimt / Public Domain / wikipedia
Все романтизируют эту картину, хотя она, по мнению многих культурологов, вовсе не про любовь. Надо быть внимательнее, друзья. Во-первых, вы посмотрите на руки дамы, как они напряженно отстраняют мужчину. Во-вторых, поза на коленях, в стиле подчинения. Видно, что героиня в ситуации, когда не может сказать нет. Тут либо ты отвечаешь согласием, либо... А вообще картина шикарная. Вот этот магический ореол из золота (оно настоящее, кстати), отсылки к египетским мотивам, когда все было двухмерное, — просто обалденны.
Посмотреть на сие произведение искусства можно в галерее Бельведер, Вена.
«Букет в деревянном вазоне», Ян Брейгель Старший, 1606–1607 годы
© Jan Brueghel / Public Domain / wikipedia
Просто посмотрите, какая обалденная картина. Это классический голландский цветочный натюрморт. Художник часто путешествовал, чтобы запечатлеть на полотнах редкие цветы. Еще у него была богатая покровительница (назовем это так), которая протаскивала его в королевские оранжереи, чтобы он мог писать с натуры. Букет, кстати, нереальный, потому что изображенные растения цветут в разное время в течение года. Вот поэтому Брейгель так долго и писал одну картину, это не прокрастинация.
Где посмотреть: «Старая пинакотека», Мюнхен.
«Дискобол», Мирон, V век до н. э.
© Myron of Eleutherae / Public Domain / wikipedia
Вот эту статую, наверное, не видел только ленивый неуч. Можно подумать, что это какой-то очень знаменитый спортсмен, но нет. Это обобщенный образ, лишенный всякой индивидуальности. Тогда все частное переходило на второй план, и это четко прослеживается во всем искусстве Древней Греции. Каждый скульптур искал в своих произведениях ту самую универсальную формулу.
Кстати, оригинал из бронзы, к сожалению, не сохранился, к нам дошли только римские копии из мрамора. Лучшая из них стоит во дворце Массимо в Риме.
«Сад земных наслаждений», Иероним Босх, 1500–1510 годы
© Hieronymus Bosch / Public Domain / wikipedia
Оригинальное название картины неизвестно, так ее окрестили исследователи. Мы разберем лишь маленькую часть полотна. Видите леди, купающихся в воде, а вокруг скачут мужчины? Предметы на головах дам могут показаться странными и рандомными, но я сейчас объясню. Так вот, черные птицы означают несчастье и скверный характер, а ягоды — распутство и похоть. А характер мужчины определяется тем животным, на котором он сидит. Найдя свою вторую половинку, мужчины и женщины разбредаются по саду, чтобы наслаждаться райской, распутной жизнью вдвоем. Как говорится, каждой твари по паре.
Работа висит в мадридском музее Прадо.
«Обнаженная, сидящая на диване», Амедео Модильяни, 1917 год
© Amedeo Modigliani / Public Domain / wikipedia
Тут будет грустная история. На картине изображена возлюбленная художника — Жанна. Они встретились как раз в 1917 году. Модильяни был совсем от нее без ума и писал ее как минимум 25 раз. Так получилось, что им не суждено было долго прожить вместе. В 1920-м он умер от туберкулеза, а на следующий день она покончила с собой.
Спустя много лет картину продали очень задорого (реально дорого), сейчас она в частной коллекции.
«Успение Богоматери», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1605–1606 годы
© Caravaggio / Public Domain / wikipedia
Все весьма удивились, когда впервые увидели эту работу. Хотя Библия ничего не рассказывает о смерти Девы Марии, все равно данный сюжет писался по особым иконографическим канонам. Караваджо смело все это проигнорировал. Художник показал самую откровенную земную реальность без вот этого ореола святости. Ладно, небольшую дань традициям он все-таки отдал: если приглядеться, можно увидеть нимб над головой Марии. Но сама она изображена как обычный человек, который умирает в кругу таких же обычных людей.
Про Караваджо после этого был распущен слух, что он человек безнравственный. Но все же потом его признали великим художником, и сейчас эта картина висит в Лувре, Париж.
«Старая кокетка», Бернардо Строцци, около 1637 года
© Bernardo Strozzi / Public Domain / wikipedia
Основной посыл картины очевиден: стареть — очень тупо и пытаться молодиться — тоже. Это полотно относят к жанру эпохи барокко ванитас, который поднимает тему быстротечности жизни и неизбежности смерти. Так, ну давайте дальше пробежимся по главным символам. В одной руке старуха держит розу, но это ладно. Вот в другой руке у нее букет флердоранжа — традиционный атрибут невесты. Тут такая степень иронии, что с ума можно сойти. Еще есть супертолстая отсылка к ванитас — мертвая птичка на зеркале.
Посмотреть на картину и поразмышлять о бренности бытия можно в ГМИИ им. Пушкина, Москва.
«Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк, 1434 год
© Van Eyck / Public Domain / wikipedia
Слышали про эпоху Северного Ренессанса? Ну тот же Ренессанс, только в германоязычных странах. Так вот этот художник оттуда.
На картине изображено венчание. В то время, чтобы заключить брак, нужны были 2 стула, как говорится. Можно было сделать это в церкви или дома при наличии двух свидетелей. «Где же свидетели?» — спросите вы. Но посмотрите в зеркало за парой. Кстати, один из показанных в отражении, возможно, сам ван Эйк. Как обычно, игра гения. Но художник не удержался и оставил еще один след. Это маленькая надпись над зеркалом, как на заборе, вроде «Ян ван Эйк был тут». И просто нельзя пройти мимо этого песика в ногах пары, здесь он как символ верности.
Шедевр висит в Лондонской национальной галерее.
«Дама с единорогом», Рафаэль Санти, 1506 год
© Rafael Santi / Public Domain / wikipedia
Как будто бы похоже на «Мону Лизу», не правда ли? Вот этот пейзаж сзади и поза девушки очень сильно напоминают «Джоконду». Интересно, что картины были написаны примерно в одно время. Единорог тут символизирует целомудрие. Согласно средневековым легендам, приручить животное может только невинная девушка. Модель — это вообще отдельная тема, интрига. Расскажу одну из самых сочных версий: девушка, возможно, была любовницей Папы Римского, потому что родовым символом ее семьи был как раз единорог.
Где посмотреть: галерея Боргезе, Рим.
«Маха одетая», Франсиско Гойя, 1800–1805 годы
© Francisco Goya / Public Domain / wikipedia
Кто эта дама в легком одеянии, доподлинно не известно. Могу лишь сказать, что махой в Испании называли девушек из низшего общества с буйным нравом. У картины есть пара, которая была написала раньше. Там эта же маха, только раздетая. Вообще за обнаженку Гойя мог легко попасть в тюрьму, ведь в те годы в Испании властвовала инквизиция и церковь всеми силами пыталась влиять на искусство. Обнаженная натура считалась безнравственной и была под запретом, но разве это остановило Гойю?
Конечно же нет, тем более что он имел надежные связи в самых верхах. Но даже этот факт не позволил художнику показывать внаглую голую женщину. Обычно выставлялась «Маха одетая». И только иногда с помощью специального механизма из-за картины выезжало другое полотно с обнаженной женщиной.
На обе картины можно посмотреть в музее Прадо, Мадрид.
«Ночная терраса кафе», Винсент Ван Гог, 1888 год
© Vincent Willem van Gogh / Public Domain / wikipedia
Видите картину Ван Гога — говорите с умным видом, что это постимпрессионизм, и вас сразу примут в богемную тусовку.
Это реальная улица с кафешкой во французском городе Арль, где художник выпивал ближе к концу жизни. И самое лучшее во всем этом то, что через 100 лет это место отреставрировали и сделали прямо как на картине. Наверное, все обратили внимание на звездное небо: это узнаваемая фишка Ван Гога. С точки зрения астрономии тут, кстати, все четко и стоит на своих местах. Художники, которые проводят исследования, гениальны.
Оценить глубину цвета и волшебное звездное небо можно в музее Крёллер-Мюллер в Оттерло (Нидерланды).
«Чудо со статиром», Мазаччо, 1425–1427 годы
© Masaccio / Public Domain / wikipedia
Суперлогичная композиция. Тут 3 действия из одной сюжетной линии, взятой из Евангелия. Можно сказать, почти как кино. Иисус с апостолами отправляется в путешествие по городам. Дойдя до Капернаума, они сталкиваются с первыми трудностями: чтобы зайти, надо заплатить. Тогда Иисус говорит апостолу Петру: «Иди лови рыбу, и в ней найдешь нужную монету — статир». Так в общем-то и получилось, на то он и Иисус. Петр благополучно оплачивает вход всех апостолов.
Кстати, фреска появилась не просто так, а была сделана по заказу государства. Глупым людям нужно было показать, как важно платить налоги. В то время в Италии как раз разрабатывалась налоговая реформа.
Посмотреть на работу можно в часовне Бранкаччи церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции.
«Кафе в Арле», Поль Гоген, 1888 год
© Paul Gauguin / Public Domain / wikipedia
Во французский город Арль художник приехал по приглашению Ван Гога, у которого в то время уже были первые признаки сумасшествия (помните эпизод с отрезанным ухом?). Друзья не только мастерски уничтожали горячительные напитки, но и соревновались в создании шедевров. Эта картина в узнаваемом стиле постимпрессионизма — живое доказательство того, что вдохновение можно найти даже в задрипанной привокзальной кафешке.
На переднем плане жена хозяина заведения, она улыбается, хотя и выглядит довольно усталой. Сзади завсегдатаи кафе — в основном забулдыги и падшие женщины. Можно заметить, что у каждого плана свой цвет: впереди белый, потом зеленый с желтым, ну и красный.
Посмотреть на картину можно в ГМИИ им. Пушкина в Москве.
«Фокусник», Иероним Босх, 1475–1502 годы
© Hieronymus Bosch / Public Domain / wikipedia
Это одна из ранних работ Босха. Тут он еще не ударился в библейские сюжеты и не стал писать всякую чертовщину, которая позже сделала его знаменитым. Хотя странные животные присутствуют (привет сове и собачке (обезьянке) в шутовском наряде). Толпа зевак остановилась посмотреть на представление. И на удивление всем фокусник-шарлатан извлекает изо рта простодушной жертвы лягушку. Видимо, вторую, так как одна уже сидит на столе.
Зрители испытывают разные чувства: кому-то нравится, кто-то хмурится от недоверия. Но обратите внимание на человека, стоящего позади. Он, несомненно, сообщник фокусника: пока люди из толпы отвлечены низкопробным шоу, тот незаметно тырит кошелек. Фокус с исчезновением, так сказать.
Точная копия картины хранится в Муниципальном музее города Сен-Жермен-ан-Ле, а оригинал, к сожалению, утерян.
«Впечатление. Восходящее солнце», Клод Моне, 1872 год
© Claude Monet / Public Domain / wikipedia
Перед нами старый порт во французском Гавре — родном городе художника. Казалось бы, 50 оттенков серого, да и сюжетик так себе, но это полотно перевернуло игру. Считается, что именно картина «Впечатление» (Impression) и дала название направлению импрессионизма в искусстве. Это фактически отказ от академизма в пользу мимолетного восприятия действительности, не знаю, как лучше сказать. Поначалу современникам не понравился стиль, и они посчитали неаккуратные мазки Моне ужасными. Позже у художника появились последователи и подражатели по всему миру.
Вообще Моне посвятил порту в Гавре целую серию картин. Именно эта хранится в музее Мармоттан-Моне, Париж.
«Мадонна канцлера Ролена», Ян ван Эйк, 1435 год
© Jan van Eyck / Public Domain / wikipedia
Канцлер Ролен за свою жизнь совершил много плохих поступков, поэтому он попросил ван Эйка изобразить его на портрете с Мадонной. Так сказать, последняя надежда на местечко в раю. Картина визуально поделена на 2 части. Слева — мирское: канцлер как олицетворение грешного мира. А справа — божественное: Мадонна с ребенком Иисусом на коленях. Позади нее сад с цветами, который символизирует непорочность.
Видите за цветами двух человек? Тот, который в красном тюрбане, — сам ван Эйк (это почти точно). Знаете же, как художники любят добавлять себя на полотна. Рядом с мужчинами 2 павлина, в живописи они обычно означают гордость и бессмертие.
Я не знаю, удалось ли в итоге Ролену обнулить грехи, но картина вышла шикарная. Посмотреть на нее можно в Лувре, Париж.
«Сикстинская Мадонна», Рафаэль Санти, 1512 год
© Rafael / Public Domain / wikipedia
Картина написана по заказу самого Папы Римского для церкви Святого Сикста II, отсюда и название. Навстречу нам спускается Мадонна с младенцем, рядом с ней Сикст II и святая Варвара. Яркий зеленый цвет занавеса на заднем плане наверняка выбран неслучайно: в живописи он символизирует плодородие, жизнь и надежду. Тут нам все в принципе подходит. Наверное, самая популярная часть этой картины — 2 задумчивых ангелочка внизу. Еще, кстати, присмотритесь к облакам за фигурами главных героев, там можно увидеть лица ангелов.
Полотно хранится в Галерее старых мастеров, Дрезден.
«Весна», Сандро Боттичелли, 1482 год
© Sandro Botticelli / Public Domain / wikipedia
Как можно догадаться, это эпоха Раннего Ренессанса: тут все такое пестрое, праздничное, люди похожи на людей, хотя и слишком красивые. На полотне Боттичелли изобразил сразу 3 месяца весны, просто потому что может. Вот справа бог ветра куда-то уносит лесную нимфу. Это олицетворение марта, такой бесцеремонный тип. Центральный персонаж — Венера. Древние римляне праздновали ее восхождение в апреле, так что 2-й месяц весны — это вот она. Ну и последний месяц май: он слева на картине что-то там ковыряет палкой. Его олицетворяет Меркурий, сын богини Майи. Палкой он разгоняет тучи, ведь если не будет солнца, то ничего из еды не вырастет.
Полотно можно увидеть в галерее Уффици во Флоренции.
«Кающаяся Мария Магдалина», Тициан Вечеллио, 1565 год
© Tizian / Public Domain / wikipedia
Как можно догадаться из названия, тут изображено раскаяние. Вообще Мария Магдалина в католическом искусстве часто изображается как раскаивающаяся грешница. Художники пишут ее с распущенными волосами, легко одетой, даже с намеком на наготу. Тут Тициан решил не отличаться. Перед главной героиней мы видим Священное Писание. Еще можно заметить череп — это такое заигрывание художника с темой memento mori («помни о смерти»).
Полотно хранится в Эрмитаже.
«Мистер и миссис Эндрюс», Томас Гейнсборо, 1750 год
© Thomas Gainsborough / Public Domain / wikipedia
Любимым жанром Гейнсборо был пейзаж, но, к сожалению, он не приносил ему прибыли и славы. Тут ему помогла природная изобретательность. Аристократы, как известно, всегда балдели от помпезных портретов в стиле рококо. В те самые портреты Гейнсборо и добавляет свой любимый сельский пейзаж, и так рождается новый жанр, который сразу становится популярным в высшем обществе.
Фигуры на картине как бы обращены к нам и приглашают на легкую беседу. Образы лиричные, напрочь отсутствует гламурность французского рококо. Но такие детали, как охотничий костюм, ружье и пышное платье говорят о состоятельности изображенных людей. На фоне, кстати, не просто лужайка с овечками, это приданое миссис Эндрюс. А дуб за героями как символ процветания династии.
Полотно хранится в коллекции Лондонской национальной галереи.
«Полуночники», Эдвард Хоппер, 1942 год
© Edward Hopper / Public Domain / wikipedia
Художник мастерски создает напряжение не только цветовой гаммой, но и незаметными деталями. Тут вроде у нас кафе, люди, но зайти к ним мы не можем, ведь дверей не видно. Они там как будто заперты, и мы можем только наблюдать.
Может быть, вы читали рассказ Хемингуэя «Убийцы», там 2 человека ждали свою жертву в кафе. Кажется, что картина — идеальный сеттинг для такого. Еще возможно, что это сцена из вымышленного кино. Посмотрите на эту ровную экспозицию — точно кадр из фильма. Вообще известно, что сам Хоппер был диким фанатом кинематографа, и когда не рисовал, шел в кинотеатр.
